Ma Hattie non si ferma. Lo stesso anno recita con Katharine Hepburn in Primo amore, e ogni nuovo ruolo, per quanto minore, sembra portarla un passo più vicina a quel sogno che custodisce fin da quando cantava gospel da bambina. Hollywood non le spalanca le porte, ma Hattie è abituata a trovarsi nel cuore delle scene secondarie e a brillare comunque. È così che inizia a costruire la sua carriera: pezzo dopo pezzo, comparsa dopo comparsa, fino a diventare una delle presenze più inconfondibili del cinema dell’epoca.

La svolta

È il 1938, e a Hollywood si diffonde una notizia che fa tremare tutti: David O. Selznick, uno dei produttori più potenti dell’industria, sta per portare sul grande schermo Via col vento, il romanzo che ha fatto sognare milioni di lettori. Gli studi di produzione sono in fermento per il cast, e in particolare, per un ruolo cruciale: quello di Mammy, la governante di Rossella O’Hara, un personaggio che, pur non essendo il centro della trama, rappresenta una figura di saggezza e stabilità.

Un nome importante si fa avanti per la parte. Eleanor Roosevelt, First Lady degli Stati Uniti, suggerisce Elizabeth McDuffie, la cuoca della Casa Bianca, come interprete perfetta di Mammy. Avere il sostegno della First Lady è un endorsement difficile da battere. Ma ecco che interviene Clark Gable: già scelto per interpretare Rhett Butler, Gable si ricorda di Hattie McDaniel, l’attrice che lo ha colpito in due film precedenti, Sui mari della Cina e Saratoga.

Il produttore Selznick è titubante, ma Gable insiste, e alla fine, Hattie ottiene la parte. Per lei è una conquista enorme e, allo stesso tempo, un rischio. Sa bene che alcuni nella comunità afroamericana vedono il personaggio di Mammy come uno stereotipo, l’ennesima rappresentazione di una donna nera relegata al ruolo di serva. Ma Hattie ha una visione tutta sua: sente che, proprio attraverso quel personaggio, può dare una profondità nuova alla figura di Mammy, trasformandola da semplice domestica a madre simbolica, pilastro della famiglia, custode di valori e saggezza.

Hattie si immerge nel ruolo, portando sul set tutta la sua forza e la sua determinazione. Quando Via col vento esce nelle sale nel 1939, il pubblico resta affascinato dalla sua interpretazione. Mammy, con il suo senso pratico, la sua devozione e il suo coraggio, diventa uno dei personaggi più amati del film. Grazie a Hattie, non è solo una serva, ma una presenza forte e quasi eroica, che riesce a imporsi anche accanto a figure di spicco come Rossella e Rhett.

Hollywood, quel mondo che sembrava così distante e inarrivabile per Hattie, ora inizia a riconoscere il suo talento. Il nome di Mammy è sulla bocca di tutti, e Hattie McDaniel, da attrice secondaria, è diventata un simbolo, un esempio di come anche un ruolo minore possa lasciare un’impronta indelebile nella storia del cinema. Se non aveete visto il mio articolo su Via col vento lo trovate qui.

Il trionfo

Il 29 febbraio 1940, Hattie McDaniel arriva a una serata che nessuno avrebbe mai immaginato per lei solo qualche anno prima. È candidata all’Oscar per il ruolo di Mammy in Via col vento, la prima attrice afroamericana nella storia ad aver ricevuto una nomination. Hollywood è in trepidazione per una serata che si preannuncia speciale: il film ha ottenuto numerose candidature, e il pubblico ha seguito ogni momento di quella produzione con una devozione quasi maniacale.

Ma la strada verso questo traguardo non è priva di ostacoli. Per via delle leggi razziali in vigore, Hattie è relegata a un tavolo distante dal resto del cast e dalla sala principale. Anche nel trionfo, la segregazione la trattiene ai margini. David O. Selznick, il produttore, ha fatto tutto il possibile per garantirle un posto alla cerimonia, ma le rigide norme sociali la costringono comunque a partecipare in modo diverso. Eppure, Hattie è lì: nonostante le barriere, è riuscita a far valere il suo talento.

Quando arriva il momento di annunciare il vincitore nella categoria di Migliore attrice non protagonista, l’attrice Fay Bainter apre la busta e proclama il nome di Hattie McDaniel. La sala esplode in un applauso, e lei sale sul palco in lacrime, commossa e incredula. È un momento storico, uno di quelli che rimarranno impressi per sempre nella memoria di chi è presente. Hattie si rivolge all’Academy e al pubblico con parole che trasmettono gratitudine e consapevolezza: “Academy of Motion Picture Arts and Sciences, colleghi dell’industria cinematografica e ospiti d’onore: questo è uno dei momenti più felici della mia vita, e voglio ringraziare tutti coloro i quali abbiano avuto un ruolo nella mia vittoria per la loro gentilezza. Mi ha fatto sentire molto, molto umile. Lo terrò per sempre come un faro per tutto ciò che potrò essere in grado di fare in futuro.

Il suo discorso è semplice, toccante, pieno di speranza per un futuro in cui il talento possa essere riconosciuto senza distinzione di razza o classe. Ma quel trionfo ha anche un retrogusto amaro: sa che, per molti, la sua vittoria non basterà a cambiare le rigide regole di Hollywood. E sa che, nonostante l’Oscar, i ruoli da protagonista rimarranno lontani. Tuttavia, in quel momento, Hattie ha conquistato un posto nella storia, e nessuno potrà portarglielo via.

La sua statuetta è più di un semplice trofeo: è un simbolo di lotta, di coraggio e di resilienza. Hattie sa che, attraverso Mammy, ha aperto una porta, e anche se resta ancora molto da fare, quella vittoria rappresenta una speranza per chi verrà dopo di lei.

Il prezzo della vittoria

La vittoria dell’Oscar porta a Hattie McDaniel una fama che supera i confini di Hollywood, ma non tutti vedono in quel premio un trionfo. Alcuni membri della comunità afroamericana, infatti, criticano la sua scelta di continuare a interpretare ruoli di domestica. Per loro, personaggi come Mammy e altri simili non fanno che perpetuare uno stereotipo doloroso e limitante, che ritrae le persone di colore esclusivamente come figure di servizio. Rispetto a una collega come Butterfly McQueen, che rifiuta di interpretare ruoli di domestica, Hattie prende una posizione diversa. Per lei, ogni ruolo, anche il più umile, rappresenta una possibilità di guadagno, di lavoro e di visibilità in un’industria che concede pochissime opportunità agli attori afroamericani.

Alle critiche, Hattie risponde con una franchezza che disarma: «Perché dovrei sentirmi in colpa se guadagno 700 dollari a settimana interpretando una cameriera? Se non lo avessi fatto, guadagnerei 7 dollari alla settimana lavorando come una vera donna di servizio». È una posizione pratica, quasi pragmatica: per lei, questi ruoli sono un’opportunità concreta di costruire una carriera in un mondo che le lascia poche alternative. Hattie non teme di essere giudicata e si dedica a ogni ruolo con tutta la sua passione, sapendo che, anche con poche battute, può creare un personaggio memorabile.

Ma le critiche non si fermano qui. Alcuni la contestano anche per aver scelto un manager bianco, William Meiklejohn, invece di affidarsi a qualcuno della sua comunità. Hattie, però, crede che il suo valore risieda nei risultati e non nelle apparenze. Mentre molti vedono le sue scelte come una mancanza di impegno verso le battaglie per i diritti civili, Hattie sa di essere in lotta a modo suo: ogni volta che si mette davanti a una macchina da presa, dimostra che una donna afroamericana può essere una presenza fissa, seppur nei ruoli minori, nell’industria cinematografica.

Gli anni ’40 la vedono impegnata in una serie di ruoli in film importanti, dove continua a rappresentare figure di servizio, ma sempre con una profondità e un’umanità che le fanno guadagnare il rispetto di pubblico e critica. Nel 1944, recita in Da quando te ne andasti, un film di propaganda bellica in cui interpreta Fidelia, una domestica al servizio di una famiglia che affronta le difficoltà della guerra. Anche stavolta, il suo personaggio non è solo una comparsa: Hattie riesce a infondere in Fidelia una forza silenziosa e una dignità che superano la semplicità del copione.

Nelle case degli americani

Alla fine degli anni ’40, Hattie ritorna al suo primo amore, la radio. Nonostante il successo nel cinema, la radio le offre una nuova opportunità di visibilità e le permette di esplorare lati diversi del suo talento. Entra nel cast di Beulah, uno show popolare in cui interpreta una domestica vivace e intraprendente. Per Hattie, Beulah è un’occasione di rivisitare il personaggio della domestica con una nota di comicità e leggerezza, mostrandone il lato più umano e sdrammatizzando gli aspetti negativi dello stereotipo. Questa volta è lei a essere protagonista, e il pubblico la apprezza, affezionandosi sempre più alla sua interpretazione.

Nel 1950, Beulah viene adattato per la televisione, e inizialmente è Ethel Waters a interpretare il ruolo principale. Ma quando Waters lascia lo show, i produttori chiamano Hattie, che diventa così la prima afroamericana a ottenere un ruolo da protagonista in una serie televisiva. La sua presenza sul piccolo schermo rappresenta un evento straordinario, un altro primato per lei e per tutta la comunità afroamericana, che raramente ha avuto una rappresentazione stabile e positiva nei media.

Ma proprio mentre la serie riscuote successo, Hattie riceve una diagnosi devastante: un tumore al seno. La malattia la costringe a lasciare Beulah e a interrompere la sua attività televisiva. È un colpo durissimo, ma Hattie non smette di combattere. Anche se la salute comincia a venir meno, il suo spirito rimane intatto, così come la sua eredità di attrice e pioniera.

L'eredità di Hattie

Il 26 ottobre 1952, Hattie McDaniel si spegne all’età di 57 anni, lasciando dietro di sé un’eredità straordinaria. Hollywood, che a lungo l’ha relegata a ruoli marginali, si ferma a ricordarla come una delle attrici più talentuose e influenti della sua generazione. La sua carriera è un percorso di conquiste e sacrifici, fatto di ruoli spesso limitanti che lei ha saputo trasformare in momenti indimenticabili. Attraverso ogni interpretazione, Hattie ha combattuto contro le barriere razziali e ha aperto la strada per le future generazioni di attori afroamericani.

Hollywood rende omaggio a Hattie con due stelle sulla Walk of Fame: una per i suoi successi cinematografici e una per i contributi alla radio. Questo doppio riconoscimento non è solo un tributo alla sua versatilità, ma anche alla sua capacità di affrontare un’industria che le ha imposto confini rigidi e stereotipi. Con il suo lavoro, Hattie ha dimostrato che anche i ruoli secondari possono diventare potenti veicoli di rappresentazione e di riscatto. Il suo Oscar, ancora oggi, è un simbolo di resilienza, un trofeo che testimonia il valore di chi ha saputo sfidare i limiti imposti dalla società.

Oltre ai premi, l’impatto di Hattie McDaniel vive nella memoria di chi ha lavorato con lei e di chi ha seguito la sua carriera, ma soprattutto nella generazione di artisti che ha ispirato. Hattie ha mostrato che il talento e la dedizione possono trovare spazio anche nei contesti più difficili, e che un’attrice afroamericana può conquistare l’affetto del pubblico senza tradire la propria autenticità. Anche se molti ruoli le sono stati negati e i riflettori sono spesso stati puntati altrove, Hattie ha saputo brillare ugualmente, rendendo indelebile il suo passaggio.

La sua vita è la storia di una donna che ha lottato per affermarsi, nonostante le difficoltà, e che ha saputo fare di ogni personaggio, anche quello più umile, un ritratto umano e commovente. Oggi, Hattie McDaniel rimane un’ispirazione per chi, dentro e fuori Hollywood, continua a credere che il talento possa aprire qualsiasi porta, anche quelle più pesanti e chiuse a doppia mandata.

 

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C'è un anno, il 1939, che spicca nella storia di Hollywood per aver prodotto alcuni dei film più iconici di tutti i tempi. In quei 12 mesi, mai prima né dopo, sono stati realizzati così tanti capolavori del cinema: "Via col vento" (di cui vi ho parlato qui), "Il mago di Oz" (trovate qui il mio articolo), "Ombre rosse" (ve ne ho parlato qui), "Mr. Smith va a Washington", "Donne", "Cime tempestose", "Notre-Dame", "Avventurieri dell’aria" e "Ninotchka" (straordinario film con Greta Garbo, trovate il mio articolo qui).
C'è un attore, Thomas Mitchell, che tra le tante stelle di Hollywood, è comparso in ben cinque di questi leggendari film in un solo anno. Una presenza straordinaria che testimonia il suo talento e la sua versatilità sul grande schermo.
Se questo vi sembra impossibile, mettetevi comodi, perché oggi vi racconto la storia dell’uomo che ha dato vita ad alcuni dei personaggi più indimenticabili della storia del cinema. La sua carriera, che spazia dal giornalismo al teatro, e dai film ai primi giorni della televisione, è un viaggio affascinante che merita di essere scoperto.

Un mancato reporter

Thomas John Mitchell nasce l'11 luglio 1892 a Elizabeth, New Jersey, come ultimo di sette figli di James e Mary Mitchell, due immigrati irlandesi. In famiglia viene chiamato affettuosamente Tommy. Cresce in un ambiente in cui il giornalismo è una tradizione di famiglia: sia il padre che il fratello maggiore, John, sono giornalisti. Dopo la morte del padre, Thomas segue le orme dei suoi cari e inizia a lavorare per il Newark Journal, dove suo fratello è caporedattore.
Sebbene collabori con diverse testate giornalistiche e trovi inizialmente soddisfazione nel mestiere, Tommy si rende presto conto che il suo vero talento risiede altrove. Nel tempo libero, si dedica a scrivere e interpretare sketch comici per il teatro vaudeville, scoprendo una passione profonda per la recitazione. Questa passione lo spinge a dedicare sempre più tempo ed energie al teatro, fino a quando decide di abbandonare il giornalismo per seguire il suo sogno di diventare attore.
Nel 1913, Thomas compie il grande passo e si unisce alla compagnia itinerante "The Coburn Players" di Charles Coburn, accettando qualsiasi ruolo pur di migliorare le sue capacità attoriali. Questo periodo è cruciale per lui, poiché gli permette di accumulare esperienza e di dimostrare una versatilità che sarà determinante per la sua futura carriera. Il vero debutto a Broadway avviene nell'ottobre del 1916 con lo spettacolo "Under Sentence", dove recita insieme a due futuri giganti di Hollywood, Frank Morgan ed Edward G. Robinson. Il successo a Broadway gli consente di ottenere ruoli sempre più importanti fino al 1926, quando interpreta il protagonista in "The Wisdom Tooth".
Nonostante un primo approccio al cinema nel 1923 con il film muto "Six Cylinder Love", Mitchell decide di concentrarsi sul teatro fino alla metà degli anni '30. La sua dedizione al palcoscenico gli permette di affinare ulteriormente il suo talento, preparandolo per il grande salto verso Hollywood.

Il Debutto a Hollywood

Dopo anni di successi teatrali, la metà degli anni '30 segna per Thomas Mitchell il passaggio definitivo al cinema. Nel 1936, la Columbia Pictures gli offre un contratto vantaggioso, che accetta soprattutto a causa delle difficoltà economiche derivanti dalla Grande Depressione che hanno colpito duramente il teatro di Broadway.
Nei suoi primi tre film, Mitchell ha ruoli minori, ma significativi: è in "Craig’s Wife" accanto a Rosalind Russell, Billie Burke e Jane Darwell, in "Adventure in Manhattan" con Jean Arthur e Joel McCrea, e in "Theodora Goes Wild" con Irene Dunne e Melvyn Douglas, tutti usciti nel 1936. Tuttavia, il suo vero debutto avviene nel 1937 con due dei più grandi registi di Hollywood: Frank Capra, nel film Orizzonte perduto, e John Ford, in Uragano. Con Capra, Mitchell interpreta Henry Barnard, un uomo d'affari imbroglione, mentre nel film di Ford veste i panni del dottor Kersaint, una performance che gli vale la nomination all'Oscar come Migliore attore non protagonista.
Il 1937 è anche l'anno in cui Thomas si sposa con Rachel Hartzell, con la quale avrà una figlia di nome Anne. Sebbene il matrimonio duri solo due anni, la nascita della figlia rappresenta un periodo importante nella vita personale di Mitchell.
Un altro film significativo del 1937 è Cupo tramonto di Leo McCarey. In questo commovente dramma, Mitchell interpreta uno dei cinque figli di una coppia di anziani costretti a separarsi dopo aver perso la loro casa a causa di un debito non pagato. La situazione diventa insostenibile, portando alla decisione di mettere la madre in un ospizio e di mandare il padre in California da un'altra figlia. Il film è un ritratto struggente delle difficoltà della vecchiaia e delle dinamiche familiari.
Il 1938 vede Mitchell in Crociera d'amore, un film che, pur non essendo memorabile, apre la strada al 1939, l'anno che non solo sarà ricordato come l'anno d'oro del cinema, ma che diventerà anche l'anno d'oro di Thomas Mitchell.

L'anno del trionfo

Ma perché il 1939 viene considerato l'anno d'oro del cinema? Non solo per i film straordinari che ha prodotto, ma per ciò che rappresentano nel loro insieme – il mito di Hollywood e un momento unico nella cultura di massa americana. Quest'anno ha visto la nascita di film iconici come "Gone With the Wind" e "The Wizard of Oz", che hanno stabilito standard insuperabili nei loro generi. Era l'epoca d'oro del sistema degli studi di Hollywood, dove la collaborazione tra grandi star, registi di talento e artigiani esperti ha prodotto autentiche magie cinematografiche. Questo sistema permetteva una produzione di qualità eccelsa, con film che sapevano catturare l'immaginazione del pubblico come mai prima.
In quel periodo, il cinema era il principale mezzo di intrattenimento di massa, unendo milioni di persone in un’esperienza condivisa. Questo ha permesso ai film di quell'anno di avere un impatto culturale profondo e duraturo. Inoltre, segnava la ripresa economica dopo la Grande Depressione e rappresentava un periodo di trasformazione per l'industria cinematografica.
I film di quest'anno hanno contribuito a creare e perpetuare la mitologia di Hollywood come "fabbrica dei sogni". Scene e citazioni di questi film sono diventate parte integrante dell'immaginario collettivo. Hanno stimolato conversazioni culturali e politiche complesse, riflettendo sulle dinamiche sociali dell'epoca e cementando il 1939 come un periodo insuperabile nella storia del cinema, un momento in cui l'industria cinematografica ha operato al massimo delle sue capacità per creare esperienze teatrali indimenticabili.
Per Thomas Mitchell, il 1939 rappresenta l'apice della sua carriera. Questo anno lo vede coinvolto in cinque dei più grandi film di tutti i tempi, dimostrando la sua straordinaria versatilità e talento.
Uno degli aspetti più straordinari della partecipazione di Mitchell a questi film è il fatto che sia riuscito a prendere parte a tutti essendo le riprese praticamente in contemporanea:  Ombre rosse è stato girato dal novembre del ’38 al 7 gennaio del ’39, Avventurieri dell’aria dal 20 dicembre 1938 al 24 marzo 1939, Via col vento dal 26 gennaio del ‘39 all’11 novembre del ’39, Mr. Smith va a Washington dal 3 aprile ’39 al 7 luglio ’39 e Notre Dame dal 10 luglio 1939 al 28 ottobre dello stesso anno.

Ombre rosse, diretto da John Ford, rappresenta una delle pietre miliari del genere Western nonchè un punto di riferimento per l’intera cinematografia per le tecniche di ripresa molto innovative per l’epoca. A caratterizzare questo film oltre ad un eccellente cast composto da John Wayne, Claire Trevor, John Carradine e Andy Devine, è la valenza simbolica della diligenza che trasporta i passeggeri dall’Arizona a Lordsburg sotto la minaccia di un attacco indiano: trasportando persone appartenenti a due diverse categorie sociali, i benestanti e gli emarginati, rappresenta una metafora della società stessa. Il Dottor Josiah Boone, interpretato da Thomas Mitchell, rientra nella seconda categoria ed è un medico dedito all’alcol e malvisto da tutti perché considerato inaffidabile. Nella prima parte del film Mitchell evidenzia l’aspetto comico dell’accanito bevitore, come quando cerca di scroccare da bere nel saloon o quando prova ad ingraziarsi Peacock il commesso viaggiatore rappresentante di liquori. A metà della storia però si verifica la trasformazione del personaggio: un improvviso parto richiede il suo intervento ed a quel punto il Dott. Boone si ricompone e mantenendo la lucidità riesce a salvare due vite, riscattando la propria rispettabilità. Grazie alla sua performance in questo film Mitchell conquista l’Oscar come Migliore attore non protagonista e queste sono le sue parole quando nel 1940 riceve da Spencer Tracy l’ambita statuetta: “Non credevo di essere stato così bravo. Non ho preparato nessun discorso… sono troppo sconclusionato”.   

Il secondo film di Mitchell quell’anno è Avventurieri dell’aria di Howard Hawks, nel cui cast troviamo Cary Grant, Jean Arthur e Rita Hayworth. Al porto di Barranca, nell’America meridionale,  il pilota Geoff Carter insieme ad altri 4 colleghi si occupa del servizio postale. Un giorno Bonnie una ballerina in tournèe conosce i piloti e si rende ben presto conto della pericolosità del loro mestiere. Il collega di Geoff, nonché suo migliore amico, Kid (Thomas Mitchell), è un pilota con alle spalle una lunga esperienza che però ultimamente ha problemi alla vista che compromettono le sue capacità di volo. Il porto sarà teatro di amori, tragedie, sensi di colpa ma anche redenzione. Il ritratto che propone Mitchell di Kid è quello di un uomo burbero ma fondamentalmente buono, un amico leale che seppur non voglia rinunciare a combattere le proprie battaglie, è pronto a sacrificarsi per i compagni.

Uno dei ruoli sicuramente più famosi di Thomas Mitchell è quello di Gerald O'Hara, padre di Rossella, in Via col vento. Gerald è un uomo di mezza età di origine irlandese (e in questo Mitchell riesce ad essere molto convincente perchè può attingere alle origini irlandesi dei propri genitori), perfettamente integrato nella Georgia del Sud dove vive una vita tranquilla come proprietario piantagioni nelle quali lavorano i neri come schiavi. All’inizio della storia è un uomo che difende i propri ideali con orgoglio sprezzante, ma con il prefigurarsi della disfatta del Sud e un grave lutto che colpisce la sua famiglia, Gerald perde la ragione e trascorre le giornate a bere. Rispetto agli altri film nei quali spesso il personaggio di Mitchell ha un’evoluzione dal negativo al positivo, qui abbiamo invece un uomo forte che viene lentamente distrutto, salvo poi riscattarsi per salvare la cosa a cui tiene di più, la propria casa, pagando però un prezzo altissimo. 

Sempre in quel periodo Mitchell prende parte al film Mr. Smith va a Washington di Frank Capra. Il soggetto del film è una storia inedita di Lewis R. Foster intitolata “The Gentleman from Montana” e racconta di un giovane pieno di ideali che si scontra con la corruzione che vige nel Senato Americano. Capra inizialmente vorrebbe farne un sequel per È arrivata la felicità del ’36 con Gary Cooper, ma non essendo l’attore disponibile deve “ripiegare”, facendo una scelta vincente, sulla coppia James Stewart e Jean (che ha già diretto nel ’36 in L’eterna illusione). In questo film Thomas Mitchell, che ritrova Jean Arthur dopo Avventurieri dell’aria,  interpreta il giornalista Diz Moore, e sebbene il suo sia un ruolo secondario Mitchell riesce a presentare in maniera convincente l’evoluzione del suo personaggio: all’inizio è un reporter cinico che al pari dei suoi colleghi non esita a sbeffeggiare Smith considerandolo una pedina in mano al partito, ma con il procedere della storia si rende conto della buona fede dell’uomo e sposa la sua causa anche quando tutta la stampa viene messa a tacere dai potenti. Diz è innamorato di Clarissa, la segretaria del senatore, alla quale ha più volte chiesto di sposarlo e quando lei, innamorata di Smith, si ubriaca con lui e decide di accettare la sua proposta, inizialmente è contento ma poi realizza i veri sentimenti della donna e si fa da parte.  

Il quinto e ultimo film a cui prende parte Mitchell nel 1939 è Notre Dame del regista William Dieterle, trasposizione del romanzo “Notre-Dame de Paris” di Victor Hugo. È la storia della zingara Esmeralda (Maureen O’Hara) che per evitare l’arresto chiede asilo rifugiandosi dentro la cattedrale di Notre Dame, aiutata dal deforme campanaro Quasimodo (Charles Laughton). Thomas Mitchell interpreta Clopin, l’ambiguo capo dei gitani (che inizialmente cela la propria identità), patrigno di Esmeralda, che con coraggio guida i propri compagni a insorgere contro lo strapotere e le ingiustizie perpetrate dalla nobiltà, ed è disposto a sacrificare la propria vita per difendere ciò in cui crede.

 

Un successo dopo l’altro

Dopo l’intenso 1939 Mitchell continua a lavorare, prendendo parte a film come La nostra città del 1940 diretto da Sam Wood, Lungo viaggio di ritorno dov’è insieme a John Wayne diretto da John Ford, e nel 1941 è protagonista di Fuori dalla nebbia di Anatole Litvak. Il 1941 è anche l’anno del suo secondo matrimonio: il 30 giugno si sposa con Anne Stuard Breswer con la quale rimarrà per tutta la sua vita.
Nel 1942 prende parte al film d’avventura sui pirati Il cigno nero di Henry King insieme a Tyrone Power e Maureen O’Hara e al film a episodi di Julien Duvivier Destino sulla storia di uno smoking sfortunato, nel cui cast troviamo Star del calibro di Charleys Boyer, Henry Fonda, Charles Laughton, Ginger Rogers e Rita Hayworth: Mitchell è nel primo episodio insieme Boyer e la Hayworth
Nel 1944 è il patriarca nel film La famiglia Sullivan, una storia drammatica che racconta le vicende di 5 fratelli arruolati in guerra, e riprende i panni del dottore (indossati in Ombre rosse) per il film drammatico Le chiavi del Paradiso con protagonista Gregory Peck sulla vita di un missionario. Nel 1945 Mitchell è il protagonista de Gli ammutinati di Sing Sing nel quale interpreta un severissimo giudice. L’anno 1946 lo vede come personaggio secondario in due grandi successi, Lo specchio scuro con Olivia De Havilland che interpreta un difficile doppio ruolo di due gemelle, e La vita è meravigliosa di Frank Capra insieme a James Stewart e Donna Reed. In questa favola morale di Capra Thomas Mitchell  interpreta lo Zio Billy, il fratello del padre di George Bailey (Stewart) che presenta caratteristiche buffe come il fatto di dimenticarsi sempre le cose o di circondarsi di vari animali come corvi e scoiattoli, ma nei momenti drammatici sa presentare perfettamente il ritratto dell’uomo disperato sull’orlo del baratro.

Nel febbraio del 1949 Mitchell torna a teatro partecipando alla tournèe nazionale dello spettacolo "Morte di un commesso viaggiatore" di Arthur Miller, mentre nel 1952 viene scelto per interpretare il Sindaco cittadina di Hadleyville Jonas Henderson nel film western di Fred Zinnemann Mezzogiorno di fuoco con Gary Cooper e Grace Kelly.

Un nuovo inizio in TV e il ritorno a teatro

Durante gli anni ’50 Mitchell mostra la sua grande versatilità sapendosi adattare al nuovo mezzo di comunicazione in ascesa: la televisione. Dal ’51 infatti prende parte ai primi show televisivi come Studio One, Lux Video Theater e The O. Henry Playhouse, e questo fa sì che arrivi ad essere amato anche dalle nuove generazioni.  Il 5 febbraio del 1953 durante la cerimonia degli Emmy Awards gli viene assegnato il Premio come Migliore attore  (nella sua carriera avrà altre 2 nomination agli Emmy). Tra il 1954 e il 1955 sarà protagonista in uno show tutto suo chiamato Mayor of the town, costituito da 39 episodi.
Il 1953 è l’anno che riporta Mitchell al suo primo amore, il teatro, grazie al musical “Hazel Flagg”, basato sul film del 1937 Nulla sul serio con Carole Lombard. Grazie alla sua interpretazione il 29 marzo dello stesso anno Mitchell vincerà il Tony Award come Migliore attore in un Musical, diventando il primo in assoluto a vincere la “Tripla Corona della Recitazione”, per aver conquistato rispettivamente i tre maggiori riconoscimenti per un attore, Oscar, Tony ed Emmy.

Gli ultimi anni

Nel ’54 torna sul grande schermo: è l’acerrimo nemico di Charlton Heston nel film d’avventura Il segreto degli Incas, uno dei primi che la Paramount gira realmente presso degli scavi archeologici in Perù, e di nuovo interpreta l’ubriacone nel western La storia di Tom Destry diretto da George Marshall.
Nel ’56 è diretto da Fritz Lang Quando la città dorme, trasposizione del romanzo di Charles Einstein sugli omicidi perpetrati negli anni ’40 da William Heirens, soprannominato il “killer del rossetto” perché lasciava sulla scena del delitto un messaggio scritto appunto con il rossetto. Il film vuole essere una critica al potere dei media e la sete di potere e qui Mitchell interpreta uno dei 3 giornalisti che deve scoprire l’identità dell’assassino per poter ottenere la promozione a direttore esecutivo. Insieme a lui in questo film ci sono Dana Andrews, George Sanders e Vincent Price.
La carriera cinematografica di Mitchell si conclude nel 1961, anno in cui è in Ossessione amorosa di John Sturges e soprattutto in un’altra delle favole morali di Frank Capra, Angeli con la pistola, un film che ha un posto speciale nel mio cuore. Si tratta del remake di un altro film dello stesso Capra girato agli inizi della sua carriera, Signora per un giorno. È la storia di Dave “lo sciccoso” un gangster di New York che decide di aiutare Annie una povera venditrice di mele a fingersi una gran signora perché sua figlia Louise, che ha vissuto fino a quel momento in Spagna dove la madre a fatica l’ha mantenuta in un collegio, sta venendo a trovarla insieme al fidanzato e suo padre, un Conte spagnolo. Nella versione del ’61 c’è un cast eccezionale: Bette Davis nei panni di Annie, Glenn Ford in quelli di Dave, Hope Lange è Regina Martin, Peter Falk è lo scagnozzo Carmelo, Edward Everett Horton è il maggiordomo e Ann-Margret è Louise. A loro si aggiunge Thomas Mitchell che interpreta il giudice (truffatore) Henry Blake che si finge il marito di Annie. Come ne La vita è meravigliosa anche qui Mitchell sfoggia tutto il suo repertorio da caratterista: dall’aria truffaldina quando raggira il suo avversario durante una partita a biliardo, a quando finge di essere il patrigno affettuoso per Louise, a quando consola Annie nel momento della disperazione.

L'uscita del film Barbie (che ho giusto visto ieri sera con le mie amiche), con Margot Robbie nei panni della bambola più famosa del mondo, ha riacceso la mia passione per un giocattolo che ha segnato l'infanzia di molti di noi. Questo evento cinematografico mi ha ispirato a scrivere un articolo che esplora la relazione tra Barbie e il cinema, in particolare come la Mattel ha omaggiato il cinema classico americano attraverso la creazione di Barbie da collezione.

Ma prima di immergerci nel mondo glamour di Barbie e Hollywood, è importante ricordare come tutto è iniziato. La storia di Barbie è strettamente legata alla visione di una donna, Ruth Handler. Ruth, co-fondatrice della Mattel, osservò sua figlia che giocava con le paper-dolls, bambole di carta ritagliate da riviste e libri, un’usanza diffusasi nell’Ottocento. Non erano semplici bambole, ma figure adulte, con abiti e accessori che potevano essere cambiati. A quel tempo, le bambole disponibili sul mercato erano principalmente neonati, che limitavano le bambine a un solo ruolo: quello di mamme. I maschietti, invece, avevano a disposizione una serie di giochi che permettevano loro di sognare una varietà di carriere. Ruth vide in questo gioco un potenziale non ancora sfruttato: una bambola tridimensionale che permettesse alle bambine di proiettare i loro sogni del futuro, le loro ambizioni."

Nonostante le iniziali resistenze, incluso il marito e co-fondatore della Mattel, Elliot Handler, Ruth perseverò. "Durante un viaggio in Europa, Ruth s'imbatte in una bambola chiamata Bild Lilli, ispirata da un fumetto tedesco. Lilli era più una bambola decorativa per adulti che un giocattolo per bambini, ma Ruth ne comprò alcuni esemplari, vedendo in Lilli l'ispirazione per creare una versione americana ed inserirsi in quel vuoto creatosi nel mercato delle bambole.

Con l'aiuto dell'ingegnere Jack Ryan, nacque una bambola da moda tridimensionale. "In onore della figlia Barbara che aveva ispirato l'intero progetto, Ruth decise di chiamare la bambola Barbie." Presentata al mondo il 9 marzo 1959, al Toy Fair Internazionale Americano,  con il famoso costume da bagno a righe bianche e nere e tacchi aperti, conquista subito madri e bambini rendendola un successo immediato, e nel giro di poco facendola diventare un'icona globale, con oltre un miliardo di bambole vendute in più di 150 paesi. Due anni dopo, in risposta alle richieste dei consumatori, Barbie fu affiancata da un compagno. Questa nuova bambola fu chiamata Ken, in onore del figlio di Ruth, Kenneth.

Ora, tornando al nostro tema principale, esploreremo come Barbie ha omaggiato il cinema classico americano, attraverso la creazione di esemplari da collezione ispirati a film e attrici iconiche. Da "My Fair Lady" a "Colazione da Tiffany", da "Gli uccelli" a "La finestra sul cortile", Barbie ha saputo catturare l'essenza e il glamour di queste opere cinematografiche, diventando essa stessa un pezzo di storia del cinema.

Quindi, senza ulteriori indugi, immergiamoci nel mondo affascinante di Barbie e Hollywood... La creazione delle Barbie ispirate ai film della Hollywood classica è un'impresa di Mattel che celebra con precisione e attenzione al dettaglio il mondo del cinema di quel periodo. Queste bambole, oltre a incarnare i personaggi che rappresentano, sono un omaggio all'abilità dei costumisti e registi dell'epoca.

I costumi delle Barbie sono ricreati con cura estrema, utilizzando come riferimento immagini dei film, bozzetti originali e abiti d'epoca per assicurare la fedeltà di ogni dettaglio. I materiali di alta qualità e le rifiniture, come ricami e perline, sono accuratamente cuciti a mano.

Gli accessori sono realizzati con la stessa dedizione. Gioielli e borse sono riprodotti in miniatura per completare il look di ogni bambola, con scarpe create con precisione impeccabile.

Oltre all'estetica, le bambole riflettono la personalità del personaggio attraverso la posa, l'espressione del volto e l'acconciatura. Queste Barbie non sono solo giocattoli, ma preziose collezioni per gli amanti del cinema e delle Barbie, rappresentando un tributo alla storia del cinema e alla moda.

E ora parliamo dei film.

Via col Vento del 1939 di Victor Fleming con Clark Gable, Vivien Leigh, Thomas Mitchell, Olivia De Havilland e i costumi di Walter Plunkett (di questo film, CHE ADORO, ve ne ho parlato qui).

Scarlett O'Hara (Vivien Leigh) in una delle prime scene del film indossa un vestito di mussola bianco con una stampa di fiori verdi, corredato da un cappello di paglia con un nastro verde, nella festa alla tenuta dei Wilkes "Le Dodici Querce". 

In un altro episodio, Scarlett indossa l'iconico "Curtain dress" (vestito di tende), un abito realizzato con le tende verdi di Tara, ornato di applicazioni dorate. 

Durante il viaggio di nozze a New Orleans, Scarlett e Rhett Butler (Clark Gable) indossano abiti bianchi con un tocco di nero, a simboleggiare la loro perfetta armonia. 

In un'altra scena, Rhett sceglie per Scarlett un abito rosso sfarzoso con paillettes, piume e chiffon, richiamando i costumi di Belle Watling, una maîtresse nel film. 

Il Mago di Oz del 1939, diretto da Victor Fleming con protagonisti Judy Garland, Frank Morgan, Ray Bolger e i costumi realizzati da Adrian (vi anticipo che a breve dedicherò un articolo a questo film, perciò restate sintonizzati).

Dorothy (Judy Garland) nel film indossa un abito blu a quadretti e una camicetta bianca che rispecchiano le sue umili origini del Kansas. 

Glinda, la strega buona (Billie Burke) veste un abito lungo rosa pallido, con un corpetto aderente e gonna ampia, impreziosito da tante piccole stelle e un alto colletto a forma di ali. Corona e bacchetta magica completano il look rispecchiando la sua natura benevola e magica.

Lo Spaventapasseri (Ray Bolger) indossa un abito fatto di sacchi di juta e paglia, rattoppato in vari punti per dare l'idea che sia stato assemblato alla rinfusa. 

L'Uomo di Latta (Jack Haley) appare in un abito metallico rigido, con un cappello a cono e una mannaia. 

Il Leone Codardo (Bert Lahr) veste un completo di pelliccia marrone, con una grande criniera e una lunga coda con all'estremità un fiocco rosso. 

Il padre della sposa del 1950 di Vincente Minnelli con Spencer Tracy, Joan Bennett, Elizabeth Taylor e i costumi di Helen Rose.

L'abito da sposa di Elizabeth Taylor è diventato un'icona del film. L'abito, in satin bianco, presenta un corpetto aderente, maniche lunghe e una gonna voluminosa. Completano l'insieme un velo sostenuto da una coroncina di piccoli fiori d'arancio. 

Gli uomini preferiscono le bionde del 1953 di Howard Hawks con Jane Russell, Marilyn Monroe, Charles Coburn e i costumi di William Travilla.

Durante la performance della canzone "Two Little Girls from Little Rock", Marilyn indossa un abito rosso scintillante. 

In una delle scene più famose del film, la Monroe appare in un abito rosa acceso durante la performance di "Diamonds Are a Girl's Best Friend". L'abito, caratterizzato da un grande fiocco sulla parte posteriore, è abbinato a lunghi guanti rosa. 

Quando la moglie è in vacanza del 1955 di Billy Wilder con Marilyn Monroe, Tom Ewell, Evelyn Keyes e i costumi William Travilla. (di questo film ve ne ho parlato qui)

La Monroe indossa un iconico abito bianco a pieghe, con una gonna ampia, durante la famosa scena in cui l'abito viene sollevato dal vento della metropolitana. L'abito ha un corpetto senza spalline e una scollatura a cuore e si allaccia dietro il collo, creando un look che è allo stesso tempo ingenuo e seducente. 

Caccia al ladro del 1955 di Alfred Hitchcock con Cary Grant, Grace Kelly, Jessie Royce Landis e i costumi di Edith Head. (di questo film ve ne ho parlato qui)

Grace Kelly indossa un elegante abito di chiffon azzurro pallido, con una gonna ampia e una sciarpa leggera che fluttua al vento. L'abito contribuisce a creare un'immagine di lusso e sofisticatezza sulla Riviera francese. 

La finestra sul cortile del 1954 di Alfred Hitchcock con James Stewart, Grace Kelly, Wendell Corey e i costumi di Edith Head. (di questo film ve ne ho parlato qui)

Grace Kelly appare in un iconico abito bianco e nero. L'abito ha un bustino nero con scollo a V e maniche ad aletta, abbinato a una gonna bianca 3/4 in toulle e chiffon, decorata con un motivo ramage sul fianco realizzato con perline nere. L'abito è completato da una cintura di vernice nera, una stola bianca di chiffon, lunghi guanti bianchi di seta, una collana di perle con orecchini abbinati e un paio di sandali neri. 

Gli uccelli del 1963 di Alfred Hitchcock  con Rod Taylor, Tippi Hedren, Jessica Tandy e i costumi di Edith Head.

Il completo verde di Tippi Hedren è diventato iconico per la sua semplicità. Composto da una giacca e una gonna in lana di un verde pallido, questo outfit è stato utilizzato per la maggior parte del film per dare l'illusione che tutti gli eventi, incluso l'attacco degli uccelli, avvenissero nell'arco di un solo giorno. 

Colazione da Tiffany del 1961 di Blake Edwards con Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal e i costumi di Hubert de Givenchy e Edith Head (di questo film ve ne ho parlato qui)

I due abiti a cui ha voluto rendere omaggio la Mattel sono tra quelli realizzati da Givenchy per Audrey Hepburn.

Il "Little black dress", un lungo tubino nero in satin con lunghi guanti dello stesso colore, è indossato da Hepburn nella scena d'apertura del film.

Il secondo abito, di colore rosa, è indossato nella scena del telegramma. Si tratta di un abito da cocktail con un grosso fiocco intorno alla vita e un soprabito dello stesso colore con maniche a 3/4. Come accessori, indossa una tiara in pietre rosa e orecchini di diamanti sintetici. 

Cleopatra del 1963 di Joseph L. Mankiewicz con Elizabeth Taylor, Richard Burton, Rex Harrison e i costumi di Irene Sharaff, Vittorio Nino Novarese, Renié 

Nel film, Cleopatra, interpretata da Elizabeth Taylor, ha indossato una serie di costumi sontuosi, tra cui un celebre abito d'oro. Questo abito, un capolavoro di artigianato con una complessa lavorazione del metallo e ricami preziosi, è stato usato per enfatizzare il lusso e la potenza del personaggio di Cleopatra. I costumisti Irene Sharaff, Vittorio Nino Novarese e Renié hanno condiviso l'Oscar per i migliori costumi. 

My Fair Lady del 1964 di George Cukor con Audrey Hepburn, Rex Harrison, Stanley Holloway e i costumi di Cecil Beaton. (di questo film ve ne ho parlato qui)

L'abito da fioraia: Questo semplice e logoro abito è indossato da Eliza Doolittle (Audrey Hepburn) all'inizio del film, riflettendo il suo status di venditrice ambulante di fiori. 

L'abito da corsa di cavalli: Forse l'abito più iconico del film, è caratterizzato da un enorme cappello bianco e nero ornato con fiori e corredato da un delizioso ombrellino. 

L'abito del ballo all'ambasciata: È un abito lungo bianco con dettagli in pizzo e una tiara di diamanti che Eliza indossa per il ballo. 

L'abito rosa: Nella scena finale del film, quando Eliza ritorna a casa di Higgins, indossa un abito rosa pallido riccamente ornato con pizzo e ruches. Il colore e i dettagli femminili dell'abito contrastano con l'abito da fioraia che indossa all'inizio del film, simbolizzando la sua trasformazione. 

Tutti insieme appassionatamente del 1965 di Robert Wise con Julie Andrews, Christopher Plummer, Eleanor Parker e i costumi di Dorothy Jeakins (di questo film ve ne ho parlato qui)

Nella scena della canzone "Do-Re-Mi", Maria (Julie Andrews) indossa un abito che ricorda l'abito tradizionale tirolese, composto da una camicetta bianca con maniche a sbuffo, una gonna a balze con un motivo floreale, un corpetto e un grande cappello di paglia. 

Bonus: oltre ai film la Mattel ha omaggiato anche la serie che ha fatto la storia della televisione, 

I Love Lucy con Lucille Ball e Desi Arnaz (di cui vi ho parlato qui)

Nella serie il personaggio di Lucy Ricardo interpretato magistralmente dalla Ball compare spesso con il suo iconico abito a pois (polka dot dress) corredato dal grembiule. Questo abito è diventato un simbolo del personaggio di Lucy, rappresentando al contempo la sua femminilità e il suo spirito pratico. 

Episodio 3 prima stagione "The diet" Lucy e Ricky ballano "Cuban Pete", Lucy indossa un abito da ballo spettacolare, completo di gonne a balze che si muovono vivacemente mentre balla. 

Episodio 30 della prima stagione "Lucy does as TV commercial": Per registrare lo spot del Vitameatavegamin, Lucy indossa un abito scamiciato a quadretti bianco e nero con colletto e maniche di camicia, il tutto corredato da una cintura tono su tono e un cappellino con veletta.

Episodio 1 della seconda stagione "Job Switching": Lucy indossa un abito semplice e pratico per lavorare nella fabbrica di cioccolatini. L'abito è accompagnato da un copricapo da operaio per mantenere i capelli fuori dal viso. 

Altro omaggio è all'abito rosa indossato nell'episodio 19 della quarta stagione "Lucy gets in pictures".

 

Episodio 23 della quinta stagione "Lucy's italian movie" della celebre lotta durante la pigiatura dell'uva. 

Chiudendo non possono non menzionare anche gli attori in cui è stato trasformarto Ken: l'affascinante Rhett Butler di Clark Gable in Via col vento e l'eccentrico professor Higgins interpretato da Rex Harrison in My Fair Lady.

Spero che questo post, un po' diverso dal solito, vi abbia fatto conoscere qualche curiosità sulla bambola più famosa del mondo.

Alla prossima!

Vi ringrazio per sostenermi sempre!