Oggi riprendiamo la rubrica "Professione caratterista", in cui vi presento alcuni dei più grandi caratteristi della storia di Hollywood. Qui trovate i primi due post. Quando si vede un caratterista in un film la prima domanda che viene in mente è "Ma dove l'ho già visto?". Perciò ho deciso di facilitarvi il compito e raggrupparveli tutti insieme. Oggi vi parlo di altre 8 attrici. La prima ha una menzione speciale perchè in realtà il suo livello recitativo è superiore alle altre e per questa ragione è spesso stata definita dai critici dell'epoca "una caratterista di lusso".

1) Judith Anderson

Nasce il 10 febbraio 1897 a Adelaide, in Australia, come Frances Margaret Anderson. Inizia la sua carriera nel teatro australiano prima di trasferirsi a New York nel 1918. Dopo aver lavorato a Broadway come attrice, nel 1937, entra a far parte della compagnia londinese dell'Old Vic, recitando in Macbeth accanto a Laurence Olivier, diventando una delle interpreti più famose di questo ruolo tra il 1937 e il 1941 (nel 1960, verrà nominata Dama Comandante dell'Ordine dell'Impero Britannico dalla regina Elisabetta II per i suoi contributi al teatro).

I suoi lineamenti duri, l’aria severa e lo sguardo minaccioso l’hanno resa interprete perfetta per personaggi forti e spesso malvagi. Ha spesso vestito i panni di cameriere e serve, ma anche aristocratiche malvagie.

Il primo ruolo importante al cinema, e probabilmente il più famoso, di Judith Anderson è quello della signora Danvers nel film Rebecca (1940) di Alfred Hitchcock, per il quale riceve una nomination all'Oscar come miglior attrice non protagonista. Successivamente, interpreta la subdola zia Ann Treadwell in Vertigine (1944), la zitella acida in Dieci piccoli indiani (1945), la zia tiranna e dominatrice in Lo strano amore di Martha Ivers (1946) e la madre in Notte senza fine (1947). Interpreta la malvagia Erodiade in Salomè (1953) e la serva traditrice Memnet ne I dieci comandamenti di Cecil B. DeMille (1956). Infine è la sottomessa Big Mama nel film La gatta sul tetto che scotta (1958).

Nel 1947, torna a teatro per interpretare Medea accanto a John Gielgud, per cui vince un Tony Award come migliore attrice drammatica. Appare a 87 anni nel 1984 nel film Star Trek III: Alla ricerca di Spock nel ruolo della principessa vulcaniana T'Lar. Muore il 3 gennaio 1992 all'età di 94 anni per polmonite a Santa Barbara.

2) Mary Boland 

Nata a Detroit il 28 gennaio 1880, figlia di attori girovaghi, Mary Boland inizia la sua carriera nel teatro accanto a Ethel Barrymore ed Helen Hayes, prima di passare al cinema muto nel 1915. Dopo un periodo di assenza dallo schermo, torna nel cinema sonoro negli anni '30.

Ha interpretato personaggi comici e eccentrici, spesso madri e zitelle, ma anche nobildonne matrone dalla simpatica verve, a volte svampita, petulante o invadente, ma con tempi comici sempre perfetti. È stata la moglie di Charles Ruggles nell’episodio di Se avessi un milione (1932); la nuveau riche americana che assume Il maggiordomo interpretato da Charles Laughton (1935), Quei cari parenti del 1937, Sempre nei guai (1938), in cui assume come maggiordomo e cuoco il duo comico Stanlio e Ollio; donne (1939) dove interpreta la contessa che pronuncia la celebre battuta "Oh l'amour, come ti butta giù a volte, ma come ti tira su anche"; in Gioia di vivere (1940) interpreta la vivace zia Mary. Uno dei suoi ruoli più famosi è quello di Mrs. Bennett nel film Orgoglio e pregiudizio (1940).

Nel corso degli anni '40, Boland appare in meno film e inizia a dedicarsi maggiormente al teatro. Nel 1950, si ritira dalle scene per godersi una vita tranquilla nella sua casa a Hollywood, circondata dalla sua vasta collezione di piante rare. Mary Boland muore il 23 giugno 1965 all'età di 85 anni a New York City.

3) Marjorie Main 

Nata il 24 febbraio del 1890 ad Acton, Indiana, come Mary Tomlinson, Marjorie Main inizia la sua carriera nel teatro prima di passare al cinema nel 1931. Figlia di un ministro di chiesa, decide di cambiare il suo cognome per non imbarazzare la sua famiglia quando si unisce al vaudeville.

Durante la sua carriera, interpreta spesso personaggi materni e domestici, forti e determinate, dai modi un po’ grezzi e impacciati.

Nel film Donne (1939) è Lucy la signora che affitta un cottage a donne in attesa di divorzio a Reno. In Il cielo può attendere (1943), interpreta una signora del sud arricchitasi grazie al matrimonio con il re della carne in scatola. Inoltre, interpreta il ruolo di una cameriera nei film con Judy Garland, Incontriamoci a St. Louis (1944) e Le ragazze di Harvey (1946). Il ruolo che la consacra a Hollywood è quello di Ma Kettle, una contadina dai modi ingombranti vicina di una Claudette Colbert che lotta con la vita di campagna nel film Io e l'uovo (1947). Il successo di questo film porta alla realizzazione di altri 8 film della serie "Ma and Pa Kettle" negli anni successivi dal 1949. È la vicina di camper di Lucille Ball nel film 12 metri d'amore (1953) e la vedova della fattoria nel film La legge del signore (1956).

La Main ha continuato a lavorare nel cinema fino al 1958. Morirà a Los Angeles il 10 aprile 1975, all'età di 85 anni, a causa di un male incurabile.

4) May Whitty 

Nata a Liverpool, Inghilterra, il 19 giugno 1865, come Mary Louise Whitty, inizia la sua carriera nel teatro britannico prima di passare al cinema nel 1914. Durante la Prima Guerra Mondiale, ottiene l'onorificenza di Dama dell'Impero Britannico per il contributo psicologico ed economico offerto alle truppe al fronte, andando in ospedali e tende da campo a confortare i feriti.

Negli anni '20 si trasferisce negli USA e all'età di 70 anni inizia a lavorare nel cinema. Interpreta personaggi memorabili come madri e gentili vecchiette, viene spesso definita "La nonna che tutti i ragazzi vorrebbero", nobildonne o governanti sagge.

Il suo primo ruolo però è quello di una bizzarra benestante in Notturno tragico del 1937 che assume un maggiordomo sinistro. In Maria Waleska (1937) è la madre di Napoleone, è Lady Melrose in Raffles (1939) accanto a David Niven. Lavora con Alfred Hitchcock in La signora scompare (1938), interpretando la vecchietta che sparisce, e in Il sospetto (1941), nel ruolo della madre di Joan Fontaine. In Angoscia (1944), è la curiosa vicina di Charles Boyer e Ingrid Bergman, la cui indagine rivela la verità. In Le bianche scogliere di Dover (1944) interpreta la buona governante di Roddy McDowall, e nel film Appassionatamente (1946), interpreta una nobildonna che dona la carta per scrivere alle sorelle Bronte.

May Whitty continua a lavorare nel cinema fino al 1947. Muore il 29 maggio 1948 all'età di 82 anni.

5) Una O'Connor 

Nata a Belfast il 23 ottobre, Irlanda, come Agnes Teresa McGlade, a 20 anni entra nella compagnia teatrale dell’Abbey Theatre di Dublino con il nome d'arte Una O’Connor. Grazie a una tournée negli USA, viene notata da alcuni talent scout e inizia la sua carriera nel cinema.

Ha spesso interpretato personaggi comici e nervosi, in particolare domestiche un po’ burbere, e vicine di casa dispettose e curiose..

Appare in The Invisible Man (1933) di James Whale nel ruolo della locandiera, e in. Altri ruoli includono la governante nel film La famiglia Barrett (1934), nel 1935 è in David Copperfield e La moglie di Frankenstein dove interpreta Minnie la domestica del barone, la cameriera Mary in Lord Fontleroy (1936), la dama di compagnia di Lady Marian (1938), la domestica Clarabella Lo spettro di Canterville (1944), Mrs. Breen  in Le campane di Santa Maria (1945) e Norah la burbera domestica che litiga con il cuoco Felix (interpretato dal mitico S.Z. Sakall) in Il sergente e la signora (1945). È la governante Janet McKenzie in Testimone d'accusa (1957), ruolo che ha già interpretato con successo per due anni a Broadway. Morirà il 4 febbraio 1959 all'età di 78 anni.

6) Edna May Oliver

Nata a Malden, Massachusetts il 9 novembre 1883, come Edna May Nutter, inizia la sua carriera nel teatro prima di passare al cinema nel 1923. Caratterizzata da un viso spigoloso e un'aria eccentrica, proveniva da una famiglia borghese di Boston. Si avvicina al teatro consapevole di non avere i requisiti di bellezza canonici, poi la sua bravura la porta al cinema dove interpreta ruoli come personaggi comici e sarcastici, spesso zitelle e nobildonne, ma anche amorevoli.

È zia March in Piccole donne del 1933, nel 1933 è la Regina Rossa in Alice nel paese delle meraviglie; zia Betsy in David Copperfield 1935, Miss Pross in Le due città nel 1935, la nutrice di Giulietta in Giulietta e Romeo di Cukor nel 1936 e. Altri ruoli includono la burbera zia Ben in Parnell, nel 1939 che gli fa ottenere una nomination per La più grande avventura come padrona di fattoria e un ruolo in Orgoglio e pregiudizio del 1940. Morirà il 9 novembre 1942, lo stesso giorno in cui era nata, all'età di 59 anni.

7) Spring Byington 

Nasce il 17 ottobre 1886 a Colorado Springs, Colorado. Dopo la morte del padre, trascorre un periodo in un convento e in seguito si unisce a una compagnia teatrale di repertorio, viaggiando per gli Stati Uniti con la sua famiglia. Spring inizia la sua carriera nel teatro prima di passare al cinema.

Dall’aspetto gentile e un po’ sognante, ha spesso vestito i panni di personaggi premurosi e gentili, spesso madri e zie.  

Tra i suoi ruoli più noti, figurano la dolce Marmie in Piccole donne (1933) di Cukor, la matriarca Penny Sycamore in Eterna illusione (1937, la mamma di Barbara Stanwyck in Arriva John Doe del 1941, la madre di Don Ameche nel film Il cielo può attendere (1943), in Il diavolo si converte è la commessa Elizabeth di cui s’infatua Charles Coburn (1943), la zia Marshall in Al tuo ritorno (1944),  in Luna senza miele (1945) è la madre di Esther Williams, la cameriera Magda in Dragonwyck (1946), infine è la protagonista di Amo Luisa disperatamente (1950) contesa tra Edmund Gwenn e Charles Coburn. Continua a lavorare nel cinema e in televisione fino al 1968. Muore il 7 settembre 1971 all'età di 84 anni a Los Angeles, California.

8) Cathleen Nesbitt

Nasce il 24 novembre 1888 a Cheshire, Inghilterra. Proveniente da una famiglia di attori, si laurea all'Università di Parigi, La Sorbonne, in lingue moderne e letteratura francese.

Molto aggraziata ed elegante, ha spesso interpretato personaggi raffinati e saggi, spesso nobildonne.

Nel corso della sua carriera, appare in numerosi film, tra cui Tre soldi nella fontana (1954), in cui interpreta la principessa, Desirée (1954), in cui interpreta la madre di Marlon Brando nei panni di Napoleone Bonaparte, Janou la nonna di Cary Grant in Un amore splendido (1957), l’anziana sola e gentile in Lady Gladys Matheson Tavole separate (1958), Il cowboy con il velo da sposa (1961, e Complotto di famiglia (1976). Muore il 2 agosto 1982 all'età di 93 anni. Nel 1967, era stata insignita del titolo di Commendatore dell'Ordine dell'Impero Britannico per i suoi servizi all'arte drammatica.

 Eccoci con un nuovo appuntamento per la rubrica Professione Caratterista nella quale vi parlo di alcuni dei più straordinari caratteristi che hanno saputo rendere memorabili dei ruoli di contorno. Trovate qui gli altri articoli sui caratteristi. 

N.B. Vi ricordo che i film che trovate evidenziati in rosa sono link che vi rimandano all'articolo scritto su quel film.

1) Sydney Greenstreet

Nasce a Sandwich nella contea del Kent, in Inghilterra, figlio di un mercante di pellami che ha oltre a lui altri 6 figli. A 18 anni, è una bevanda, il tè, a spingerlo a tentare la carriera di coltivatore a Ceylon. Tuttavia, in seguito a una brutta siccità, un altro drink lo riporta in Inghilterra dove lo attende un lavoro in una distilleria di birra. Nel tempo libero Sydney si dedica alla recitazione, frequentando prima la Greet Acting Academy e unendosi poi a una compagnia teatrale che porta in scena varie opere di Shakespeare. La sua presenza e voce molto bella spiccano subito, permettendogli di conquistare parti in musical come Roberta. Dai palcoscenici di Londra a Broadway, il passo è breve e a 61 anni, nel 1941, ha debuttato nel cinema. 

La sua grossa mole insieme allo sguardo subdolo ed enigmatico lo rendono l’antagonista perfetto e gli fanno conquistare, al suo primo ruolo, quello del sinistro Kasper Gutman ne Il mistero del falco, una nomination all’Oscar come Migliore attore non protagonista. La Warner Bros lo mette sotto contratto e, fiutata la sua predisposizione nei noir polizieschi, decide di impiegarlo in questi ruoli, spesso in contrapposizione a Peter Lorre. Insieme, i due girano 9 film, costituendo una sorta di coppia stile Stanlio e Ollio del Noir (Greenstreet è robusto e calmo mentre Lorre è minuto e nervoso). Tra questi ricordiamo Casablanca, La Maschera di Dimtrios, I cospiratori, L'idolo cinese e La morte viene da Scotland Yard. In I trafficanti, Greenstreet è un dispotico industriale, mentre è un losco sceriffo in Viale Flamingo. Tuttavia, ha anche interpretato ruoli positivi, come il Dr. Mark Hamilton nel noir Nebbie (in cui ritrova Bogart anche se, rispetto a Il Mistero del Falco, qui i ruoli sono rovesciati) e addirittura parti leggere e divertenti, come l’irresistibile scrittore Thackeray, amico delle sorelle Bronte nel film biografico Appassionatamente, o l’editore capo di Barbara Stanwyck nel film Il sergente e la signora.

 

Nel film La vedova allegra di Lubitsch del 1934 interpreta un umile valletto, mentre in Cappello a cilindro veste i panni di un curato. In Amore in corsa è il timoroso custode del museo, mentre in L'uomo ombra torna a casa è il responsabile di una galleria d'arte. Nella trasposizione del romanzo di Mark Twain Le avventure di Tom Sawyer è il direttore della scuola, in Sposiamoci in quattro è il giudice officiante, e in L'eterna illusione di Frank Capra, interpreta Mr. Poppins, un inventore fallito ma ottimista. In Jess il bandito è il barone delle ferrovie McCoy, in Vieni a vivere con me, è invece un affabile editore. Il ruolo più famoso di Meek è senza dubbio quello di Mr. Peacock nel classico western di John Ford Ombre rosse, dove interpreta il rappresentante di una ditta di liquori. Meek è protagonista delle poche scene comiche del film, accanto al suo contraltare interpretato magistralmente da Thomas Mitchell.

Il suo ultimo ruolo è quello del braccio destro del ricercatore di mercato James Stewart nel film Città magica, che esce dopo la sua morte. Donald Meek muore il 18 novembre 1946, all'età di 68 anni.

4) Eugene Pallette

Nasce a Winfield, Kansas, l'8 luglio 1889, figlio di una coppia di attori teatrali. Entra giovanissimo in una compagnia teatrale che lo porta in giro per gli Stati Uniti. Nel 1911 Pallette, fa il suo debutto nel cinema muto, ottenendo subito ruoli di primo piano e nel 1916, appare in Intolerance di Griffith (nell'episodio della Notte di San Bartolomeo). Successivamente compare in diversi cortometraggi di Stanlio e Ollio, guadagnandosi l'appellativo di "Faccia da luna piena".

Il suo fisico corpulento, l'espressione sobria e impassibile, e la voce profonda, lo rendono il burbero perfetto, distinguendolo soprattutto nelle screwball, le commedie sofisticate, e nei film di cappa e spada.

Dal 1935, Pallette veste spesso i panni del personaggio ricco americano. Nel film Il fantasma galante, è l'acquirente del vecchio castello scozzese che vuole "smontarlo" per ricostruirlo uguale in America. In L'Impareggiabile Godfrey, è il padrone della casa in cui William Powell va a lavorare in incognito come maggiordomo. In Cin Cin, è il paffuto colonnello della nave su cui s'imbarca clandestinamente Shirley Temple, mentre in La via dell'impossibile è il tormentato detective. Nel 1938, Pallette interpreta l'irresistibile Frate Tuck nel film La leggenda di Robin Hood, rendendo unico e spassoso l'incontro/scontro con il famigerato ladro galantuomo interpretato da Errol Flynn. Vestirà nuovamente i panni di un frate in Il segno di Zorro, accanto a Tyrone Power. Altri suoi ruoli famosi includono quello del magnate della carne in scatola in Il cielo può attendere di Lubitsch (in cui è sposato con la caratterista Marjorie Main), il miliardario padre di Bette Davis in Sposa contro assegno, il magnate della birra padre di Henry Fonda innamorato di Barbara Stanwyck in Lady Eva, e il politico corrotto in Mr. Smith Va a Washington.

Nel 1946, Pallette si ritira dal cinema e muore nel 1954, all'età di 65 anni.

5) Frank Morgan 

Nel 1934, viene scelto per interpretare il Duca Alessandro De' Medici in Gli amori di Benvenuto Cellini, e la sua interpretazione gli fa conquistare la nomination come Migliore Attore accanto a William Powell per L'uomo ombra e Clark Gable per Accadde una notte (sarà quest'ultimo a vincere).

Nel 1936, è il nonno di Shirley Temple in La reginetta dei monelli, ma è grazie ad un'altra ragazzina prodigio di Hollywood che otterrà la fama: nel 1939 è tra i protagonisti de Il Mago di Oz nel quale interpreta più ruoli, il professor Meraviglia, il portiere, l'autista, la guardia e soprattutto il "grande e potente" Mago di Oz, conferendo a tutti un'aura simpatica, tenera e stravagante. La sua popolarità dopo questo film gli fa ottenere dalla M.G.M. la proposta di un contratto a vita. Lubitsch lo toglie dai ruoli buoni e gioviali per fargli interpretare lo sfiduciato proprietario del negozio Matuschek in Scrivimi fermo posta accanto a James Stewart, offrendo anche qui una grande interpretazione. Tra gli altri ruoli per cui viene ricordato, si annoverano: il pastore nel film Il coraggio di Lassie accanto a Elizabeth Taylor, Re Luigi XIII ne I tre moschettieri con Gene Kelly, l'allenatore di Monty Stratton in Il ritorno del campione, film biografico sul giocatore di baseball tornato a giocare dopo un incidente, interpretato da James Stewart. Nel 1949 viene scelto per interpretare Buffalo Bill nel musical Anna prendi il fucile, ma morirà improvvisamente per un infarto il 18 settembre di quell'anno, venendo sostituito da Louis Calhern.

6) Charles Lane

Nasce a San Francisco, California, figlio di Alice Gerstle e Jacob B. Levison. La sua famiglia è di origine ebraica, e suo padre lavora come venditore di mobili. La sua vita cambia drasticamente il 18 aprile 1906, quando la città di San Francisco è devastata dal Grande Terremoto. Charles aveva appena un anno e fu uno dei tanti sfollati da quella catastrofe, ma la sua famiglia riuscirà a superare le difficoltà. Nonostante il parere contrario dei genitori, che vedono la carriera di attore come instabile e incerta, Charles decise di seguire la sua passione. Dopo aver conseguito la laurea presso l'Università della California, Berkeley, Lane si unisce a una compagnia teatrale itinerante e inizia la sua carriera di attore, debuttando nel cinema nel 1931.

Il suo aspetto austero e serio gli conferisce un’aria severa e distante, rendendolo l’interprete perfetto di personaggi scontrosi e un po’ spigolosi come impiegati, avvocati, banchieri, e altri personaggi di autorità, a cui conferisce umanità grazie alla sua eccellente dose di comicità.

È comparso in diversi film di Frank Capra: è l’agente del Fisco Henderson in L'eterna illusione, il reporter in Mr. Smith va a Washington e in Arsenico e vecchi merletti, e l’agente immobiliare in La vita è meravigliosa (1946). Veste i panni del vice-direttore della cronaca nella commedia sul giornalismo 10 in amore con Doris Day e Clark Gable, dell’agente Locke nel film musicale Capobanda e del giudice di gara nel film 4 bassotti per un danese. È l'avvocato Wilson nella commedia 7 giorni di fifa. Negli anni ’50 e ’60 è stato scelto da Lucille Ball in diversi episodi di tutte le sue trasmissioni I Love Lucy, The Lucy-Desi Comedy Hour e The Lucy Show.  Nel 1970 presta la voce all’arzillo avvocato George Hautecourt nel classico di animazione Disney Gli Aristogatti. Il suo ultimo ruolo è nel film Il computer con le scarpe da tennis del 1995, remake dell’omonimo film del 1969.

Morirà a 102 anni nel 2007 con all’attivo una carriera nello spettacolo di 70 anni e la partecipazione a più di 250 film.

In questo lungo e appassionante viaggio nel tempo, abbiamo ritrovato volti familiari, riscoperto attori e personaggi, spesso relegati ai margini, ma fondamentali per dare profondità e vitalità alle storie raccontate. La mia ricerca meticolosa ha probabilmente acceso più di una volta la lampadina del "Ecco dove l'avevo visto!", e se così è, il mio scopo è stato raggiunto.

Sydney Greenstreet, S.Z. Sakall, Donald Meek, Eugene Pallette, Frank Morgan e Charles Lane: questi nomi, forse non sempre al centro della scena, sono stati l'anima vibrante di molte pellicole, riempiendo le sale di risate, lacrime, suspense e meraviglia. Attraverso questo lavoro, spero di aver reso omaggio al loro talento inestimabile, nonchè alle loro storie personali che meritavano di essere raccontante.

Alla prossima!

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Ci sono film con cui tanti di noi sono cresciuti, anche senza accorgercene.
Sono quei titoli che sembravano spuntare in TV ogni volta che si stava a casa da scuola, che si guardavano con i cugini durante le vacanze, che ci facevano sentire un po’ americani anche noi, anche solo per il tempo di una merenda.
Ecco, Il cowboy col velo da sposa è uno di quei film, nonostante quel titolo della versione italiana così assurdo che ogni volta mi fa alzare gli occhi al cielo. Perchè non c’è nessun cowboy, e la sposa, al massimo, indossa una veletta microscopica. Chissà chi ha avuto l’idea che potesse avere senso. Ma tant’è, il mistero resta.

Ma ora arriva il colpo di scena. Io, questo film, non l’ho visto da bambina.

Anzi, devo proprio fare un mea culpa: io sono cresciuta con Genitori in trappola, quello del 1998, con Lindsay Lohan (nella sua fase d’oro), Dennis Quaid e Natasha Richardson — e ogni volta che penso alla sua tragica scomparsa, mi viene un nodo alla gola.

Quindi immaginate la mia sorpresa quando, a metà anni Duemila, m’ imbatto ne Il cowboy col velo da sposa.
E capisco che quella storia che conoscevo già a memoria… era una versione nuova di qualcosa di molto più vecchio. E che nella versione originale, la protagonista era la mia adorata Hayley Mills — sì, proprio lei, la Pollyanna con cui sono cresciuta fin da piccola (se non avete ancora visto il mio articolo su quel film lo trovate qui).
Ma non solo: in quel film c’era pure quel vecchietto furbo e dolcissimo che avevo già visto nei panni del veterinario in Quattro bassotti per un danese, per non parlare della nonna di Cary Grant in Un amore splendido — due volti che per me erano pura casa.
E poi vogliamo parlare delle voci? La direttrice del campeggio è una super divertente di Lydia Simoneschi, qui davvero in versione Maga Magò in vacanza. Ma anche il resto del cast è il fior fiore del nostro doppiaggio italiano.
Dal momento in cui ho scoperto Il cowboy col velo da sposa, non ne sono più uscita.
Anzi, è entrato nel mio cuore con prepotenza, come solo i grandi classici sanno fare quando ti sorprendono da adulta, e ti fanno sentire, per un attimo, di nuovo una bambina.
Ecco perché oggi voglio portarvi dietro le quinte di questo piccolo grande film: raccontarvi le sue origini inaspettate, gli effetti speciali pionieristici, il cast straordinario, gli incidenti sul set, e il modo in cui la Disney ha scelto di raccontare, con leggerezza e rispetto, un tema delicatissimo per l’epoca: il divorzio, mettendo finalmente al centro lo sguardo dei figli. 
Se pensate di conoscere Il cowboy col velo da sposa, aspettate di leggere tutto il resto. Perché — e ve lo dico col cuore — c’è molto, molto di più. 

La trama in breve: Susan e Sharon si incontrano per caso in un campo estivo e scoprono, con sgomento e meraviglia, di essere sorelle gemelle. Separate alla nascita dopo il divorzio dei genitori, decidono di scambiarsi di posto: Susan va a vivere con la madre a Boston, Sharon col padre in California. L’obiettivo? Conoscere il genitore “mancante”… e magari, far riunire la famiglia. Ma tra imprevisti, travestimenti e una futura matrigna in agguato, le due ragazze dovranno mettere in campo tutta la loro astuzia per far trionfare l’amore.

Alcune scene del film

All’inizio degli anni Sessanta l’America si sta scrollando di dosso il perbenismo dell’era Eisenhower e si affaccia a un decennio che cambierà tutto: i costumi, la musica, la famiglia, persino l’idea stessa di infanzia. È un’epoca di grandi contraddizioni: da un lato il boom economico, il mito della famiglia perfetta, i quartieri residenziali con la staccionata bianca. Dall’altro, il fermento culturale e sociale che inizia a premere da sotto la superficie.
Nel cinema, la Disney è ancora sinonimo di sicurezza, di mondi incantati, di intrattenimento familiare senza spigoli. Ma anche in casa Disney si avverte che qualcosa sta cambiando.
Il pubblico non è più composto solo da bambini accompagnati dai genitori: i film devono parlare anche agli adulti, e possibilmente a quelle famiglie che non sono più così perfette come vengono rappresentate nelle pubblicità..  
    
Non è una storia nata a Hollywood, e forse è proprio questo il suo segreto. 
Tutto comincia nel 1949, in un’Europa ancora scossa dalla guerra. Lo scrittore austriaco Erich Kästner, noto per i suoi romanzi per ragazzi che mischiano delicatezza, ironia e un tocco malinconico, pubblica un libro destinato a restare nel cuore di moltissimi lettori: Das doppelte Lottchen.

La trama, semplice solo in apparenza, racconta di due gemelle identiche, Luise e Lotte, cresciute una a Vienna e l’altra a Monaco, che si incontrano per caso in un campeggio estivo. Scoprono di essere sorelle, separate dai genitori dopo il divorzio, e decidono di scambiarsi la vita: Luise va con la madre, Lotte col padre. Non per capriccio, ma con l’idea (geniale e disperata, come solo i bambini sanno avere) di rimettere insieme la famiglia.
Il tono è lieve, pieno di sfumature. C’è l’umorismo, certo, ma anche la tristezza dei legami spezzati, il senso di perdita e quella resilienza infantile che spinge a credere che tutto si possa aggiustare. Ecco, questo è lo spirito originale.
Il libro è un successo immediato e, appena un anno dopo, diventa anche un film: Das doppelte Lottchen, diretto da Josef von Báky, con vere gemelle nel ruolo delle protagoniste. È una trasposizione molto fedele, girata in Germania, e viene addirittura presentata alla Mostra del Cinema di Venezia nel 1951.
Quello che forse non tutti sanno è che prima ancora del libro, Kästner aveva immaginato questa storia come sceneggiatura per il cinema. Ma il progetto fu accantonato a causa della guerra, e solo in seguito prese forma come romanzo. Come dire: certe storie sanno aspettare il momento giusto.
Quel momento, per la Disney, arriva grazie all’occhio attento di Bill Dover, story editor dello studio, che qualche anno dopo ne propone l’adattamento come veicolo perfetto per Hayley Mills. Ma questa è un’altra pagina della storia, e ci arriviamo tra pochissimo…
Il film viene pensato fin da subito come un nuovo veicolo per Hayley Mills, reduce dal trionfo di Pollyanna, che le è valso un Oscar giovanile e l’affetto del pubblico di mezzo mondo. Ma di lei vi parlo meglio tra poco.
Per dare vita a questa nuova storia — brillante, tenera e con due protagoniste in una — viene richiamato David Swift, già regista e sceneggiatore di Pollyanna. 

È lui a scrivere la sceneggiatura e a immaginare i tempi comici, le battute, le situazioni assurde ma credibili. Swift ha un talento particolare: sa raccontare l’infanzia senza infantilizzarla, sa muoversi tra emozione e leggerezza con quella grazia che pochi altri riescono a imitare.
Sotto la sua penna, la storia prende nuova forma: il tono si fa più americano, più moderno, ma conserva l’anima tenera e scanzonata del racconto originale. E soprattutto mette al centro le bambine. Sono loro, fin dal primo momento, le vere protagoniste del film, non semplici pedine in balia degli adulti, ma motore attivo della narrazione.
Il titolo di lavorazione cambia diverse volte: si parte con His and Hers, si passa a Petticoats and Blue Jeans — che ha l’aria di una canzone country — e si arriva infine a The Parent Trap, semplice, ironico, accattivante. Un titolo che gioca sul doppio senso della “trappola” per genitori e su quello, più affettuoso, della riconciliazione.
Prima ancora di diventare le gemelle Sharon e Susan, Hayley Mills è già un volto amatissimo dal pubblico. 

Figlia dell’attore inglese Sir John Mills e della scrittrice e sceneggiatrice Mary Hayley Bell, respira cinema e teatro fin da bambina. Il suo debutto sul grande schermo arriva nel 1959, in Questione di vita o di morte, un film britannico in cui recita accanto alla madre: piccola parte, ma primo segno di un talento fuori dal comune.
Il vero colpo di fortuna, però, arriva quando Walt Disney la nota e decide di puntare tutto su di lei per un ruolo che richiede dolcezza, caparbietà e una bella dose di luce interiore: quello della protagonista in Pollyanna. Il film è un successo immediato e Hayley conquista il pubblico americano con il suo sorriso limpido e lo sguardo intelligente. Per quella interpretazione, riceve uno special Oscar giovanile che la consacra come una delle stelle emergenti del cinema familiare dell’epoca.
Disney non perde tempo: firma con lei un contratto di cinque film in cinque anni, uno ogni estate, e mette in cantiere subito un nuovo progetto pensato su misura per lei. Qui Hayley si trova a interpretare due personaggi contemporaneamente: una sfida notevole, soprattutto considerando le differenze sottili ma importanti che deve restituire. Le due gemelle parlano infatti con accenti differenti — bostoniano e californiano — e Hayley riesce a cogliere queste sfumature con una precisione sorprendente.
Per aiutarla, sul set arriva anche Susan Henning, giovane attrice che si presta come controfigura per tutte le inquadrature di spalle. Ma di questo — e dei trucchetti tecnici geniali usati dalla Disney per far sembrare reali le due gemelle — vi racconterò meglio nella sezione dedicata alle riprese.
Quello che è certo è che Hayley non si limita a “dividersi” in due: dà vita a due personalità, credibili e ben distinte, e lo fa con una freschezza che ancora oggi conquista intere generazioni.

Maureen O’Hara non ha bisogno di presentazioni. È la rossa dagli occhi verdi che ha incantato Hollywood, la musa ribelle di John Ford, la partner ideale di John Wayne. Per due decenni ha interpretato donne forti, passionali, dallo sguardo fiero e dal temperamento indomabile.

Negli anni Cinquanta era una star affermata, ma la sua carriera subisce una battuta d’arresto dopo uno scandalo montato ad arte dalla famigerata rivista Confidential — sì, la stessa finita anche al centro della vicenda di Dorothy Dandridge, ve ne ho parlato in un altro articolo. O’Hara fa causa, dimostra la falsità dell’articolo, e vince. Ma intanto Hollywood, come spesso accade, le volta le spalle.
Quando arriva la proposta della Disney per Il cowboy col velo da sposa, Maureen accetta con entusiasmo: ama la sceneggiatura, il tono familiare, il ruolo di madre intelligente e affettuosa. Ottiene anche il compenso che ritiene giusto — ma non riesce a spuntarla sulla questione più spinosa: i titoli di testa.
Il suo status da protagonista avrebbe dovuto garantirle la posizione principale, ma la Disney decide di puntare tutto sulla popolarità di Hayley Mills, fresca del successo di Pollyanna. Risultato? In alto, a caratteri cubitali, campeggia “Hayley Mills & Hayley Mills”. O’Hara (insieme a Keith) resta in seconda linea.
È un colpo che non prende bene. E anche se evita di trasformare lo scontro in una causa, decide che quella sarà la sua ultima collaborazione con lo studio.
Una scelta netta, orgogliosa, coerente con la donna che era. Perché Maureen non era solo una leggenda del cinema, ma anche una professionista integerrima, con una dignità che non scendeva mai a compromessi.

Brian Keith è uno di quegli attori che ti trasmettono fiducia al primo sguardo. Ha la voce roca, l’aria solida, lo sguardo affettuoso ma un po’ spaesato, perfetto per il ruolo del padre che si ritrova due figlie in casa… quando pensava di averne una.

Fino a quel momento, però, il suo volto era stato associato a ruoli molto diversi: poliziotti, cowboy, uomini d’azione. Era una presenza frequente in film e serie tv che avevano poco a che fare con le commedie familiari. E invece Il cowboy col velo da sposa cambia tutto. È il suo primo ruolo da protagonista in una romantic comedy — e sarà l’inizio di una nuova fase della carriera: più leggera, più domestica, più sorridente.
Keith aveva alle spalle un vissuto intenso, e non solo sullo schermo. Dal 1942 al 1945 combatte nei Marines come artigliere, durante la Seconda guerra mondiale. Viene decorato con l’Air Medal, segno di coraggio e valore. E nel suo passato c’è anche una nota tragica: la sua matrigna fu Peg Entwistle, attrice di Broadway che si tolse la vita gettandosi dalla “H” della famosa scritta di Hollywood. Un episodio che, pur non legato a lui direttamente, è rimasto scolpito nella memoria collettiva.
Dopo la guerra, Keith si afferma come attore versatile: recita in teatro, in decine di serie tv — tra cui Alfred Hitchcock Presents — e poi approda al cinema. Con The Parent Trap dimostra di saper essere anche dolce, paterno, e persino un po’ goffo, ma nel modo giusto. Il pubblico lo adora.
Negli anni seguenti continua su questa strada: sarà il protagonista della serie di grande successo Tre nipoti e un maggiordomo (Family Affair), in cui interpreta un tutore affettuoso ma confuso, e poi di Hardcastle & McCormick, diventando uno dei volti più familiari della televisione americana.
Ma la sua vita non è tutta sorrisi e ciak. Negli ultimi anni soffre di enfisema e viene colpito da un tumore ai polmoni, nonostante avesse smesso di fumare da tempo. La perdita della figlia Daisy, suicida nel 1997, lo colpisce in modo devastante. Due mesi dopo, anche Brian Keith si toglie la vita, nella sua casa di Malibu.
Un uomo complesso, segnato da lutti e successi, ma che nel cuore di chi ha amato Il cowboy col velo da sposa resta il papà perfetto: un po’ disorientato, ma sempre pronto ad accogliere con calore — anche due figlie alla volta.
Joanna Barnes è la classica attrice che non ha bisogno di molte scene per lasciare il segno. Nel film interpreta Vicky, la nuova fidanzata del padre: elegante, ambiziosa, perfettamente calcolatrice. Il tipo di donna che i bambini fiutano subito come una minaccia. E hanno ragione.
La sua performance è così incisiva che nel remake del 1998 — Genitori in trappola, con Lindsay Lohan — le viene affidato un cameo perfetto: interpreta la madre della nuova fidanzata, che guarda caso si chiama ancora Vicky. Un bel gioco di specchi che fa l’occhiolino agli spettatori più nostalgici.
Ma Joanna Barnes non è solo Vicky. Nel 1958 ottiene una nomination al Golden Globe come “New Star of the Year” per il ruolo di Gloria Upson nella commedia La signora mia zia, dove brilla in un altro personaggio snob e superbamente antipatico. L’anno successivo diventa la 13ª attrice a interpretare Jane in un film di Tarzan (Tarzan, the Ape Man, 1959). E in Spartacus (1960) è una delle due aristocratiche romane che provocano con leggerezza una ribellione di schiavi. Sempre personaggi di carattere, mai banali.
Oltre a recitare, è stata anche scrittrice, giornalista e spesso panelist nel celebre quiz show What’s My Line? (pensate era nel panel quando l’ospite da indovinare era proprio Hayley e non l’ha riconosciuta). Intelligente, ironica, affilata. E Vicky — antipatica quanto si vuole — resta una delle antagoniste più iconiche del cinema Disney. Il suo ingresso in scena in tailleur beige e sorriso di circostanza è ancora oggi un perfetto esempio di “falsa gentilezza” da manuale.

Una Merkel è la tata adorabile, quella che tutti vorremmo avere a casa: saggia, schietta, con una vena di umorismo dolce e quel modo tutto suo di far capire che sì, può sembrare quieta… ma non le sfugge nulla.

Nel film interpreta Verbena, la governante che osserva, ascolta e interviene solo quando davvero serve — e quando lo fa, non sbaglia mai un colpo. Il suo personaggio è un piccolo gioiello di equilibrio: tenero ma non melenso, comico ma mai sopra le righe. Il classico “cuore della casa”.
Ma nella vita, Una Merkel non è una comparsa. È una vera veterana di Hollywood, ha esordito come controfigura di Lillian Gish negli anni Venti, e poi attiva fin dagli anni Trenta, con una carriera che spazia dai musical alle screwball comedies fino ai western. Sempre con quella voce morbida, quell’accento del sud, e una presenza che ti mette a tuo agio solo a guardarla.
Dietro la sua grazia, però, si nasconde una vita segnata da tragedie profonde. Nel 1945, la madre di Una — con cui condivideva un appartamento a New York — si tolse la vita, aprendo tutti i fornelli a gas della cucina. Anche Una fu coinvolta: venne trovata priva di sensi nella sua stanza, intossicata dai fumi, e solo un intervento tempestivo le salvò la vita.
Sette anni dopo, quasi nello stesso periodo dell’anno, Una attraversa un’altra profonda crisi personale e tenta a sua volta il suicidio con un’overdose di sonniferi. Viene salvata in extremis da una domestica che si prendeva cura di lei. Rimane in coma per un giorno intero, ma si risveglia. E — con quella forza silenziosa che l’ha sempre contraddistinta — torna al lavoro.
Forse è proprio questo dolore trasformato in resilienza a rendere la sua Verbena così autentica e capace di toccare il cuore: una donna che ha conosciuto la sofferenza, e l’ha saputa trasformare in gentilezza.
Una delle magie del cinema classico sta anche nei volti familiari che ti fanno sentire a casa, anche se non ricordi subito il nome. Il cowboy col velo da sposa è pieno di questi volti — e in particolare ce ne sono tre che vale la pena celebrare.

Charles Ruggles, per esempio, interpreta il nonno delle gemelle con un affetto burbero e un’ironia pacata che conquista subito. Per chi è cresciuta con i film Disney, è impossibile non ricordarlo anche nei panni del veterinario in Quattro bassotti per un danese — sempre con quell’aria da zio un po’ distratto, ma dal cuore d’oro. In realtà, Ruggles è stato un gigante della commedia americana, con una carriera iniziata addirittura nel cinema muto. Ha lavorato con Ernst Lubitsch, Howard Hawks, Roy Del Ruth, interpretando spesso ufficiali, dottori, miliardari eccentrici. Insomma, un esperto assoluto della commedia sofisticata. La sua vita ve l'ho raccontata nel mio articolo Professione caratterista qui.
Altrettanto memorabile è Cathleen Nesbitt, che qui è la nonna: elegante, tenera, saggia. Ha l’aura di una vera lady — non solo sullo schermo, ma anche nella vita. Laureata alla Sorbona, educata in lingue e letteratura, è stata attrice per tutta la vita, lavorando in ruoli sempre raffinati, spesso nobildonne o figure materne dal cuore grande. Per il pubblico italiano è anche la nonna di Cary Grant in Un amore splendido. Nel 1967 è stata insignita del titolo di Commendatore dell’Impero Britannico per il suo contributo alle arti. E sì, era proprio quel tipo di donna che sembrava nata per indossare un cappello con disinvoltura. La sua vita ve l'ho raccontata nel mio articolo Professione caratterista qui.
Infine, c’è Leo G. Carroll, qui nel ruolo del reverendo deve celebrare il matrimonio. Inglese, elegante, con quella voce profonda da “gentiluomo di altri tempi”, è stato uno degli attori più amati da Alfred Hitchcock, che lo ha voluto in ben sei film — da Il sospetto a Intrigo internazionale. Al cinema e in tv ha sempre incarnato l’autorità con garbo: è stato medici, direttori, scienziati, diplomatici. In questo film, è il tocco finale perfetto: discreto, divertito, impeccabile.
Tre presenze che forse lo spettatore più giovane nota distrattamente… ma che sono l’anima segreta di molte scene indimenticabili.
Le riprese iniziano nell’estate del 1960 e durano poco più di tre mesi. A livello tecnico, il film rappresenta una piccola rivoluzione: bisogna far convivere due gemelle nello stesso fotogramma… ma ce n’è solo una. Il trucco? Due tecniche complementari. La prima è l’uso della controfigura: Susan Henning, bionda, snella, occhi azzurri, recita di spalle o di lato accanto a Hayley Mills. La seconda è lo split screen, in cui la cinepresa espone metà pellicola alla volta e ogni scena viene girata due volte, con Hayley che cambia costume, acconciatura, atteggiamento.
L’effetto finale è sorprendente, grazie anche all’eccellente lavoro del reparto effetti speciali guidato da Ub Iwerks – uno dei geni fondatori dell’animazione Disney – e Bob Broughton, esperto in trucchi ottici. Pare che Walt Disney in persona abbia chiesto che venissero reinseriti nel montaggio alcuni di questi “trick shots” inizialmente ridotti al minimo: gli piaceva stupire con la tecnologia.
Anche fuori campo non manca il divertimento. Durante le pause pranzo, Hayley e Susan – identiche in costume e parrucca – uscivano dagli Studios per andare a mangiare da Bob’s Big Boy, fingendosi vere gemelle. Nessuno se ne accorgeva. Almeno, non subito. Certo, a un occhio attento qualche differenza si notava: Susan aveva le gambe più lunghe, il collo più slanciato… e – dettaglio meno visibile ma piuttosto scomodo – un nasino grazioso e sottile. Talmente diverso da quello di Hayley che per tutta la durata delle riprese fu costretta a indossare una protesi in gomma, modellata per riprodurre fedelmente il profilo della sua collega. Provateci voi a mordere un hamburger respirando da una narice di plastica!
Non mancano, però, alcune scelte scenografiche oggi un po’ datate. La famosa passeggiata di Hayley e Maureen nel parco di Boston, ad esempio, è girata in studio, con uno sfondo proiettato e le attrici che camminano su un tapis roulant. Una soluzione molto in voga all’epoca, ma che oggi risulta visivamente straniante: sembra di assistere a una scena su una passerella mobile, più che a una passeggiata nel verde.

E poi c’è l’aneddoto da set che più di tutti racconta lo spirito del cast. Nella scena in cui Mitch scopre che l’ex moglie si trova in casa sua – proprio mentre sta parlando con Vicky e il reverendo – rimane così sbalordito da inciampare su una sedia e cadere malamente, incrinandosi due costole. Ma decide di non dire nulla per non bloccare le riprese. Si rialza, stringe i denti, e va avanti come se niente fosse.

Alcune foto scattate sul set

Non sono certo i costumi la prima cosa che viene in mente quando pensiamo a Il cowboy col velo da sposa, eppure — come spesso accade con i dettagli ben fatti — è proprio perché non ci si fa caso che funzionano così bene.
A firmarli è Bill Thomas, uno che con ago e filo ci sapeva fare. Classe 1921, compie il suo apprendistato negli anni Quaranta alla Metro Goldwyn Mayer, fianco a fianco con due leggende come Irene e Walter Plunkett (giusto per citare il costumista di Via col vento, tanto per capirci). 

Negli anni Cinquanta diventa capo costumista alla Universal e più tardi collaboratore fisso di casa Disney, dove lavorerà per due decenni. Se avete mai visto Babes in Toyland, Un maggiolino tutto matto o Bedknobs and Broomsticks, avete già incrociato il suo stile.
In Il cowboy col velo da sposa, la sua mano si sente eccome, anche se non grida mai per attirare l’attenzione. I costumi sono semplici, funzionali, coerenti con i personaggi: camicie scozzesi, gonne al ginocchio, vestitini da campo estivo e tailleur da signora perbene. Il suo lavoro è così discreto da passare quasi inosservato, ma è proprio questa la sua forza.
Insomma, niente abiti da Oscar (anche se Thomas ne ha collezionate di nomination, e pure una statuetta per Spartacus), ma un lavoro preciso, coerente, e perfettamente allineato al tono scanzonato e famigliare del film. E anche questo fa parte della magia.

Uno dei motivi per cui Il cowboy col velo da sposa riesce ancora oggi a regalarci quella sensazione di familiarità e calore è anche merito delle sue location. Sì, lo so, non è esattamente realistico pensare che una bambina californiana venga spedita in un campo estivo sulle montagne e si ritrovi la copia identica di se stessa, ma lasciamoci trasportare. In fondo, ci siamo sempre lasciati trasportare.
Le scene del campo estivo sono state girate tra i pini delle San Bernardino Mountains, nei pressi di Big Bear Lake, più precisamente a Bluff Lake Camp e Cedar Lake Camp. Luoghi veri, concreti, dove il silenzio del bosco incontra il rumore delle risate (e dei dispetti) delle ragazze di Camp Inch. I nomi sono cambiati negli anni — oggi questi spazi sono gestiti da organizzazioni diverse — ma lo spirito da avventura anni '60 resta tutto.

E poi, come dimenticare Pebble Beach, il campo da golf da sogno dove il papà delle gemelle si concede una partita. Non è solo una delle location più eleganti e iconiche della California, è anche il luogo del cameo segreto di papà John Mills, l’attore e padre di Hayley, che si fa dare una comparsata… per poter giocare gratis tutto il giorno. 

Le scene ambientate a Monterey, dove vive il personaggio di Brian Keith, sono state girate in parte in esterni veri, nella zona di Carmel e Pacific Grove, ma soprattutto sul set ricreato negli studi Disney, nello storico Golden Oak Ranch a Placerita Canyon. Ed è proprio lì che prende forma la casa perfetta: elegante, luminosa, con la scalinata scenografica e il soggiorno da rivista. Non esiste davvero, ovviamente — è un set costruito ad hoc — ma ha lasciato un’impressione tale nel pubblico che ancora oggi il dipartimento archivio Disney riceve richieste per avere la piantina di quella casa. Un sogno domestico, con vista mare e happy ending incorporato.

Con Il cowboy col velo da sposa prende il via uno dei sodalizi più fortunati nella storia della Disney: quello tra Walt Disney e i fratelli Sherman, Richard e Robert. 

È grazie a Annette Funicello — ex stellina del Mickey Mouse Club e volto amatissimo dal pubblico giovanile — che Walt si accorge di loro. Avevano scritto per lei Tall Paul, un brano che aveva fatto il botto tra i teenager americani. E a quel punto, Disney chiede: “Chi sono quei due che scrivono i pezzi per Annette? Voglio conoscerli.”
L’incontro avviene. E da lì parte tutto.
Per questo film i due fratelli scrivono tre canzoni: una lenta, una media, e una più vivace, con l’idea che possano rappresentare le diverse sfumature emotive della storia. Ed è proprio tra queste che nasce Let’s Get Together, pensata come se fossero le stesse gemelle a cantarla. Il brano è semplice, diretto, irresistibilmente contagioso. Lo interpreta Haley Mills, in doppia versione. Non ha una voce tecnica, ma ci mette tutta la sua personalità: il risultato è genuino, fresco, e perfettamente in linea con il tono del film.
Il successo è immediato. Let’s Get Together viene pubblicato come singolo, e diventa una hit da jukebox, amata da bambini e adolescenti. Non male per una “non cantante” come Haley!

Gli Sherman firmano anche una ballata romantica, For Now, For Always, pensata per raccontare il passato dei genitori delle gemelle. È una canzone dal sapore anni ’40, scritta proprio per sembrare l’inno d’amore di un’epoca lontana — quella in cui, idealmente, Maureen O’Hara e Brian Keith si erano conosciuti.
Il regista David Swift, ascoltandola per la prima volta, confessa di aver sentito brividi lungo la schiena. La emozione che cercava era tutta lì. Ed è così che la canzone trova casa in una delle scene più toccanti del film: quella in cui, nel (finto) parco di Boston, la madre racconta a una delle figlie — o meglio, alla gemella che si finge l’altra — come ha conosciuto il padre. Una scena che non ha bisogno di troppe parole: For Now, For Always le dice tutte, con malinconia e grazia.

La title track del film, The Parent Trap, è cantata da Annette Funicello e Tommy Sands. Entrambi erano già impegnati in quegli anni sul set di Babes in Toyland (1961), proprio nei Disney Studios, e quindi perfetti per registrare il brano velocemente e “in casa”.

Questa canzone accompagna l’inizio del film, con una sequenza animata realizzata in stop motion da Bill Justice e Xavier Atencio, due artisti di punta del reparto animazione Disney. Il tono è scanzonato, leggero e swingante, perfetto per introdurre il film con quel mix di modernità e spensieratezza che Walt cercava.

Dal punto di vista musicale, il pezzo si ispira allo stile easy listening dei primi anni ’60, con un ritmo che strizza l’occhio al jazz leggero e ai vocal group dell’epoca. Gli Sherman avevano inizialmente pensato di scrivere una canzone dal titolo “Parent Trap” solo perché Walt lo aveva chiesto espressamente, ma poi hanno trovato il modo di renderla efficace… anche se il titolo non era proprio “musicale” da cantare!

Eppure, il risultato funziona: “The Parent Trap” diventa una sigla orecchiabile e allegra, perfetta per introdurre subito lo spirito giocoso e un po’ irriverente del film.

La sera del 21 giugno 1961, l'elegante Capitol Theatre di New York apre le sue porte per la premiere de Il cowboy col velo da sposa. È un evento in grande stile, con Walt Disney che punta tutto su Hayley Mills e sulla magia del suo doppio ruolo. E il pubblico? Ricambia con entusiasmo. Il film si trasforma subito in un successo clamoroso, incassando oltre 25 milioni di dollari negli Stati Uniti e arrivando a sfiorare i 30 milioni in tutto il mondo. Una cifra che lo consacra tra i titoli di punta della stagione, dietro solo a giganti come West Side Story.
Anche la critica risponde positivamente. Lodi per la regia di David Swift, per i personaggi vivaci e – ovviamente – per la straordinaria performance sdoppiata di Hayley. Non mancano neppure i riconoscimenti ufficiali: arrivano due nomination agli Oscar, per il miglior montaggio e il miglior sonoro, e il film si aggiudica anche un Eddie Award da parte dell’American Cinema Editors per il lavoro di montaggio.
Ma, come spesso accade, non tutto è oro. Hayley Mills racconta nella sua autobiografia che, per lei, quel trionfo fu anche un piccolo disastro economico. Dopo aver pagato le tasse negli Stati Uniti, il padre trasferisce il resto dei guadagni in Inghilterra, dove subiscono una tassazione del 91%. Una volta sottratte le commissioni, resta ben poco. E a peggiorare il tutto, nessun diritto residuale: nonostante le continue repliche e il successo nel tempo, Hayley non ha mai ricevuto alcun compenso extra.
Il cowboy col velo da sposa non è solo una commedia per famiglie perfettamente confezionata. È uno di quei film che, anche a distanza di decenni, riesce ancora a far sorridere, commuovere e – perché no – far venire un piccolo nodo alla gola. Un racconto leggero solo in apparenza, che parla di separazioni e riconciliazioni, di genitori imperfetti ma sinceri, e soprattutto di bambini capaci di sognare una famiglia, anche quando sembra ormai impossibile.
Forse è anche per questo che, nel 1998, la Disney ha deciso di riproporlo con un nuovo cast e una nuova estetica. Il remake con Lindsay Lohan (al suo debutto), Dennis Quaid e Natasha Richardson ha fatto centro, portando la storia a una nuova generazione, con tutto l’incanto degli anni Novanta e una colonna sonora da far ballare anche i più nostalgici. 

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