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C’è una donna che attraversa i binari avvolta in un cappotto grigio, il cappello in testa, una borsa ben stretta al braccio. Avanza con passo deciso, occhi attenti, e nessuno immagina che dietro quell’apparenza da zitella eccentrica si nasconda una mente acuta, capace di risolvere delitti meglio di Scotland Yard.
È il 1961, e sullo schermo appare per la prima volta Miss Marple. Ma non quella fragile e riservata immaginata da Agatha Christie nei suoi romanzi: questa è una donna energica, ironica, imprevedibile. È Margaret Rutherford.

Con Assassinio sul treno, primo dei quattro film dedicati alla detective inglese più famosa al mondo, Rutherford reinventa il personaggio: lo veste con i suoi abiti personali, gli dà una nuova vitalità, gli presta la sua voce profonda e lo sguardo vivace. Una Marple più rumorosa, più corporea, più irresistibile. E proprio per questo, indimenticabile.
All’inizio, Agatha Christie non ne fu entusiasta. Trovava quella versione troppo distante dalla sua Miss Marple letteraria, più sobria e riflessiva. Ma con il tempo, tra le due donne nacque una sincera amicizia. 

Eppure, dietro quella figura amata in tutto il mondo, c’era una donna che per tutta la vita aveva combattuto con il peso del suo passato. Una donna segnata fin dall’infanzia da segreti familiari e tragedie che sembrano usciti da un romanzo gotico. Una donna che ha avuto successo tardi, e che mai si è davvero scrollata di dosso la paura più grande: quella di perdere la ragione.
E come in ogni buon giallo, anche dopo la parola “fine” ci sarebbe stato un ultimo mistero: un’eredità contesa, un testamento falsificato, e un Oscar scomparso. Una trama così intricata che persino Miss Marple avrebbe avuto il suo bel da fare.

Un passato difficile da dimenticare

Margaret Taylor Rutherford nasce a Balham, nel sud di Londra, l’11 maggio 1892. Ma per comprendere davvero il suo percorso, bisogna fare un lungo passo indietro, in un’Inghilterra vittoriana dove rispettabilità e tragedia spesso camminano fianco a fianco.

Suo padre, William Rutherford Benn, è il sesto di otto figli del reverendo Julius Benn, pastore congregazionalista, filantropo attivo a Stepney Green, nell’East End di Londra. La famiglia Benn è parte della solida borghesia inglese: colta, religiosa, ben inserita nella vita sociale e politica dell’epoca. William, dotato di talento per le lingue e per la poesia, lavora come traduttore e impiegato commerciale. È brillante, gentile, ma afflitto da una fragilità emotiva profonda, che ancora non ha un nome.

Il 16 dicembre 1882 sposa Florence Nicholson nella chiesa di All Saints a Wandsworth. Florence è orfana, cresciuta accanto alla sorella Bessie dopo il suicidio della sorella minore. È una giovane donna riservata, gentile, con un desiderio silenzioso di stabilità. 

Ma la luna di miele a Parigi si trasforma presto in un incubo. William ha un grave esaurimento nervoso: rientra a Londra in uno stato di confusione, tormentato da crisi sempre più violente. Viene ricoverato al Bethnal House Asylum, un manicomio nell’East End, dove resta alcune settimane. Verso la fine di febbraio 1883, i medici lo giudicano temporaneamente migliorato. Il reverendo Julius decide di portarlo in convalescenza a Matlock, località termale nel Derbyshire, sperando che le acque e l’aria di campagna possano restituirgli un po’ di pace. I due alloggiano in una pensione familiare a Matlock Bridge, chiamata “The Cottage”, gestita da un certo signor Marchant.

La notte tra il 3 e il 4 marzo 1883, accade l’impensabile. William, in un momento di totale alienazione, uccide il padre Julius, colpendolo con un pesante vaso da notte in ceramica Staffordshire mentre dorme.
La mattina successiva, il padrone di casa entra nella stanza allarmato dal silenzio e trova una scena agghiacciante: William, in camicia da notte intrisa di sangue, sta muto e immobile accanto al letto, indicando il corpo del padre. Julius è disteso, il cranio sfondato. William ha tentato di tagliarsi la gola con un coltellino tascabile e barcolla per la stanza, perdendo sangue. Viene arrestato sul posto. I medici suturano la ferita, gli salvano la vita. Subito si diffonde la notizia: l’assassino è William Benn, 28 anni, uscito da poco dal Bethnal House.

Durante l'inchiesta, William si mostra allucinato, arriva persino a confondere il capo della polizia con Ponzio Pilato, in un delirio religioso. Il verdetto è chiaro: ha “volontariamente assassinato” suo padre, ma l’atto è riconducibile a infermità mentale. Non si apre un processo ordinario.
Viene internato a tempo indeterminato al Broadmoor Criminal Lunatic Asylum, struttura ad alta sicurezza nel Berkshire.
Il fratello maggiore, John Benn, politico liberale di rilievo, gli fa spesso visita e si adopera per migliorare le condizioni dei detenuti, organizzando anche attività ricreative.
Ma è soprattutto Florence, la moglie, a restargli accanto con una fedeltà incrollabile. Per tutti i sette anni di detenzione, gli scrive una lettera al giorno, raccontando piccole cose, coltivando la speranza.
Nel luglio 1890, dopo molte pressioni e valutazioni mediche, William viene dichiarato sufficientemente ristabilito. John Benn garantisce personalmente per lui presso il Ministero dell’Interno. William esce dal manicomio e viene affidato alla custodia dei parenti a Londra.
Ma il nome Benn, ormai, è macchiato per sempre. Per proteggere la figlia che nascerà, e la rispettabilità della famiglia, William cambia legalmente cognome: da quel momento si fa chiamare William Rutherford. Si ricongiunge con Florence. I due si trasferiscono a Balham, dove William lavora in attività collegate all’import-export orientale. L’11 maggio 1892 nasce Margaret. Sul certificato di nascita, William è indicato come “mercante per l’India Orientale”. Ma il passato è difficile da dimenticare. Pochi mesi dopo la nascita, la famiglia si trasferisce in India, a Madras, probabilmente per motivi di lavoro, ma anche per allontanarsi da Londra e da tutto ciò che quel nome – Benn – ancora rappresenta.

Quando Margaret ha solo tre anni, sua madre Florence comincia a mostrare segni di forte instabilità. È di nuovo incinta, e i suoi sbalzi d’umore si fanno sempre più imprevedibili. William capisce che qualcosa non va. Decide di riportarla in Inghilterra, sperando che la sorella Bessie possa aiutarla. Ma il viaggio dall’India si rivela troppo lungo, troppo tardi.
Una mattina, una cameriera trova Florence impiccata a un albero nel giardino di casa. Come sua sorella prima di lei, anche Florence ha ceduto al buio della depressione. È il secondo suicidio nel giro di due generazioni. La bambina, inconsapevole di tutto, viene riportata in Inghilterra.

Zia Bessie la accoglie nella sua casa di Wimbledon, dove Margaret trascorrerà tutta l’infanzia. È una donna forte, solida, che le impartisce un’educazione severa ma amorevole. Per rafforzarle la postura – troppo debole – ogni giorno la costringe a restare di stesa immobile sul pavimento mentre le legge ad alta voce in francese. Una disciplina bizzarra ma affettuosa, che forgia in Margaret un portamento elegante e una dizione perfetta, qualità che le torneranno utili sulla scena.

Il padre, nel frattempo, viene nuovamente ricoverato per un altro tentativo di suicidio, e poi fatto sparire dalla narrazione familiare. A Margaret viene detto che è morto.

Ma la verità, come accade nei romanzi di Agatha Christie, trova sempre il modo di riaffiorare.
Quando Margaret ha dodici anni un vagabondo bussa alla porta di casa di sua zia, in cerca di cibo o riparo. Parla troppo. E tra le parole, dice qualcosa che gela il sangue della ragazzina: che suo padre è ancora vivo, internato in manicomio per aver ucciso il padre.
È un momento che Margaret non dimenticherà mai.
Si paralizza dalla paura. Teme che quell’uomo – che credeva morto – possa uscire dal manicomio e venire a cercarla. Come ha ucciso suo nonno, potrebbe uccidere anche lei. Resta chiusa in casa per mesi, incapace di tornare a scuola. Da quel giorno, inizia a vivere con la paura di ereditare la follia. È un pensiero che l’accompagnerà per tutta la vita, come un’ombra silenziosa.
Ma forse il tratto più straordinario di questa storia è ciò che Margaret decide di non fare. Durante tutta la sua lunga carriera pubblica, non parlerà mai delle tragedie che hanno segnato la sua infanzia. Non una parola in interviste, non un’allusione nei discorsi pubblici. E nemmeno nella sua autobiografia, pubblicata decenni più tardi. Lì, racconta una versione edulcorata: scrive che suo padre era “un romantico complicato”, morto per “un tragico incidente” poco dopo la madre, lasciandola orfana. Non menziona l’omicidio. Né il manicomio. Né il terrore. Margaret Rutherford sceglie il silenzio. E forse, in quel silenzio, c’è una forma di protezione. Un modo per custodire ciò che è stato, senza permettergli di definire ciò che sarà.

La casa di zia Bessie, al 4 Berkeley Place a Wimbledon, è una villetta in mattoni rossi, ordinata e silenziosa. Qui, Margaret cresce accudita con rigore e tenerezza. Non ci sono altri bambini, né giochi condivisi. Solo lei, tre gatti dai nomi solenni – Napoleone, Dante e Beatrice – e un canarino giallo di nome Sydney.
Zia Bessie, rimasta nubile, è una donna austera ma affettuosa. Ha regole precise e pratiche educative tutte sue. Ogni giorno, per rafforzarle la postura, fa sdraiare Margaret immobile sul pavimento mentre le legge ad alta voce in francese. Il metodo funziona: la bambina sviluppa un portamento elegante e un’ottima pronuncia, che anni dopo diventeranno strumenti di lavoro.

A otto anni, durante una recita scolastica di Natale, sale per la prima volta su un palcoscenico. Il pubblico ride, e lei scopre una strana forma di energia. A dodici anni scrive con altre 3 amiche sul giornale scolastico, The Pinc (prende il nome dalle loro iniziali, lei si fa chiamare Peggy). 

A quattordici anni, la zia la iscrive alla Ravenscroft Boarding School di Seaford. Dopo gli studi, Margaret decide di ottenere un diploma come insegnante di pianoforte. È una scelta pratica, che le permette di mantenersi. In seguito si diploma anche in dizione alla Royal Academy of Music, consapevole che in Inghilterra, un buon eloquio è fondamentale per ottenere rispetto e occasioni.

Insegna, anche se con poca convinzione: non ha pazienza, si distrae, non si sente davvero portata. Ma quelle lezioni le permettono di vivere, almeno finché non troverà il coraggio di tentare il salto.
E la vita la mette di fronte al salto nel 1923, quando zia Bessie, l’unica figura genitoriale della sua vita, muore. Margaret eredita una piccola somma e con quella, finalmente, sceglie di investire in corsi di recitazione. A 31 anni si prepara a cominciare da capo.

L'arrivo sulla scena

Ottiene un’audizione con Lilian Baylis, la leggendaria direttrice dell’Old Vic Theatre, soprannominata la "regina del teatro inglese". Sotto la sua guida si sono formati nomi destinati a diventare immortali: Laurence Olivier, Ralph Richardson, John Gielgud. Margaret è emozionata, fuori posto.
Per l’occasione indossa un vestito verde brillante e delle scarpe a punta nuove, molto moderne, in stile Gloria Swanson. Le scarpe scricchiolano a ogni passo, e il terrier della Baylis si mette ad abbaiare furiosamente. È un disastro. 

Contro ogni aspettativa, qualche mattina dopo riceve una lettera: è stata accettata. Permettetemi la digressione da potteriana: fa tanto ammissione a Hogwarts.

Nel 1925 comincia la sua prima stagione all’Old Vic. Ha 33 anni, ed è una delle debuttanti più tardive mai apparse su quel palco. Ottiene piccoli ruoli: Lady Capuleti in Romeo e Giulietta, poi parti minori in Cesare e Cleopatra. Dopo un anno, arriva la doccia fredda: non verrà riconfermata per la stagione 1926.

Margaret torna a insegnare pianoforte e dizione, ma non rinuncia al teatro.
Si unisce a compagnie amatoriali a Wimbledon, come il Grand Theatre di Fulham e l’Epsom Little Theatre. È un periodo di adattamenti e pazienza, ma non smette di mettersi alla prova.
Nel 1933 debutta finalmente nel West End, ma è nel 1939, con L'importanza di chiamarsi Ernest diretta da John Gielgud, che arriva la vera attenzione della critica. Nel ruolo di Miss Prism, goffa e tenerissima, Margaret conquista il pubblico.

 

Seguono anni intensi: Mrs. Danvers in Rebecca (1940), la strepitosa Madame Arcati in Spirito allegro (1941), la Regina di Cuori in Alice nel paese delle meraviglie (1944). Il suo stile, comico e impetuoso, è ormai riconoscibile. Il critico teatrale Kenneth Tynan dirà: “La cosa unica in Margaret Rutherford è che riesce a recitare con il solo mento.”

Nel 1945, il regista David Lean la chiama proprio per interpretare nuovamente Madame Arcati anche sul grande schermo, nella versione cinematografica di Spirito allegro. Le riprese richiedono oltre sei mesi, a causa dell’uso ancora poco diffuso del Technicolor, soprattutto in produzioni che non hanno alle spalle un grande studio. Il film, però, si fa notare: riceve l’Oscar per i migliori effetti speciali, e segna per Margaret l’inizio della carriera cinematografica.

Compagni per la vita

Tra i tanti ruoli che Margaret ha interpretato nella sua carriera, quello della compagna fedele è forse il più silenzioso, ma anche il più duraturo.
La sua vita sentimentale non è mai finita sui giornali, né ha alimentato scandali. Eppure, è stata segnata da un amore autentico, coltivato con rispetto, discrezione e una dolcezza fuori dal tempo.
Lui si chiama James Buckley Stringer Davis, attore di teatro e di cinema, ma anche uomo timido, educato, riservato. Si incontrano negli anni Trenta, in una compagnia teatrale. Margaret, allora, è una figura eccentrica ma ancora ai margini del successo. Stringer è più giovane di sette anni, ha un portamento da gentiluomo e un ciuffo ribelle che le strappa un sorriso ogni volta che lo guarda.
È proprio quel dettaglio a ispirarle il soprannome che gli resterà per tutta la vita: “Tuft” – che in inglese significa “ciuffo”, o più precisamente una ciocca di capelli che spunta fuori, spettinata, imprevedibile. Come lui.
Nell’autobiografia Margaret confessa: “Cercavo di nascondere i miei sentimenti, ma a quanto pare non riuscivo a staccargli gli occhi di dosso.”
Non si dichiarano subito. Per anni il loro legame resta sospeso, tenero ma mai esplicito, in bilico tra affetto e timidezza. Solo dopo la morte della madre di Stringer – una donna estremamente protettiva, che non approvava la loro unione – riescono finalmente a sposarsi. Margaret ha 53 anni, Stringer 46. Da quel momento, non si separeranno più.
Vivono dapprima a Gerrards Cross, poi, nei primi anni Sessanta, si trasferiscono a Chalfont St Peter, in una villetta a Elm Close, immersa nel verde. Gli alberi attorno la fanno sembrare una casa nel bosco.

 «L’abbiamo scelta per il cerchio di bucaneve in giardino», racconta Margaret. Ogni inverno, quei fiori sbocciano anche con la neve ancora al suolo, e la coppia si raccoglie lì, ben coperta da scialli e plaid, per prendere il caffè del mattino attorno a un tavolino allestito proprio accanto al cerchio.
Dentro casa, la scena è altrettanto affettuosa. Un grande camino a incasso diventa il cuore delle giornate: leggono poesie, prendono il tè. Ogni stanza è piena di oggetti raccolti nei viaggi, ricordi mescolati a porcellane, casette per uccelli e antichi mobili ereditati dalla madre di Stringer – il cui ritratto in una cornice dorata ovale sembra osservarli costantemente, cadendo puntualmente nei momenti meno opportuni.
Margaret ama cucinare. Stringer la definisce “la più grande cuoca di pollame al mondo” e aggiunge:  “Se dovessi scegliere il mio ultimo pasto, vorrei che lo preparasse lei.”

Il giardino è invece il regno di Stringer, curato con meticolosa passione. C’è un rosaio alto e disordinato che riesce a fiorire persino in pieno inverno.
E quando arriva per Margaret il tempo della gloria cinematografica, lei non ha dubbi: vuole Stringer accanto a sé anche sullo schermo. Inventeranno per lui un personaggio che nella storia originale non esiste – Mr. Stringer, il devoto assistente di Miss Marple – e chiederà che venga inserito in ogni film della serie. Perché l’amore, a modo suo, sa anche trovare il modo di entrare in scena.

La prima Miss Marple del grande schermo

Sembra paradossale, ma il ruolo con cui Margaret Rutherford viene ricordata ancora oggi è lo stesso che, all’inizio, non voleva nemmeno considerare. Quando la MGM le propone di interpretare Miss Jane Marple, la celebre investigatrice creata da Agatha Christie, Margaret esita, si oppone, quasi si indigna.
Non è solo una questione di tono, né di immagine pubblica. È qualcosa di molto più profondo. Per tutta la vita, Margaret ha tenuto lontano da sé le storie di delitti e crimini. Il suo passato familiare, segnato dalla follia e da un omicidio reale – quello commesso dal padre  – ha lasciato una traccia silenziosa ma costante. Accettare un ruolo legato al mondo dell’omicidio le sembra una forma di tradimento.

“Odio l’omicidio più di qualsiasi altra cosa.”

Eppure, qualcosa comincia a incrinarsi. Margaret legge la sceneggiatura di David Pursall e Jack Seddon, tratta da 4.50 from Paddington, e scopre una figura ben diversa da quella che immaginava. Miss Marple non è cinica, né dura. È “chiaramente una donna perbene”, intelligente, calma, lucida.
E poi, tra i personaggi, c’è un ruolo perfetto per Stringer: un bibliotecario del villaggio, un assistente fedele, sempre accanto alla protagonista.
È un’opportunità rara, pensata con naturalezza, che permette anche a lui di brillare.
Le esitazioni però non spariscono. Una sera, durante una delle sue indecisioni più teatrali, Margaret arriva a pensare di consultare il vicario temendo di poter essere scomunicata. Come se, per calarsi in quei panni, servisse una sorta di assoluzione morale.
Alla fine, è una combinazione di fattori a farle cambiare idea.
Il regista George Pollock, con tatto, le dice che risolvere un omicidio è come giocare a scacchi.
E in sottofondo, cominciano ad arrivare i non troppo delicati promemoria del fisco: lettere, solleciti, numeri. Accettare quel film sarebbe anche un modo per rimettere in ordine le finanze.
Il giorno di Natale del 1960, mentre Stringer sorveglia l'arrosto nel forno, Margaret prende il telefono e chiama George Pollock. «Parla Miss Rutherford. Sarei onorata di interpretare Miss Jane Marple.» Il regista le risponde che è il regalo di Natale più bello che potesse ricevere.

Non tutti però sono entusiasti. Agatha Christie, inizialmente, si mostra scettica. La sua Miss Marple è ispirata a una zia minuta e discreta, ben diversa dalla figura imponente e teatrale di Margaret. Ma dopo un primo momento di diffidenza, le due si incontrano, si osservano, si ascoltano. E nasce un’amicizia sincera, fatta di rispetto e stima reciproca. Tanto che Christie è a lei che dedica il suo romanzo Assassinio allo specchio: A Margaret Rutherford, con ammirazione.

Tra il 1961 e il 1964, Margaret Rutherford interpreta Miss Marple in quattro film tutti diretti da George Pollock. Accanto a lei, nel ruolo dell'inseparabile Mr. Stringer, c'è il marito Stringer Davis. Sebbene non tutti i film siano tratti da romanzi con protagonista Miss Marple, l'adattamento dei personaggi e delle trame ha reso ciascuna pellicola un successo.​

1) Assassinio sul treno (Murder, She Said, 1961)

 

Tratto dal romanzo 4.50 from Paddington, il film segue Miss Marple mentre, durante un viaggio in treno, assiste a un omicidio su un convoglio adiacente. Nonostante lo scetticismo della polizia, decide di indagare personalmente, infiltrandosi come domestica nella dimora della famiglia Ackenthorpe, vicino al luogo del delitto. Il film ottiene un notevole successo al botteghino, generando un profitto di 342.000 dollari per la MGM, rendendolo il film più redditizio dello studio in un anno altrimenti deludente.

2) Assassinio al galoppatoio (Murder at the Gallop, 1963)

 

Basato sul romanzo After the Funeral di Agatha Christie, originariamente con protagonista Hercule Poirot, il film vede Miss Marple indagare sulla morte di un ricco anziano, presumibilmente deceduto per un attacco di cuore. Sospettando un omicidio, si reca al "Gallop Hotel", un centro ippico gestito da Hector Enderby, dove risiedono i principali sospettati, tutti parenti del defunto.

3) Assassinio a bordo (Murder Ahoy!, 1964)

 

Questo film presenta una trama originale non basata su un'opera specifica di Christie. Miss Marple, recentemente nominata nel consiglio di amministrazione di una nave scuola per giovani delinquenti riformati, scopre che uno dei membri del consiglio è stato avvelenato. Decide quindi di imbarcarsi per indagare sotto copertura.

4) Assassinio sul palcoscenico (Murder Most Foul, 1964)

 

Liberamente ispirato al romanzo Mrs McGinty's Dead, anch'esso con protagonista originale Poirot, il film inizia con Miss Marple come unico membro della giuria a dubitare della colpevolezza di un uomo accusato di omicidio. Convinta della sua innocenza, si unisce a una compagnia teatrale amatoriale per indagare, sospettando che il vero assassino sia tra gli attori. 

Un elemento distintivo che accompagna l'interpretazione di Margaret Rutherford nei panni di Miss Marple è la colonna sonora composta da Ron Goodwin. Il tema principale, vivace e leggero, riflette perfettamente l'approccio arguto e determinato dell'investigatrice. Questa melodia diventa un marchio di fabbrica, contribuendo a creare l'atmosfera unica che permea l'intera serie di film.
 

Col tempo, la sua versione di Miss Marple è diventata la più amata dal pubblico. Forse perché è più attiva, più visibile, più umana. Una zitella adorabile, testarda, con lo sguardo da rapace e un modo di fare a tratti sfacciato.
È difficile non riconoscere in lei un’antenata diretta di un’altra celebre investigatrice televisiva: Jessica Fletcher, la “Signora in giallo” resa immortale da Angela Lansbury. La serie infatti prende il titolo proprio da Murder, She Said, e non è un caso. Anche Jessica ha lo sguardo gentile ma tagliente, la mente acuta e il passo deciso di chi non si lascia mai ingannare dalle apparenze.
E il legame si chiude con una coincidenza perfetta: nel 1980, è proprio Angela Lansbury a interpretare Miss Marple nel film Assassinio allo specchio, tratto dallo stesso romanzo che Agatha Christie aveva dedicato a Margaret. Come se il personaggio avesse fatto il giro completo della sua leggenda, passando il testimone da una grande signora del mistero all’altra.

E l’Oscar va a…

Nel 1963, Margaret Rutherford partecipa a quello che sarà il film più prestigioso della sua carriera cinematografica: The V.I.P.s, distribuito in Italia con il titolo International Hotel.
È una grande produzione della MGM, ambientata nell’aeroporto di Londra, che si ispira alla struttura del celebre film corale degli anni Trenta, Grand Hotel: più storie parallele che si intrecciano nello spazio sospeso di una sala partenze, tra amori, crisi, segreti e decisioni irrevocabili.

Il cast è straordinario: Elizabeth Taylor, Richard Burton, Louis Jourdan, Maggie Smith, Orson Welles, Elsa Martinelli. Ognuno interpreta un personaggio alle prese con un momento di svolta, e tra questi c’è anche lei: Margaret Rutherford nel ruolo di una vecchia duchessa eccentrica e malinconica, decisa a lasciare la Gran Bretagna ma ostacolata da cavilli burocratici.
Accanto a lei, nel ruolo di un discreto cameriere, c’è ancora una volta Stringer Davis.
Il ruolo è breve ma memorabile. Margaret ruba ogni scena con naturalezza, incarnando la dignità tragica e tenera di una donna che rifiuta di sentirsi finita.

Il pubblico la adora. La critica la acclama. L’Academy le assegna l’Oscar come miglior attrice non protagonista, insieme al Golden Globe nello stesso anno.
Ma il momento della cerimonia resta avvolto da un piccolo mistero. Non si sa perché Margaret non si presenti a ritirare la statuetta, forse il viaggio negli States l'avrebbe provata troppo. Al suo posto sale sul palco Peter Ustinov. Un gesto che – in retrospettiva – sembra quasi un passaggio simbolico di testimone: qualche anno dopo, proprio Ustinov diventerà il nuovo volto di Hercule Poirot al cinema, ereditando così, almeno in parte, il mondo di Agatha Christie.

Il primo telegramma che Margaret riceve dopo la notizia dell’Oscar è firmato Elizabeth Taylor e Richard Burton, che le scrivono dall’America per congratularsi. La statuetta, una volta arrivata, viene collocata da Margaret con orgoglio sul camino di Elm Close.

Cala il sipario

Dopo il trionfo di International Hotel, Margaret Rutherford torna ancora una volta sul set. Ma qualcosa è cambiato. La stanchezza si fa sentire, e la memoria comincia a vacillare. Ma la sua voglia di recitare non si spegne.
Nel 1965 compare brevemente, e senza essere accreditata, in Poirot e il caso Amanda, adattamento ironico con Tony Randall nei panni del detective belga.

Lo stesso anno il produttore Jerome Epstein le scrive una lettera appassionata per convincerla ad accettare un ruolo ne La contessa di Hong Kong, accanto a Sophia Loren e Marlon Brando dicendole che rifiutare renderebbe il “cuore spezzato” sia lui che Charlie Chaplin (tornato alla regia), che la trovava “meravigliosa e divertente da dirigere”. La parte è breve ma memorabile.

Nel 1967 Margaret viene nominata Dama dell’Impero Britannico, una delle più alte onorificenze civili del Regno Unito, conferita per il suo straordinario contributo al teatro e al cinema.

Nel 1970, viene scelta per The Virgin and the Gypsy, ma durante le riprese si frattura un’anca. Poco dopo, arriva una diagnosi inesorabile: Alzheimer.
Margaret è costretta a ritirarsi dalla scena. Non lo fa con clamore, né con lamenti. Ma in privato, confessa con dolcezza amara:
«Avrei tanto voluto essere un’attrice classica. Come Sarah Bernhardt, la Duse o Ellen Terry. Ci sono così tante opere che avrei voluto recitare.»
Quel sogno non realizzato – quello di calcare il palcoscenico shakespeariano con i grandi ruoli tragici – rimane il suo unico vero rimpianto.

Nel 1972, a ottant’anni, Margaret muore per complicazioni dovute a una polmonite. Accanto a lei, fino all’ultimo, c’è Stringer Davis. Un anno dopo, anche lui la raggiungerà, e saranno sepolti insieme.
Il 21 luglio 1972, la Cattedrale di St. Paul accoglie una commemorazione solenne. A renderle omaggio ci sono John Gielgud, Ralph Richardson, Joyce Grenfell, Sybil Thorndike, e tante altre voci del teatro britannico.
Nel foyer del Gielgud Theatre, oggi, c’è un ritratto a olio realizzato dall’artista Michael Noakes.
È un omaggio silenzioso, eppure eloquente.

L’ultimo mistero

Quando Margaret Rutherford muore nel 1972, la sua eredità sembra essere una cosa semplice: una carriera luminosa, una casa piena di ricordi, una collezione di oggetti accumulati in una vita tra palcoscenico e set. Eppure, negli anni successivi alla sua morte, la vicenda si trasforma in un vero e proprio giallo. Uno di quelli che lei stessa, nei panni di Miss Marple, avrebbe sicuramente risolto.
Negli ultimi anni della sua vita, Margaret aveva accolto in casa una vecchia conoscenza, una ex cantante lirica in declino di nome Violet Lang-Davis, che le faceva da dama da compagnia. Dopo la morte dell’attrice, Violet resta a vivere nella casa di Elm Close per prendersi cura del vedovo, Stringer Davis. I due diventano molto intimi, al punto che si vocifera vogliano sposarsi. Ma Stringer muore nel 1973, un anno dopo Margaret. E qui inizia il mistero.

Nel testamento di Stringer, tutto viene lasciato alla moglie – anche se lei era già morta. I beni sarebbero quindi dovuti andare a un cugino lontano di Davis. Violet, però, non ci sta. E comincia a muoversi nell’ombra: si reca dal parroco di Brook Green, padre Joseph Williams, e lascia nella canonica una copia di un testamento fasullo che la nomina unica erede. Allegato, un biglietto che chiede al sacerdote di inoltrarlo agli avvocati della famiglia.
Nel frattempo, comincia a vendere gli averi dell’attrice: porcellane, mobili, argenteria, e perfino i premi più preziosi. Si presenta da un antiquario di Fulham come “nipote di Margaret Rutherford” e vende l’Oscar e il Golden Globe per poco più di mille sterline.
Ma i sensi di colpa – o la paura – la tradiscono. Violet chiama la polizia fingendo che in casa ci sia stato un furto con scasso. L’ispettore Paul Hunter inizia un’indagine, e poco dopo scopre la verità: non c’è stato nessun furto. È stata lei a vendere tutto. Messa alle strette, confessa:
«Ero disperata. Avevo bisogno di soldi per vivere.»
Un perito calligrafico dimostra che il testamento è un falso. Violet viene arrestata nell’ottobre del 1975 e trattenuta a Holloway, in attesa del processo per frode, falsificazione e furto. Ma quando arriva il giorno dell’udienza, sparisce nel nulla. Un mandato d’arresto viene emesso, ma non verrà mai eseguito.
Nel 1985, dieci anni dopo, alcune medaglie appartenute a Margaret Rutherford riappaiono in vendita da Sotheby’s. L’ispettore Hunter, tornato nel frattempo in Inghilterra, le sequestra. Sono gli ultimi oggetti ancora rintracciabili. L’Oscar e il Golden Globe non torneranno mai indietro.
La donna che ha portato sullo schermo la più acuta tra le investigatrici immaginarie si è trovata, ironia del destino, al centro di un mistero che nessuno è riuscito a risolvere davvero.

Insomma, Margaret Rutherford, con la sua grazia e la sua ferocia comica, ha sempre saputo confondere le apparenze e sorprendere il pubblico fino all’ultima scena.
Spero che questo racconto vi abbia mostrato qualcosa che non conoscevate, come piace a me: la storia dietro la storia.
Perché anche dietro un personaggio iconico, a volte si nasconde una vita molto più straordinaria della finzione.

LINK UTILI:
Assassinio allo specchio 👉 qui

La signora in giallo Jessica Fletcher, la scrittrice indagatrice 👉 qui

 

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C’è stato un tempo in cui le aziende, gli uffici e le sale riunioni mi sembravano il contesto meno cinematografico possibile. Pensavo che il mondo del lavoro fosse troppo rigido e impersonale per diventare il cuore pulsante di un film avvincente. Poi, una sera, mi sono imbattuta in La cadillac tutta d'oro e ho dovuto ricredermi.

Cosa ci può essere di tanto interessante in un’assemblea di azionisti? Eppure, vedere Judy Holliday nei panni di una piccola investitrice capace di mettere in scacco un’intera compagnia mi ha fatto capire quanta energia, quanta ironia e quanta tensione si possano trovare tra le mura di una grande azienda. Le dinamiche di potere tra dirigenti, le lotte per le promozioni, le segretarie con più ingegno dei loro capi, i compromessi morali e le piccole rivoluzioni quotidiane: tutto questo è materiale perfetto per il cinema.

Così ho iniziato a cercare altri film che esplorassero il mondo del lavoro, dai grattacieli delle metropoli americane agli uffici più caotici, dove tra macchine da scrivere e telefoni che squillano si intrecciano ambizioni e destini. In questa puntata di "Film a braccetto", vi propongo una selezione di pellicole che raccontano, con toni diversi, la vita nei grandi uffici, tra segretarie intraprendenti, dirigenti spietati e impiegati che cercano di farsi strada.

"Film a braccetto" è la rubrica con cui raggruppo film che si assomigliano in base alla trama. Se vuoi scoprire gli altri articoli ti metto un link in fondo a questo articolo.

GENERE: Commedia / Drammatico
SOTTOGENERE: Business
FILM SIMILI: 

Amore ritorna

Il diavolo si converte

L'appartamento

La segretaria quasi privata

1) La cadillac tutta d'oro

CAST: Judy Holliday, Paul Douglas, Fred Clark, John Williams
ANNO: 1956
REGISTA: Richard Quine

TRAMA: Laura Partridge è una piccola azionista di una grande azienda che non ha paura di dire la sua durante le assemblee societarie. Con la sua schiettezza e il suo ingegno, riesce a scompaginare i piani della dirigenza, attirandosi l’ostilità dei vertici ma anche l’ammirazione di chi lavora nell’ombra.
 

2) Il mondo è delle donne

CAST: Clifton Webb, June Allyson, Van Heflin, Lauren Bacall
ANNO: 1954
REGISTA: Jean Negulesco
TRAMA: Il presidente di una compagnia automobilistica organizza un ritiro esclusivo in un hotel per osservare da vicino tre suoi dirigenti e le rispettive mogli, convinto che il loro comportamento nella vita privata possa influenzare le scelte professionali. Tra strategie di carriera e tensioni familiari, la selezione per la promozione si trasforma in una prova di forza anche lontano dall’ufficio. 

3) La sete del potere

CAST: William Holden, June Allyson, Barbara Stanwyck, Fredric March
ANNO: 1954
REGISTA: Robert Wise
TRAMA: Quando il presidente di un'importante azienda di mobili muore all'improvviso, i suoi più stretti collaboratori si trovano coinvolti in una feroce lotta di potere per la successione. Con visioni opposte sul futuro dell’impresa, ciascuno cerca di ottenere il controllo della compagnia mentre si scontrano ideali e ambizioni personali.
 

4) Donne in cerca d'amore

CAST: Hope Lange, Diane Baker, Suzy Parker, Joan Crawford
ANNO: 1959
REGISTA: Jean Negulesco
TRAMA: Tre giovani donne entrano nel competitivo mondo dell’editoria a New York, sognando di fare carriera e trovare il loro posto nella società. Tra capi esigenti, colleghi senza scrupoli e il difficile equilibrio tra vita privata e professionale, scopriranno che il successo ha un prezzo e che il talento, da solo, non basta.

5) I giganti uccidono

CAST: Van Heflin, Everett Sloane, Ed Begley, Beatrice Straight
ANNO: 1956
REGISTA: Fielder Cook
TRAMA: Fred Staples viene assunto in una grande azienda e ben presto si rende conto di essere stato scelto per sostituire un anziano dirigente che il presidente vuole allontanare. Si trova così coinvolto in una spietata guerra interna tra il vecchio e il nuovo modo di fare business, in cui deve decidere fino a che punto è disposto a spingersi per fare carriera.

6) L'affascinante bugiardo 

CAST: Monty Woolley, Thelma Ritter, David Wayne, Jean Peters​
ANNO: 1951
REGISTA: Harmon Jones
TRAMA: John R. Hodges è un tipografo sessantacinquenne costretto al pensionamento forzato a causa della politica aziendale sulla pensione obbligatoria. Non accettando di buon grado l'idea di essere messo da parte, decide di tingersi i capelli e di fingersi Harold P. Cleveland, il presidente della società madre della sua ex azienda. Con questa nuova identità, Hodges visita il suo vecchio posto di lavoro, sconvolgendo la dirigenza con le sue idee innovative e guadagnandosi l'ammirazione dei dipendenti. 

7) Segretaria tuttofare 

CAST: Lucille Ball, William Holden, Janis Carter, James Gleason.
ANNO:
REGISTA: Lloyd Bacon
TRAMA: Ellen Grant è una giovane donna inesperta che viene assunta come segretaria presso l'agenzia immobiliare di Dick Richmond. Quello che Ellen non sa è che l'ufficio è in realtà una copertura per un giro di scommesse clandestine gestito da Richmond. 

8) Dalle 9 alle 5 orario continuato

CAST: Jane Fonda, Lily Tomlin, Dolly Parton, Dabney Coleman
ANNO: 1980
REGISTA: Colin Higgins
TRAMA: Tre impiegate di una grande azienda, stanche delle angherie del loro capo maschilista e prepotente, trovano un modo decisamente poco convenzionale per prendere il controllo della situazione. Tra vendette, scambi di ruoli e idee rivoluzionarie, dimostrano che il potere non è solo una questione di gerarchie, ma anche di determinazione.

9) Come far carriera senza lavorare

CAST: Robert Morse, Rudy Vallee
ANNO: 1967
REGISTA: David Swift
TRAMA: J. Pierpont Finch, giovane e ambizioso impiegato, scopre un manuale che gli insegna come scalare rapidamente la gerarchia aziendale senza sforzo. Seguendo i consigli del libro, passa da semplice addetto alle pulizie a dirigente di un’enorme compagnia, tra coincidenze fortunate e un talento innato nel sapersi vendere. 

Dietro le scrivanie e le sale riunioni si celano storie avvincenti fatte di ambizione, astuzia, ribellione e successo. I film di questa selezione mostrano come il mondo del lavoro non sia solo un luogo di doveri e regolamenti, ma anche un palcoscenico di grandi sfide e colpi di scena.

E voi, avete mai vissuto una situazione lavorativa degna di un film?

LINK UTILI:

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Ci sono film che passano attraverso di noi senza lasciare traccia. E poi ci sono quelli che restano. Si insinuano nei pensieri, si legano ai ricordi, diventano parte di ciò che siamo. Il buio oltre la siepe è uno di quei film. Una storia che non invecchia, che non perde mai la sua forza, che ogni volta ci riporta al centro di una verità scomoda, necessaria.

Da tempo volevo scriverne, ma mi dispiaceva parlarne senza poter dire a chi mi legge dove rivederlo. Non era su nessuna piattaforma in streaming e ogni volta che qualcuno mi chiedeva “Dove posso trovarlo?”, la risposta era sempre la stessa: da nessuna parte. Poi, sfogliando la guida TV – ebbene sì, la compro ancora – mi imbatto in un piccolo miracolo: Il buio oltre la siepe in programmazione Martedì sera su Rai Movie. Un’occasione da non perdere. Lo segnalo subito nella mia newsletter e poco dopo un’altra sorpresa: il film è stato caricato su RaiPlay (trovi il link in fondo all'articolo). Non si sa per quanto tempo resterà disponibile, ma è già qualcosa. Finalmente, è il momento giusto per parlarne.

Perché questo film non merita solo di essere visto (o rivisto), merita soprattutto di essere raccontato. Di essere esplorato, smontato pezzo dopo pezzo per capire come sia riuscito a diventare un’icona, un manifesto, un monito che non smette mai di ripetersi.

Il buio oltre la siepe è un testimone, un’eredità, un pezzo di coscienza collettiva. Il titolo originale, "To Kill a Mockingbird", rimanda a una delle metafore più potenti del romanzo di Harper Lee da cui è tratto: uccidere un tordo beffeggiatore è un peccato, perché significa spezzare qualcosa di innocente senza motivo. Ha lasciato un segno indelebile nella cultura e nella vita di milioni di persone: ha ispirato futuri avvocati a scegliere la strada della giustizia, genitori a chiamare i propri figli Atticus o Scout in omaggio ai suoi indimenticabili protagonisti, lettori di ogni generazione a interrogarsi su empatia, moralità, uguaglianza. Ancora oggi, il suo impatto si riflette perfino nella cultura pop: se guardate Grey’s Anatomy, sapete che il dottor Atticus Lincoln sceglie di chiamare suo figlio Scout.

Ma come nasce un film capace di racchiudere l’anima di una storia tanto potente? Quali scelte, sfide e intuizioni ne hanno segnato la realizzazione? E perché, ancora oggi, continua a parlarci con la stessa forza del primo giorno? Scopriamolo insieme.

Il titolo inglese è To kill a mokingbird ed è un film del 1962 diretto da Robert Mulligan con protagonisti Gregory Peck, Mary Badham e Philip Alford.

La trama in breve: Nella cittadini di Maycomb in Alabama negli anni '30 l'avvocato Atticus Finch, rimasto vedovo, vive insieme ai due figli Jem e Scout e la domestica di colore Calpurnia. I bambini trascorrono le giornate a giocare e spinti dalla loro grande curiosità a spiare il figlio dei vicini di casa, un giovane di nome Boo Radley con problemi mentali che non si vede mai. Un giorno ad Atticus viene affidata la difesa di Tom Robinson un ragazzo di colore accusato da Bob Ewell di avere usato violenza su sua figlia Mayella. Durante il processo Atticus riesce a confutare alcuni dei punti chiavi dell'accusa, ma tutta questa vicenda provoca un'ondata di odio e razzismo che colpisce direttamente lui e i suoi figli.

Alcune scene del film

Foto promozionali

Un decennio di tumulti

Negli anni ’60, l’America è un campo di battaglia. Proteste, marce, segregazione, rivolte. Le strade bruciano, i sogni si infrangono, le speranze si rialzano. John F. Kennedy ha promesso riforme, ma il cambiamento è lento, faticoso, doloroso.
La legge dice che la segregazione è finita, la realtà racconta un’altra storia. Nel Sud, l’integrazione è una parola vuota, un’idea che fatica a diventare realtà. Nel 1961, i Freedom Riders – attivisti bianchi e neri – salgono sugli autobus per sfidare la segregazione nei trasporti pubblici. Vogliono dimostrare che la legge è uguale per tutti, ma la risposta è brutale. Autobus incendiati, arresti di massa, corpi ricoperti di lividi. Intanto, Martin Luther King Jr. continua la sua battaglia con la sola arma che conosce: le parole. Parole che scuotono il paese. Parole che molti non vogliono ascoltare.
Il cinema non può più restare in silenzio. Hollywood si accorge che il mondo sta cambiando e inizia, timidamente, a raccontarlo. Nel 1958, La parete di fango mette in scena la fuga di due prigionieri, uno bianco e uno nero, incatenati l’uno all’altro. Un’immagine potente, una metafora brutale: la società li vuole divisi, ma la sopravvivenza li costringe a restare insieme.
L’anno successivo, Lo specchio della vita racconta il dramma di una giovane afroamericana che cerca di sfuggire alla discriminazione passando per bianca. Vuole una vita diversa, un futuro senza umiliazioni. Ma può davvero rinnegare se stessa?
Il cinema sta cambiando. L’America sta cambiando. E proprio in questo momento di crisi, un film arriva per raccontare tutto questo con lo sguardo di una bambina. Ma prima di capire il suo impatto, dobbiamo fare un passo indietro. Dobbiamo scoprire chi ha avuto il coraggio di scriverlo.

La storia dietro la storia

Harper Lee è cresciuta in un piccolo angolo d’America dove tutti si conoscono, le stagioni scandiscono il ritmo della vita e i pettegolezzi viaggiano più veloci del vento tra le strade polverose. Monroeville, Alabama, negli anni ’30 è una cittadina come tante nel profondo Sud, con i suoi volti familiari, le sue tradizioni radicate e le sue barriere invisibili, quelle che separano bianchi e neri in una rigida gerarchia sociale. È qui che nasce la sua storia, tra i ricordi d’infanzia, le giornate passate a giocare con l’amico Truman Capote e le ombre della realtà che iniziano a prendere forma nella sua mente di bambina.

Suo padre, Amasa Coleman Lee, è un avvocato e legislatore statale, un uomo rispettato ma riservato, di poche parole e di grande integrità. È con lui che Harper impara il peso della giustizia, osservandolo nel suo ufficio, tra scartoffie e clienti in cerca di aiuto. Un giorno, nel 1923, Amasa difende un uomo afroamericano accusato ingiustamente: è una battaglia persa in partenza, in un’epoca in cui la colpa è spesso scritta nel colore della pelle. L’esito del processo non è difficile da immaginare, ma l’impatto su Harper è profondo. Anni dopo, quel padre inflessibile ma giusto diventerà Atticus Finch, l’anima del suo romanzo.

La scrittura per Harper Lee non è un passatempo, ma una necessità. Dopo gli studi in legge, capisce che la sua strada non è nei tribunali, ma tra le pagine di un libro. Si trasferisce a New York e, mentre di giorno lavora come impiegata alla Eastern Air Lines, di notte scrive, scavando nei ricordi della sua infanzia per dare forma alla storia che sente dentro. Nel 1957 invia il manoscritto a una casa editrice, ma la risposta non è quella sperata: il libro ha potenziale, ma assomiglia più a una raccolta di racconti che a un vero romanzo. Le consigliano di rielaborarlo, di dare più struttura alla narrazione. Nei due anni successivi lavora senza sosta con la sua editor, Tay Hohoff, riscrivendo intere parti, affinando dialoghi, costruendo personaggi. Finalmente, nel 1960, il libro viene pubblicato. Nessuno può ancora immaginare l’impatto che avrà.

Dal libro alla pellicola

Alan J. Pakula non è il tipico produttore hollywoodiano. Figlio di immigrati polacchi, laureato a Yale, è un uomo colto e metodico, con una visione del cinema lontana dalle logiche più commerciali degli studios. Dopo aver iniziato la carriera come sceneggiatore alla Warner Bros., ha trovato la sua strada nella produzione, formando una solida collaborazione con il regista Robert Mulligan. Insieme, nel 1957, hanno fondato la Pakula-Mulligan Productions e ottenuto un discreto successo con Fear Strikes Out, dimostrando di saper gestire storie complesse con sensibilità e autenticità.
Eppure, se non fosse stato per Isabel Halliburton, il loro percorso non avrebbe mai incrociato quello di Il buio oltre la siepe. È lei, un’amica di Pakula, a leggere il romanzo appena pubblicato e a insistere perché lui faccia lo stesso. Pakula la ascolta e rimane folgorato dalla storia.

Nel frattempo, il libro sta diventando un fenomeno editoriale. Quando esce nel luglio del 1960, l’editore J.B. Lippincott Company stampa un’edizione iniziale di appena 5.000 copie, senza immaginare il successo che sta per esplodere. In poche settimane, Il buio oltre la siepe scala le classifiche e si guadagna un posto fisso tra i bestseller del New York Times. La critica lo esalta, i lettori lo amano e nel 1961 Harper Lee vince il Premio Pulitzer, consacrando il suo romanzo come un classico istantaneo.

Il problema è che nessuno a Hollywood sembra pensarla come Pakula. I diritti cinematografici del libro fanno gola a molti, ma gli studios principali esitano. Come si può vendere un film senza una storia d’amore, senza grandi scene d’azione e con protagonisti dei bambini? La risposta più ovvia, per molti, sarebbe stata Walt Disney, ma Il buio oltre la siepe non è una fiaba, e nessuno pensa che possa funzionare sul grande schermo.
Ma Pakula non si arrende. Riesce a ottenere da Harper Lee e dalla sua agente, Annie Laurie Williams, la promessa che non venderanno i diritti a nessuno finché lui e Mulligan non avranno messo insieme un’offerta solida. Harper Lee rimane colpita dalla sua passione e dal suo rispetto per il romanzo, e accetta. Nei mesi successivi, mentre Il buio oltre la siepe continua a dominare le classifiche dei bestseller e Hollywood inizia finalmente a interessarsi al progetto, Pakula stringe un accordo con l’autrice. A gennaio 1961, i diritti cinematografici sono suoi.

Per la regia, la scelta è chiara fin dall’inizio: Robert Mulligan. Il suo stile, sensibile e misurato, lo rende perfetto per una storia raccontata attraverso lo sguardo di una bambina. Nato nel Bronx da una famiglia irlandese, Mulligan ha avuto un percorso insolito: ha studiato per diventare sacerdote, ma ha lasciato il seminario per arruolarsi nei Marines durante la Seconda Guerra Mondiale. Dopo la guerra, ha conseguito una laurea in tecnologia radiofonica alla Fordham University e ha iniziato la sua carriera come fattorino alla CBS. Da lì, è salito di grado, fino a dirigere un centinaio di episodi della serie Suspense, affinando il suo talento nella narrazione visiva. Trasferitosi a Hollywood, dopo Prigioniero della paura ha diretto diversi film di successo, tra cui Ragazzi di provincia, Il grande impostore e Torna Settembre.
Per trasformare il film in realtà, però, serve il sostegno di una major. La Universal si interessa al progetto e firma per distribuirlo, ma prima di partire con la produzione c’è un ostacolo: il finanziamento. Pakula e Mulligan sono nomi rispettati ma non ancora abbastanza potenti per convincere Hollywood a investire nel film. Serve un grande attore, una star il cui nome possa garantire il budget necessario.

Il cast perfetto

Trovare l’attore giusto per interpretare Atticus Finch è una sfida tutt’altro che semplice. Il personaggio incarna integrità morale, giustizia e una forza tranquilla che impone rispetto senza mai ricorrere all’autorità. Serve qualcuno capace di trasmettere tutto questo con naturalezza, senza eccessi o retorica.
Harper Lee ha le idee chiare fin dall’inizio. Anche se ha promesso di lasciare libertà di scelta a Pakula e Mulligan, non può fare a meno di immaginare Spencer Tracy nel ruolo di Atticus. Decide quindi di inviare un messaggio all’attore attraverso la William Morris Agency, chiedendogli di leggere il copione. Tracy, però, ha appena iniziato le riprese di Il diavolo alle 4 con Frank Sinatra e non ha nemmeno il tempo di prendere in considerazione il progetto.
Poco dopo, a sorpresa, si fa avanti Bing Crosby. L’attore, celebre per la sua carriera musicale e cinematografica, ha già dimostrato di poter affrontare ruoli drammatici, ottenendo anche una nomination all’Oscar per La ragazza di campagna nel ‘54. Tuttavia, il suo periodo d’oro al botteghino risale agli anni ’40 e il suo nome non ha più lo stesso peso commerciale. Soprattutto, per quanto abbia talento, non sembra possedere il carisma necessario per rendere giustizia alla complessità di Atticus Finch.
A questo punto entra in gioco la Universal, che ha già firmato per distribuire il film e vuole spingere per una sua grande star: Rock Hudson. Negli anni precedenti, Hudson ha dimostrato il suo talento anche in ruoli più complessi, specialmente nei melodrammi diretti da Douglas Sirk ma per Pakula e Mulligan manca di quella gravitas, quella naturale autorevolezza che rendono Atticus Finch un simbolo di giustizia e moralità.

Pakula prende una decisione. C’è un solo attore che può incarnare Atticus come lo immagina: Gregory Peck. Gli invia una copia del romanzo, sperando che possa convincerlo. Peck inizia a leggere e, fin dalle prime pagine, capisce che quella storia è speciale. Passa l’intera notte sul libro e, alle otto del mattino successivo, chiama Pakula e Mulligan: "Quando cominciamo?". In un’intervista dirà: "Non dovevo recitare per essere Atticus, mi veniva naturale. Sono cresciuto in una piccola città della California, dove passavamo le estati scalzi, arrampicandoci sugli alberi e rotolando giù per le strade dentro vecchi pneumatici.”

Con Gregory Peck a bordo, il progetto è pronto per un altro passo fondamentale: la scelta dello sceneggiatore. Harper Lee ha deciso di non occuparsene direttamente, e il compito di adattare il suo romanzo viene affidato a Horton Foote.

 

L’intera storia di Il buio oltre la siepe è vista attraverso gli occhi di Scout, e il successo del film dipende in gran parte dalla capacità di rendere autentica la prospettiva dell’infanzia. Pakula e Mulligan sanno che devono trovare bambini veri, non giovani attori già abituati alle pose impostate di Hollywood. Vogliono spontaneità, freschezza, un’energia naturale che solo chi non è ancora stato toccato dai meccanismi del cinema può avere.

Per il ruolo di Jem, il fratello maggiore di Scout, il regista viene indirizzato su Philip Alford, un tredicenne di Birmingham, Alabama, senza alcuna esperienza cinematografica. A segnalare il suo nome è James Hatcher, un regista teatrale locale che contatta la madre di Philip e le suggerisce di portarlo al provino. Alford inizialmente non vuole nemmeno partecipare, ma quando sua madre gli dice che così potrà saltare mezza giornata di scuola, cambia idea all’istante.
Anche Mary Badham, la bambina che diventerà l’anima del film nel ruolo di Scout, arriva al provino quasi per caso. Bodie Boatwright, incaricata del casting per i bambini del Sud, chiama sua madre e le suggerisce di portarla a un’audizione. Mary non ha mai recitato in vita sua e si presenta senza aver preparato nulla. Ai provini non le viene chiesto di leggere battute o di interpretare una scena, ma di svolgere attività quotidiane: tra le prove, c’è perfino tagliare la legna. La sua espressione vivace e la sua naturalezza colpiscono immediatamente la produzione. La chimica tra Alford e Badham è immediata. I due bambini, pur non conoscendosi prima di quel momento, scoprono di abitare a meno di un chilometro di distanza l’uno dall’altra. Con i loro lineamenti simili e il modo in cui interagiscono, sembrano davvero fratello e sorella.

Durante le riprese, Mary Badham viene “adottata” dalla famiglia Peck. Suo padre non può lasciare l’Alabama per accompagnarla sul set, così Gregory Peck e sua moglie Veronique la ospitano spesso per farla sentire a casa. Il legame tra Peck e la piccola attrice si rafforza al punto che, per tutta la vita, lei continuerà a chiamarlo “Atticus”, e lui la chiamerà “Scout”.

Se la storia di Il buio oltre la siepe è raccontata attraverso gli occhi di Scout, è il volto di Tom Robinson a restare impresso. Le sue espressioni, la sua voce, la sua dignità silenziosa rendono impossibile non parteggiare per lui. È un uomo innocente, accusato ingiustamente di uno dei crimini più infamanti. Per interpretarlo, la produzione sceglie Brock Peters, un attore dalla presenza scenica imponente e dalla voce profonda, che fino a quel momento ha interpretato quasi esclusivamente ruoli da villain (come il sergente Brown in Carmen Jones). I produttori sono inizialmente scettici, temono che il pubblico possa non vederlo come una vittima. Ma la sua nobiltà d’animo e la sua vulnerabilità convincono Pakula e Mulligan. Dopo anni trascorsi a interpretare personaggi negativi, il ruolo di Tom Robinson gli permette di ottenere ruoli più sfaccettati. Non diventerà mai protagonista nel cinema hollywoodiano, ma lavorerà in film di prestigio come L'uomo del banco dei pegni e dagli anni ‘70, diventerà una figura importante nell’universo di Star Trek, interpretando l’ammiraglio Cartwright.
Sapete chi ha sfiorato il ruolo di Tom Robinson? James Earl Jones. Attore di teatro, cinema e doppiatore dalla voce leggendaria, ha sostenuto un provino per la parte, ma alla fine è stato scelto Peters. Jones, qualche anno dopo, avrebbe prestato la sua inconfondibile voce a Darth Vader in Star Wars e a Mufasa ne Il re leone.

Se Brock Peters viene scelto per trasmettere dignità e dolore, James Anderson viene selezionato per l’esatto opposto. Il suo Bob Ewell è il volto del pregiudizio e della violenza: il vero antagonista del film, un uomo consumato dall’odio e dall’ignoranza, disposto a tutto pur di far condannare Tom Robinson.
Anderson è un attore di metodo, totalmente immerso nei suoi personaggi. È lui stesso a contattare la produzione, dichiarando di “conoscere quest’uomo intimamente”. La sua dedizione al ruolo lo rende inquietante anche fuori dal set: molti colleghi lo evitano, trovando il suo atteggiamento disturbante. Gregory Peck, sempre gentile con tutti, prova a dargli un suggerimento su una scena, ma Anderson lo liquida bruscamente con un’occhiataccia e un commento sprezzante: “Tu non mi insegni un bel niente.”
Nonostante il suo carattere difficile, la sua performance è indimenticabile. Bob Ewell è sgradevole in ogni gesto e in ogni parola, una figura che incarna la crudeltà e il fanatismo più cieco. Dopo Il buio oltre la siepe, però, la carriera di Anderson non decolla: il suo talento è evidente, ma la sua reputazione di attore difficile lo allontana dai grandi ruoli.

Gli ultimi due personaggi chiave di Il buio oltre la siepe si muovono agli estremi opposti della narrazione: Dill, il bambino vivace che trascorre l’estate con Scout e Jem, e Boo Radley, la presenza silenziosa e inquietante che incombe sulla loro infanzia.
Per il ruolo di Dill, la produzione sceglie John Megna, un bambino con una forte personalità e un’energia travolgente. Il personaggio è ispirato a Truman Capote, amico d’infanzia di Harper Lee, che da piccolo trascorreva le estati da una zia a Monroeville, la cittadina natale dell’autrice. Come Dill nel film, Capote era un bambino brillante e chiacchierone, più piccolo degli altri e spesso considerato eccentrico. La stessa Harper Lee, nel corso degli anni, ha confermato che il personaggio è un omaggio al futuro scrittore di A sangue freddo e  Colazione da Tiffany (nonchè organizzatore del black and white ball, il ballo del secolo).
Megna debutta a Broadway a soli sette anni e porta sul set tutta l’energia di Dill: vivace, sveglio, con una parlantina instancabile, è il perfetto compagno di giochi per Scout e Jem. Continuerà a recitare al cinema e in TV, apparendo in Vittorie perdute con Burt Lancaster, ma negli anni ’80 lascerà la recitazione per dedicarsi all’insegnamento. La sua vita sarà segnata dalla malattia: morirà di AIDS nel 1995, a soli 42 anni.

Boo Radley non parla. Non ha bisogno di farlo. Per anni è stato un’ombra dietro una finestra, una leggenda sussurrata dai bambini, un volto che nessuno ha mai visto davvero. È il mistero, la paura del diverso, l’ignoto che Scout e Jem cercano di decifrare.
E poi, un giorno, appare. Nessuna grande entrata, nessuna battuta memorabile. Solo uno sguardo. E quello basta.
A dare un volto a questa figura enigmatica è un giovane attore ancora sconosciuto. Robert Duvall è destinato a diventare una leggenda, ma ancora non lo sa. Il suo nome finisce tra le mani di Mulligan grazie a Horton Foote, sceneggiatore del film, che lo aveva notato anni prima mentre interpretava un alcolizzato nel dramma teatrale Voci nella notte. Foote vede in lui qualcosa di raro: un talento che non ha bisogno di gesti plateali, una presenza capace di riempire lo schermo senza dire una parola.
Per trasformarsi in Boo Radley, Duvall evita il sole per sei settimane e si tinge i capelli di biondo pallido. Deve sembrare qualcuno che non ha mai veramente vissuto fuori dalle mura di casa. Quando finalmente appare sullo schermo, basta un’inquadratura per cambiare tutto. La paura che lo circondava si dissolve, e quello che resta è solo un uomo fragile e silenzioso.
Sarà solo l’inizio. Duvall diventerà uno degli attori più rispettati di Hollywood, costruendo una carriera straordinaria. Nel 1972 interpreterà Tom Hagen, l’avvocato della famiglia Corleone ne Il Padrino, dando volto e voce a un personaggio che diventerà iconico. Un uomo di legge immerso nel crimine, un consigliere fedele capace di muovere i fili del potere con freddezza e intelligenza. E nel 1984 vincerà l’Oscar per Tender Mercies, scritto proprio da Horton Foote..

Sul set

Le riprese iniziano il 18 febbraio 1962 (si concluderanno 3 mesi dopo), in un’atmosfera intensa, fatta di momenti profondamente emozionanti e di episodi più leggeri, in cui il cast si lascia andare alla spontaneità. Gregory Peck, sempre professionale e affabile, diventa un punto di riferimento per tutti, soprattutto per i giovani attori.
Uno dei momenti più commoventi avviene il primo giorno sul set. La prima scena girata è quella in cui Atticus Finch torna a casa dopo una giornata di lavoro, accolto dall’entusiasmo dei suoi figli. La ripresa viene effettuata con una dolly, una cinepresa montata su un carrello che segue il movimento degli attori mentre avanzano lungo il marciapiede. Harper Lee è sul set e cammina dietro la macchina da presa, seguendo con lo sguardo Gregory Peck e i bambini.
Mentre osserva la scena, una lacrima le scende silenziosamente sulla guancia. Peck se ne accorge, ma aspetta la fine della ripresa per avvicinarsi a lei. Il regista Robert Mulligan è soddisfatto: la scena è perfetta, buona la prima. A quel punto Peck si gira verso Harper Lee e le chiede perché stia piangendo. Lei, ancora scossa, gli risponde: "Sembravi esattamente mio padre." Amasa Lee, l’uomo a cui si è ispirata per Atticus e vedere Peck interpretarlo con tanta autenticità è per lei un colpo al cuore. Perfino il piccolo dettaglio della pancia leggermente arrotondata dell’attore le ricorda suo padre. Peck incassa ma risponde con il suo tipico humor: "Non è una pancia, Harper. È recitazione."

La presenza di bambini sul set richiede un approccio particolare. Robert Mulligan capisce presto che troppe ripetizioni delle scene rischiano di rendere le loro interpretazioni meno spontanee. Decide quindi di lasciarli giocare tra un ciak e l’altro, cercando di mantenere un’atmosfera il più naturale possibile
I due giovani attori che interpretano Jem e Scout mostrano caratteri molto diversi, riflettendo in parte il rapporto tra i loro personaggi nel film. Mary Badham (Scout) è vivace e spontanea, ma proprio questa naturalezza la porta spesso a distrarsi o a dimenticare le battute. Le scene a tavola sono quelle che la mettono più in difficoltà, costringendo il cast a ripetere diverse volte la sequenza. A complicare ulteriormente le cose, la sua abitudine di ripetere le battute degli altri attori anche quando non è in scena, cosa che infastidisce non poco Philip. Dopo numerosi ciak, la sua pazienza si esaurisce e decide di “vendicarsi”. Durante la scena in cui Jem spinge Scout dentro un copertone, invece di farla rotolare dolcemente, la lancia con più forza del necessario, puntando direttamente un camion delle attrezzature. fortunatamente, Mary non si fa nulla.

Durante le riprese, Peters regala una performance straordinaria, tanto intensa da coinvolgere emotivamente anche Gregory Peck. Nella scena del processo, quando Tom Robinson testimonia in sua difesa, l’attore si lascia trasportare dalla forza del momento e scoppia in lacrime spontaneamente, senza che fosse previsto dalla sceneggiatura. Peck, che si trova di fronte a lui per interrogarlo, non può distogliere lo sguardo, ma per non lasciarsi travolgere dall’emozione adotta un escamotage: invece di guardare Peters negli occhi, fissa un punto oltre di lui, cercando di mantenere il controllo della scena.

Harper Lee è così riconoscente a Gregory Peck per la sua interpretazione che, alla fine delle riprese, gli fa un regalo speciale: l’orologio da taschino appartenuto a suo padre, morto il 15 aprile durante la lavorazione del film e che purtroppo non riuscirà a vederlo completato. Lo aveva visto a Monroeville, dove Amasa Lee lo portava con sé ogni giorno, infilato nella tasca del gilet, con la catena che passava attraverso un’asola. Peck, commosso, impara a tenerlo esattamente nello stesso modo e lo replica nei suoi gesti, come un omaggio silenzioso all’uomo che ha ispirato Atticus Finch.

Location

La cittadina di Maycomb, Alabama, prende vita sugli schermi con un realismo sorprendente, ma chi si aspetta di ritrovare le strade polverose del Sud rimarrebbe sorpreso: il film è stato interamente girato negli Universal Studios di Hollywood.
All’inizio, Robert Mulligan e Alan J. Pakula considerano la possibilità di girare a Monroeville, la città natale di Harper Lee, per rendere omaggio ai luoghi che hanno ispirato il romanzo. Ma quando il reparto scenografico arriva sul posto, la delusione è inevitabile: Monroeville è cambiata troppo. Le case sono state ristrutturate, le strade modernizzate, e l’atmosfera della piccola città degli anni ’30 è ormai scomparsa. Serve un’alternativa.

A questo punto, la produzione prende una decisione ambiziosa: ricostruire completamente Maycomb all’interno degli studios. Gli scenografi Alexander Golitzen e Henry Bumstead progettano un intero quartiere da zero, composto da oltre trenta edifici. Per dare autenticità al set, evitano di costruire semplici facciate scenografiche e decidono di utilizzare vere case in legno provenienti da un quartiere della San Fernando Valley, destinato alla demolizione per far posto a un’autostrada. Le case vengono smontate, trasportate e ricostruite pezzo per pezzo negli studios, donando al set un aspetto vissuto e credibile.

Uno degli elementi più iconici del film è il tribunale di Maycomb, il cuore del dramma di Tom Robinson. Nel film, l’aula di tribunale è una riproduzione esatta del vero Tribunale della Contea di Monroe, a Monroeville, Alabama. Prima dell’inizio delle riprese, i designer di produzione viaggiano fino a Monroeville, scattano fotografie, prendono misure dettagliate e studiano ogni particolare della struttura originale. Tornati a Hollywood, ricreano una copia fedele del tribunale all’interno degli Universal Studios, rispettando ogni dettaglio architettonico. Quando Harper Lee visita il set, resta senza parole.  La facciata viene riutilizzata con alcune modifiche anni dopo, diventando la celebre piazza con l’orologio in Ritorno al futuro (1985).

L’attenzione ai dettagli è maniacale. Persino la casa di Atticus Finch nasconde piccoli indizi della sua epoca. All’esterno della cucina, per esempio, si notano due tubature che entrano nel muro, un dettaglio apparentemente insignificante, ma che riflette una realtà storica: negli anni della Grande Depressione, molte case non avevano ancora impianti idraulici interni e l’acqua corrente veniva spesso aggiunta successivamente con tubature visibili.

La musica

La colonna sonora di Il buio oltre la siepe non è semplicemente un accompagnamento sonoro, ma un vero e proprio racconto musicale che dà voce ai sentimenti, ai contrasti e ai temi del film. Elmer Bernstein, uno dei più versatili e influenti compositori della Hollywood classica, costruisce una partitura che non si limita a sottolineare le emozioni delle scene, ma le arricchisce, le amplia e, in alcuni momenti, le anticipa. Noto soprattutto per le sue colonne sonore epiche e grandiose, come I dieci comandamenti (1956) e I magnifici sette (1960), Bernstein per Il buio oltre la siepe, sceglie un approccio completamente diverso. Il film richiede una partitura intima e delicata, capace di restituire lo sguardo ingenuo di Scout senza perdere la tensione drammatica che accompagna la storia. Bernstein rinuncia alle orchestrazioni imponenti e costruisce la sua colonna sonora su temi semplici, spesso ispirati alla musica per pianoforte che un bambino potrebbe suonare.
A dare vita a questa partitura è anche un giovane John Williams, che all’epoca muoveva i primi passi nel mondo del cinema. Oggi celebre per Star Wars, Indiana Jones, E.T. e Harry Potter, Williams suona qui il pianoforte all’interno dell’orchestra, contribuendo a creare quel senso di intimità e leggerezza che caratterizza i momenti più delicati della colonna sonora.
Ne Il buio oltre la siepe la colonna sonora racconta, attraverso le scelte timbriche e ritmiche, il passaggio dall’infanzia all’età adulta, alternando momenti di spensieratezza e mistero a passaggi più cupi e intensi. Ci sono alcune tracce sulle quali vorrei soffermarmi.

1. Main Title I titoli di apertura di Il buio oltre la siepe sono un perfetto esempio di come suono e immagine possano fondersi per raccontare una storia ancora prima che il film inizi. A progettarli è Stephen Frankfurt, designer e pubblicitario innovativo, che in seguito firmerà campagne iconiche per film come Rosemary’s Baby, Network, All That Jazz, Kramer vs. Kramer, Superman e La scelta di Sophie. Alan J. Pakula nota il suo talento e lo sceglie per realizzare i titoli di testa del film, affidandogli il compito di immergere lo spettatore nel mondo dell’infanzia di Scout Finch.
Il film si apre con un delicato tema suonato al pianoforte, una melodia fragile e sospesa che sembra evocare un ricordo lontano. Ma dopo pochi secondi, la musica si interrompe bruscamente: compare una scatola di sigari, e una piccola mano la apre con cura.
Il silenzio è rotto solo dal ticchettio di un orologio che proviene dalla scatola, mentre la cinepresa indugia sugli oggetti contenuti al suo interno: una biglia, una bambolina di legno, qualche moneta, un pezzo di gesso. Una bambina, fuori campo, inizia a canticchiare dolcemente.
Poco dopo, un flauto delicatissimo si unisce alla sua voce, accompagnato da un’arpa leggera, violini e clarinetto. La melodia è lieve, eterea, quasi come se provenisse da un sogno. La bambina gioca con gli oggetti, spostandoli con le dita, mentre la musica dipinge un’atmosfera di innocenza e spensieratezza.
Poi, all’improvviso, prende un pastello nero per iniziare a disegnare prima il titolo del film, To Kill a Mockingbird, poi un uccello. Nel farlo, urta una biglia, che rotolando ne tocca un’altra. È un momento impercettibile, ma quel semplice movimento cambia tutto. La colonna sonora si trasforma: gli archi entrano in un crescendo emozionante, portando con sé un senso di nostalgia e dolce malinconia. La melodia, pur rimanendo delicata, si espande, come se iniziasse a svelare qualcosa di più grande.

2. Creepy Caper / Peek-a-Boo Bernstein usa la musica per amplificare la tensione quando i bambini si introducono furtivamente nel giardino dei Radley. Il tema dell’infanzia, esitante e frammentato, è accompagnato da bassi inquietanti e effetti sonori di fagotto e pianoforte, creando un senso di incertezza. A 0:56, un accenno al tema di Boo Radley su flauto e pianoforte suggerisce la sua presenza invisibile. Man mano che Jem si avvicina al portico, xilofono e archi agitati aumentano la tensione, fino al culmine: un’ombra si avvicina e Scout urla, mentre la musica esplode in un crescendo di puro terrore.

3. Ewell’s Hatred Questo brano contrappone l’innocenza dei bambini alla brutalità del razzismo. Mentre Atticus si reca dai Robinson, Jem e Scout lo aspettano in macchina. Un dolce duetto di flauto e oboe accompagna il tenero incontro tra Jem e il figlio di Tom. Ma a 1:30, l’atmosfera cambia con l’arrivo minaccioso di Bob Ewell. Gli archi scendono cupi e ripetitivi, mentre i legni stridono con dissonanze sinistre, traducendo in musica la sua ostilità. La tensione culmina quando Atticus lo affronta, lasciando il pubblico con un senso di inquietudine.

4. Guilty Verdict Bernstein fa una scelta coraggiosa: durante il verdetto, la musica si fa da parte, lasciando spazio alla recitazione intensa di Gregory Peck.
Solo dopo la sentenza, un lamento religioso di archi e legni introduce un senso di solenne dolore. Il tema dei bambini torna delicato e malinconico, accompagnando lo sguardo di Scout e Jem, mentre il mondo attorno a loro diventa improvvisamente più duro e ingiusto.

5. Assault in the Shadow La colonna sonora diventa il cuore pulsante della scena dell’aggressione. Strumenti a fiato e archi dissonanti creano un senso di panico crescente, mentre Jem e Scout vengono attaccati. A 0:28, pianoforte e ottoni martellanti intensificano il caos, fino al momento in cui un secondo uomo interviene. Un improvviso crescendo segna la fine dello scontro, mentre la musica diventa misteriosa e inquieta, accompagnando Scout che cerca di capire cosa sia appena accaduto.

6. Boo Who
È il momento più emotivamente intenso del film. Scout, finalmente, vede Boo Radley. Ora, in piedi dietro una porta, con lo sguardo timido e le mani nervose, Boo si rivela per quello che è: un uomo fragile, silenzioso, quasi infantile. Bernstein accompagna questa rivelazione con la versione più pura e completa del tema di Boo Radley, un motivo dolce e delicato che sembra nascere dal nulla. Suonato da un violino leggero e tremolante, il tema esprime insieme vulnerabilità e innocenza, quasi fosse il riflesso musicale dello stesso tema dei bambini.
Quando Scout prende la sua mano e lo guida accanto a Jem, la musica si scalda con un tocco rassicurante, intrecciando il tema di Boo con il tema dell’infanzia. È un momento di profonda umanità: la paura si dissolve, lasciando spazio alla comprensione e alla tenerezza.
Ma Bernstein non chiude con un senso di assoluta serenità. Una sottile eco del tema di Bob Ewell risuona in lontananza, come un'ultima ombra che sfiora la scena, ricordandoci che la giustizia non sempre trionfa e che il mondo degli adulti rimane complesso e ambiguo.

Un successo destinato a durare

Il buio oltre la siepe arriva nelle sale americane il 25 dicembre 1962 e viene accolto con grande entusiasmo. Il New York Times lo definisce “un’opera toccante e sincera, un film che resta impresso nella memoria”, mentre Variety elogia la regia di Robert Mulligan per la sua capacità di “catturare il mondo dell’infanzia senza sentimentalismi forzati”. Il successo è immediato: con un budget di circa 2 milioni di dollari, il film ne incassa al botteghino oltre 13 nei soli Stati Uniti, diventando uno dei titoli più visti dell’anno.

Anche l’Academy non tarda a riconoscerne il valore, e il film ottiene otto nomination agli Oscar. La statuetta più attesa è quella per Gregory Peck, che però non si aspetta di vincere: è convinto che il premio andrà a Jack Lemmon per I giorni del vino e delle rose. Ma quando Sophia Loren annuncia il suo nome, Peck rimane sorpreso, stringendo forte tra le mani l’orologio appartenuto al padre di Harper Lee, che la scrittrice gli ha donato in segno di riconoscenza.
Mary Badham, a soli dieci anni ottiene una candidatura come miglior attrice non protagonista, diventando una delle più giovani candidate nella storia dell’Academy, anche se a vincere sarà la diciassettenne Patty Duke per Anna dei miracoli. Oltre a Migliore attore protagonista il film porta a casa altre due statuette, per Miglior Sceneggiatura Non Originale a Horton Foote e Miglior Scenografia. 

Negli anni, il prestigio del film non fa che crescere. Nel 1995 viene selezionato per il National Film Registry, mentre nel 2003 l’American Film Institute lo proclama il miglior film giuridico di sempre. Ma il riconoscimento più significativo arriva nel 2007, quando Atticus Finch viene eletto il più grande eroe cinematografico di tutti i tempi.
Dietro ogni grande film c’è un mondo intero che lo ha generato. Una scrittrice che ha trasformato la sua infanzia in un romanzo indimenticabile, un attore che ha dato volto alla giustizia con la sola forza dello sguardo, una squadra di artisti e tecnici che ha costruito Maycomb mattone dopo mattone, fotogramma dopo fotogramma.
Oggi, quel mondo sopravvive in ogni scena, in ogni dialogo, in ogni dettaglio che ha reso Il buio oltre la siepe un’eredità più che un semplice film. Basta rivederlo per ritrovare tutto: l’America che stava cambiando, il coraggio di raccontare certe storie, e un cinema che sapeva ancora essere eterno.

 

QUOTES:

Atticus: Se riesci a imparare una cosa sola, vedrai che ti troverai molto meglio anche a scuola. Non riuscirai mai a capire una persona se non cerchi di vedere le cose anche dal suo punto di vista.
Scout: E cioè?
Atticus: Devi cercare di metterti nei suoi panni e andarci a spasso.

Atticus: Scout, lo sai che cos'è un compromesso?
Scout: Fregare la legge?


Atticus : Me lo ricordo quando mio padre mi regalò quel fucile; mi disse [...] di ricordarmi che era peccato sparare a un usignolo [...] perché sono uccellini che non fanno niente di male, cantano e fa piacere sentirli, non mangiano le sementi, non fanno il nido nelle madie, non fanno altro che rallegrarci con il loro cinguettio.    

Atticus: Ci sono tante cose brutte a questo mondo. Vorrei tenertene sempre lontano. Ma non è sempre possibile.

Sceriffo: Lasciamo che i morti seppelliscano i morti signor Finch.

Scout: I vicini portano da mangiare quando muore qualcuno, portano dei fiori quando qualcuno è ammalato, e altre piccole cose in altre occasioni. Boo era anche lui un nostro vicino, e ci aveva dato due pupazzi fatti col sapone, un orologio rotto con la catena, un coltello... e le nostre vite. Una volta Atticus mi aveva detto: "Non riuscirai mai a capire una persona se non cerchi di metterti nei suoi panni, se non cerchi di vedere le cose dal suo punto di vista". Ebbene, io quella notte capii quello che voleva dire. Adesso che il buio non ci faceva più paura, avremmo potuto oltrepassare la siepe che ci divideva dalla casa dei Radley, e guardare la città e le cose dalla loro veranda. Accadde tutto in una notte, la notte più lunga, più terribile... e insieme la più bella di tutta la mia vita.

CLIP:

Boo

 

Finale

LINK UTILI:
Lo specchio della vita 👉 qui

Truman Capote e Il ballo del secolo 👉 qui

Il film su Raiplay (anche non so per quanto resterà in catalogo)  👉 qui

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