Ci sono attori che conquistano con il fascino, la bellezza e il carisma. E poi ci sono loro, i caratteristi, che con un sorriso, una battuta o uno sguardo riescono a rubare la scena, facendo battere il cuore agli spettatori senza bisogno di riflettori puntati. Per me, questi attori sono come vecchi amici: quando li riconosco in un film, mi sento a casa, pronta a lasciarmi travolgere dalla loro magia.
Questa volta, ho deciso di portarvi con me in un altro viaggio attraverso il mondo di quei volti familiari che hanno reso indimenticabile il cinema americano classico. Parleremo di uomini che, con il loro talento, hanno trasformato i ruoli di contorno in piccoli gioielli di recitazione. Attori come Cecil Kellaway, con la sua faccia bonaria che cela sempre un pizzico di malizia, o Henry Travers, che con un solo gesto riusciva a trasmettere una dolcezza infinita. Troverete Harry Davenport, il nonno che tutti avremmo voluto avere, e Barry Fitzgerald, con quel sorriso che sembra spuntare da una favola irlandese. Non può mancare Walter Brennan, il re dei "vecchietti" burberi ma irresistibili, e infine James Gleason, la dinamite irlandese sempre pronta a scoppiare con il suo carisma e la sua energia.
Questi attori sono l’anima vibrante del cinema che amo. Attraverso ruoli spesso piccoli, hanno saputo raccontare storie di vita con una profondità che solo i grandi artisti possono raggiungere. E allora, mettetevi comodi, perché oggi torniamo a scoprire il cuore pulsante del cinema: i caratteristi. 

Ah, trovate gli altri articoli che ho scritto finora su questa speciale categoria di attori, qui.

1) Cecil Kellaway

Nasce il 22 agosto 1893 a Città del Capo, in Sudafrica, terra lontana dalle luci di Hollywood, e forse anche per questo sembra destinato a un futuro diverso. Cecil Kellaway è figlio di genitori inglesi, Rebecca Annie e Edwin John Kellaway, un architetto e ingegnere giunto in Sudafrica per contribuire alla costruzione del Parlamento. La sua famiglia non è solo legata alla professione paterna: Edwin è amico del magnate minerario Cecil Rhodes, che non solo gli dà il nome ma diventa anche il padrino del piccolo Cecil. Cresciuto in un ambiente stimolante, diviso tra ambizioni pratiche e un ricco patrimonio culturale, Cecil frequenta il Normal College a Città del Capo e poi il Bradford Grammar School in Inghilterra. Nonostante inizi a lavorare in una ditta di ingegneria elettrica, il teatro lo chiama irresistibilmente, portandolo a lasciare quel percorso per seguire la sua vera passione.

Inizia così una carriera teatrale che lo vede dapprima protagonista nei teatri sudafricani, per poi trasferirsi in Australia, dove raggiunge grande successo. Qui diventa una figura di spicco, non solo come attore ma anche come autore di commedie. Una delle sue opere, It Isn’t Done, cattura l’attenzione del regista William Wyler, che lo spinge a tentare la fortuna a Hollywood.

A Hollywood, Cecil diventa subito uno dei caratteristi più apprezzati, grazie al suo volto simpatico, il sorriso malizioso e la capacità di interpretare personaggi amabili ma mai banali. Si specializza in ruoli che uniscono ironia e profondità: spesso è il padre affettuoso, l’uomo saggio o l’eccentrico dispensatore di consigli. La sua bravura emerge chiaramente in Ho sposato una strega (1942), dove interpreta Daniel, il padre burlone e complice della strega Veronica Lake, e in Il postino suona sempre due volte (1946), dove veste i panni di Nick Smith, il marito ingenuo che si ritrova vittima di un piano diabolico orchestrato dalla moglie e dal suo amante.

Il suo talento non si limita a ruoli realistici: in L’isola del desiderio (1948), ottiene la sua prima candidatura all’Oscar per il ruolo di un folletto irlandese stravagante che guida il protagonista con saggezza e un pizzico di magia. In Harvey (1950), interpreta il Dr. Chumley, il medico che dapprima scettico si convince dell’esistenza del coniglio immaginario del protagonista. È un bizzarro folletto che aiuta Tyrone Power in L'isola del desiderio.  In Delitto sulla spiaggia (1955), è un truffatore che si muove tra inganni insieme alla consorte ai danni di Joan Crawford. Si distingue anche in Dimmi la verità (1958), dove interpreta il Capitano Joe accanto a Sandra Dee e Beulah Bondi. L’apice della sua carriera arriva forse con Indovina chi viene a cena (1967), dove interpreta Monsignor Ryan, una figura affettuosa e mediatrice che affronta con sensibilità le tensioni culturali al centro della trama. Questo ruolo gli vale la sua seconda candidatura all’Oscar come miglior attore non protagonista.

La carriera di Cecil Kellaway è segnata dalla sua capacità di portare sullo schermo personaggi che, sebbene secondari, rimangono impressi nella memoria. Lavora senza sosta fino agli anni ’70, regalando sempre interpretazioni di grande qualità. Si spegne il 28 febbraio 1973 a Hollywood, lasciando un’eredità di ruoli indimenticabili che continuano a incantare generazioni di spettatori.

2) Henry Travers

Nasce il 5 marzo 1874 a Berwick-upon-Tweed, una cittadina del Northumberland, nel nord dell’Inghilterra. Figlio di un costruttore edile, Henry Travers – il cui vero nome è Travers John Heagerty – cresce con una spiccata curiosità per le arti, pur intraprendendo inizialmente studi di architettura. Tuttavia, il richiamo del teatro è troppo forte, e decide di abbandonare il percorso accademico per dedicarsi alla recitazione. Dopo essersi formato sui palcoscenici inglesi, si trasferisce negli Stati Uniti nei primi anni del Novecento, dove inizia una brillante carriera teatrale che lo porta a esibirsi a Broadway in ruoli sempre più importanti.
La sua versatilità gli consente di distinguersi in numerose produzioni teatrali, inclusa un’acclamata versione di Pygmalion di George Bernard Shaw. Nonostante il successo sul palco, il debutto cinematografico arriva tardi: ha già quasi sessant’anni quando Sidney Franklin lo scrittura per il film Notturno viennese (1933). Da quel momento, Travers diventa un volto familiare sul grande schermo, grazie al suo stile recitativo misurato e alla capacità di infondere umanità e profondità nei personaggi che interpreta.
Travers si specializza in ruoli di figure paterne, saggi di campagna, dottori e nobili eccentrici, sempre con un tocco di leggerezza e ironia. Nel film Colpo di fulmine (1941), è il professor Jerome, uno dei bizzarri accademici che ospitano Barbara Stanwyck nella loro casa, in una commedia che combina romanticismo e situazioni farsesche. L’anno successivo interpreta Mr. Ballard in La signora Miniver (1942), un floricoltore il cui amore per i fiori diventa un simbolo della resistenza durante la guerra. La delicatezza della sua performance gli vale una candidatura all’Oscar come miglior attore non protagonista.
Travers continua a distinguersi in ruoli di grande spessore. In Madame Curie (1943), interpreta Eugene Curie, il padre della celebre scienziata, con una grazia che completa la performance di Greer Garson. Nel noir di Alfred Hitchcock L’ombra del dubbio (1943), veste i panni di Joseph Newton, il cognato del protagonista, un uomo curioso che ama leggere romanzi gialli e si ritrova coinvolto nei sospetti di un omicidio. Mostra anche un lato più severo in Le campane di Santa Maria (1945), dove interpreta un imprenditore spietato e inizialmente ostile ai protagonisti. Nel commovente Il cucciolo (1946), è Mr. Boyles, il negoziante che offre conforto alla famiglia protagonista.
L’apice della sua carriera arriva con La vita è meravigliosa (1946), dove interpreta Clarence Oddbody, l’adorabile “angelo di seconda classe” che deve guadagnarsi le ali salvando il protagonista George Bailey dal suicidio. Clarence è uno dei personaggi più amati del cinema classico, e Travers riesce a rendere iconiche battute come: «Ricorda che nessun uomo è un fallito finché ha degli amici». La sua interpretazione tocca le corde emotive del pubblico e lo consacra come una figura indimenticabile.
Henry Travers, con il suo stile sobrio e profondamente umano, rappresenta una figura unica nel cinema classico americano. La sua carriera, che si estende fino al 1949 con il suo ultimo film La foglia di Eva, lascia un’impronta indelebile. Si ritira a vita privata dopo aver regalato al pubblico interpretazioni memorabili. Muore il 18 ottobre 1965 a Hollywood, all’età di 91 anni.

3) Harry Davenport

Nasce il 19 gennaio 1866 a New York, città che brulica di teatri e fermento artistico. Cresce in una famiglia che vive di spettacolo, e per lui il palcoscenico diventa un destino già scritto: debutta da bambino a soli cinque anni, e da quel momento la recitazione diventa una parte integrante della sua vita. Davenport passa la sua giovinezza calcando le scene di Broadway, dove il suo talento e la sua dedizione lo portano a diventare una figura rispettata tra i colleghi. È qui che incontra Phyllis Rankin, attrice e sua compagna di vita, con cui condivide non solo il palcoscenico ma anche una famiglia.
Non è solo un attore, ma un uomo determinato a migliorare le condizioni di chi, come lui, vive del mestiere teatrale. All’inizio del Novecento, quando il lavoro per gli attori è duro e spesso malpagato, Davenport guida una protesta storica insieme a Eddie Foy. Con grande tenacia, riescono a ottenere diritti fondamentali per i lavoratori dello spettacolo, come una settimana lavorativa ridotta e l’installazione di acqua corrente nei camerini, un gesto che segna un momento di svolta per il teatro americano. Questa capacità di lottare per ciò in cui crede resterà una costante nella sua vita, sia personale che artistica.
Davenport si avvicina al cinema nel 1914, quando è già un uomo maturo, e per un breve periodo si dedica anche alla regia. Tuttavia, il richiamo della recitazione è troppo forte, e presto si concentra esclusivamente sul suo lavoro di attore. Con la sua figura imponente, i capelli candidi e uno sguardo che sa alternare dolcezza e autorità, diventa il volto perfetto per interpretare giudici, medici, patriarchi e anziani saggi.
Uno dei suoi ruoli più celebri arriva con Via col vento (1939), dove interpreta il Dr. Meade, il medico di Atlanta che affronta la tragedia della Guerra Civile con calma e dignità. Nello stesso anno, veste i panni di Re Luigi XI in Notre Dame, mostrando la sua abilità nel dare vita a figure storiche. Ma Davenport è anche il nonno che tutti vorremmo: nel 1944, incarna il tenero e rassicurante patriarca della famiglia Smith in Incontriamoci a St. Louis, una delle sue interpretazioni più memorabili.
La sua carriera è un susseguirsi di ruoli iconici che mettono in luce la sua versatilità: è il Giudice Payson in Il coraggio di Lassie (1946) e il Giudice Thaddeus Turner, lo zio saggio e severo in Vento di primavera (1947). È il padre di Nick Charles in L’uomo ombra torna a casa e nel film Piccole donne (1949), interpreta il Dr. Barnes, portando ancora una volta sullo schermo quella combinazione di autorevolezza e calore umano che lo rende unico.
Con oltre 160 film all’attivo, Harry Davenport è un simbolo di dedizione al mestiere di attore. Lavora instancabilmente fino alla fine dei suoi giorni e si spegne il 9 agosto 1949 a Los Angeles, per un attacco cardiaco. Un giornale dell’epoca lo definisce “il caratterista dai capelli bianchi” con “la carriera più lunga nella storia della recitazione americana,” un omaggio a un uomo che ha lasciato un’impronta indelebile nella storia del cinema.

4) Barry Fitzgerald

Vi sembrerà strano, ma Barry Fitzgerald, una delle presenze più amate del cinema classico, nasce il 10 marzo 1888 a Dublino, in Irlanda, lontano da Hollywood e dai suoi riflettori. Il suo vero nome è William Joseph Shields, e fin da giovane dimostra un talento innato per la recitazione. Dopo essersi unito all’Abbey Theatre, il prestigioso teatro dublinese, lavora in tournée su tutto il territorio irlandese, diventando un volto familiare del teatro nazionale. Uno dei suoi ruoli più importanti è in L’aratro e le stelle di Sean O’Casey, che lo porterà anche al debutto cinematografico, quando John Ford lo scrittura per la trasposizione del 1936.
Barry Fitzgerald non ha il fisico o la voce del tipico attore protagonista hollywoodiano: è basso, con lineamenti marcati e una voce roca. Tuttavia, questi tratti diventano i suoi punti di forza, rendendolo un interprete autentico e credibile in ruoli che richiedono umanità e profondità. Dopo il successo iniziale con Ford, la sua carriera prende il volo, e Fitzgerald si specializza in ruoli di saggi, sacerdoti, marinai e personaggi del popolo.
Tra i suoi primi successi a Hollywood, spicca il ruolo del giardiniere in Susanna! (1938), una commedia brillante diretta da Howard Hawks, dove affianca Cary Grant e Katharine Hepburn in una storia di equivoci e romanticismo. Con il passare degli anni, Fitzgerald diventa uno dei caratteristi più amati e richiesti. Nel 1941, interpreta un marinaio intimorito in Il lupo dei mari di Michael Curtiz, tratto dall’omonimo romanzo di Jack London. Ma è con La mia via (1944) che raggiunge il culmine della sua carriera: nei panni di Padre Fitzgibbon, un sacerdote burbero ma adorabile che si scontra con le idee moderne del giovane Bing Crosby, regala una performance indimenticabile. Questo ruolo gli vale un Oscar come miglior attore non protagonista ed è l’unico caso nella storia dell’Academy in cui un attore riceve una doppia candidatura (protagonista e non protagonista) per lo stesso film.
In Un uomo tranquillo (1952), ancora una volta diretto da John Ford, Fitzgerald interpreta Michaleen Oge Flynn, un mediatore di matrimoni e vetturino che aiuta il protagonista, John Wayne, a navigare le tradizioni irlandesi. Con il suo spirito scanzonato e le battute argute, diventa una delle anime più vivaci del film. Fitzgerald si cimenta anche con il genere poliziesco, interpretando il tenente di polizia in La città nuda (1948), un classico di Jules Dassin. Mostra ancora il suo talento in Pranzo di nozze (1956), dove interpreta lo zio bisbetico che aggiunge un tocco di ironia a una storia di famiglia.
Barry Fitzgerald è un attore che trasforma ogni ruolo in un capolavoro di autenticità, portando sullo schermo una combinazione unica di umorismo e profondità. Lavora instancabilmente fino alla fine degli anni ’50, quando si ritira in Irlanda. Si spegne il 14 gennaio 1961 a Dublino, lasciando un’eredità di ruoli indimenticabili che continuano a essere celebrati ancora oggi.

5) Walter Brennan

Nasce il 25 luglio 1894 a Swampscott, un piccolo centro del Massachusetts. Figlio di immigrati irlandesi, Walter cresce in un ambiente semplice, ma il suo percorso verso Hollywood è tutto tranne che lineare. Dopo aver combattuto nella Prima Guerra Mondiale, torna negli Stati Uniti e si cimenta in vari lavori, tra cui il commercio immobiliare, prima di approdare al cinema come comparsa nei film muti. Il suo volto segnato, il fisico dinoccolato e la voce roca diventano presto i suoi tratti distintivi, perfetti per ruoli di uomini anziani, anche quando è ancora relativamente giovane.
La svolta arriva negli anni ’30, quando inizia a distinguersi nei ruoli di supporto. Brennan conquista il suo primo Oscar come miglior attore non protagonista con Ambizione (1936), grazie alla sua interpretazione di Swan Bostrom, un anziano agricoltore che lotta per migliorare le condizioni della sua famiglia. Questo premio segna l’inizio di un’epoca d’oro per Brennan, che vince altri due Oscar nella stessa categoria: uno per Kentucky (1938), in cui interpreta Peter Goodwin, un uomo di mezza età legato alle tradizioni del Sud, e uno per L’uomo del West (The Westerner, 1940), dove dà vita al giudice Roy Bean, un personaggio carismatico e ambiguo che regala profondità e ironia al film.
Tra i ruoli più iconici di Brennan c’è quello del pastore Rosier Pile in Il sergente York (1941), una figura guida per il protagonista Gary Cooper, che bilancia umorismo e saggezza in un’interpretazione memorabile. Nel 1944, in Acque del sud, affianca Humphrey Bogart e Lauren Bacall come Eddie, un marinaio ubriacone ma dal cuore d’oro, dimostrando ancora una volta la sua capacità di fondere umanità e leggerezza.
In L’anima e il volto (Stolen Life, 1946), Brennan interpreta Folger, un guardiano del faro che si muove con ambiguità tra la tenerezza e il pragmatismo, contribuendo a sottolineare il dramma vissuto dalla protagonista interpretata da Bette Davis. Il ruolo di Folger, seppur minore, rimane uno dei suoi più intensi grazie alla profondità che riesce a imprimere al personaggio.
In Arriva John Doe (1941), Brennan interpreta il Colonnello, un amico fidato che aiuta il protagonista nella sua crociata contro le ingiustizie. Nel genere familiare e romantico, invece, dà una sfumatura ironica al suo personaggio in Tammy fiore selvaggio (1957): Nonno John è un anziano burbero e indipendente che finisce nei guai per la produzione illegale di alcol, ma resta un punto di riferimento affettuoso per la protagonista interpretata da Debbie Reynolds. 

Ha brillato nei western : in Un dollaro d'onore è Stumpy il vecchietto tuttofare brontolone spalla di John Wayne, ma è anche un padre spietato in Sfida infernale.

Infine, in Darby O'Gill e il re dei folletti (1967), offre una doppia performance brillante come D.J. Mulrooney, il magnate del legname dal cuore gentile, e come Knobby, uno gnomo bisbetico e irascibile, regalando un tocco di magia e divertimento.
Walter Brennan lavora instancabilmente fino agli anni ’60, diventando una presenza imprescindibile nel western e in molti altri generi. Si spegne il 21 settembre 1974 a Oxnard, in California, ma lascia un’eredità che continua a ispirare, incarnando lo spirito di un’epoca in cui i caratteristi avevano il potere di trasformare anche i ruoli più piccoli in capolavori.

6) James Gleason

Nasce il 23 maggio 1882 a New York, in una famiglia in cui il teatro è una passione di famiglia. Da giovane, James Gleason non sceglie subito il palcoscenico: svolge vari lavori, dal fattorino all’addetto all’ascensore, e si arruola sedicenne nell’esercito, servendo per tre anni nelle Filippine. Tornato in patria, decide di intraprendere la carriera di attore e si trasferisce a Londra, dove lavora per due anni nei teatri locali. Tornato negli Stati Uniti, Gleason si dedica al teatro e alla scrittura, firmando diverse commedie di successo a Broadway.

Con l’avvento del sonoro, James Gleason fa il suo debutto cinematografico nel 1927, dopo aver lavorato come sceneggiatore e dialoghista. La sua fisicità minuta, il volto spigoloso e la voce roca lo rendono perfetto per ruoli di caratterista. Gleason si distingue presto in una vasta gamma di personaggi: poliziotti burberi, giornalisti schietti, manager sbrigativi ma di buon cuore, tutti interpretati con un’energia e una naturalezza che conquistano il pubblico.
Il suo primo grande successo al cinema arriva con L’inafferrabile signor Jordan (1941), in cui interpreta Max "Pop" Corkle, il manager di boxe del protagonista, un ruolo che gli vale una candidatura all’Oscar come miglior attore non protagonista. È una performance che sintetizza il meglio del suo stile: dinamico, ironico e autentico. Gleason continua a farsi notare in ruoli memorabili, come il tenente Rooney nella commedia nera Arsenico e vecchi merletti (1944) di Frank Capra, dove porta una ventata di comicità nel mezzo di una storia surreale. Lo stesso anno è l’assistente di Cary Grant nella commedia fantastica L’ottava meraviglia.
Tra i suoi ruoli più iconici c’è quello del lattaio che prende a benvolere Judy Garland e Robert Walker in L’ora di New York (1945), dove mostra il suo lato più tenero e affettuoso. Gleason brilla anche in commedie leggere: è il tassista Sylvester in La moglie del vescovo (1947) accanto a Cary Grant, il reporter Harry Summers in La fortuna si diverte (1950), e il manager di Marilyn Monroe in Matrimoni a sorpresa (1952). Mostra la sua versatilità interpretando Henry Connell, l’editore cinico ma dal cuore d’oro in Arriva John Doe (1941), diretto da Frank Capra.
Anche negli anni successivi, Gleason continua a brillare nei ruoli secondari: in Il balio asciutto (1958), recita al fianco di Jerry Lewis come il burbero ma affettuoso Doc Simpkins. La sua carriera lo porta anche sul piccolo schermo, dove diventa una presenza familiare grazie a ruoli in serie televisive come The Life of Riley e Alfred Hitchcock presenta.
James Gleason lavora instancabilmente fino alla fine, regalando interpretazioni che riescono a rendere uniche anche le parti più piccole. Si spegne il 12 aprile 1959 a Woodland Hills, lasciando un’eredità di oltre 150 film e una reputazione come uno dei caratteristi più amati del cinema classico americano. Con il suo stile diretto e la sua energia travolgente, Gleason resta un esempio perfetto di come il talento possa rendere memorabili i ruoli di supporto.

E voi, quanti volti familiari avete riconosciuto prima che ve li svelassi? Forse vi è bastato un gesto, una battuta, o quella sfumatura particolare che rende un personaggio unico. I caratteristi sono così: non rubano la scena, ma la completano, le danno un’anima, arricchendola con la loro autenticità.
Senza di loro, le storie che amiamo sarebbero incomplete. Sono loro a dar vita ai dettagli, a riempire gli spazi con personalità e sfumature che restano nella memoria anche quando i titoli di coda scorrono. Sono loro che ci fanno dire, mentre guardiamo un vecchio film: "Aspetta, questo lo conosco!". E ogni volta che li ritroviamo, ci accorgiamo di quanto ci siano mancati.
Quindi, lasciamoci incantare ancora una volta da questi artisti straordinari, perché il loro talento silenzioso è ciò che trasforma un buon film in un’esperienza indimenticabile. E voi, quante volte siete stati sorpresi nel ritrovare uno di questi volti inaspettatamente? Il cinema è anche questo: un viaggio fatto di incontri, riconoscimenti e piccole scoperte che ci legano indissolubilmente alle storie.

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Vi è mai capitato di giudicare un film dalla trama e scoprire poi che vi sbagliavate di grosso? Lasciate che vi racconti della volta in cui una sinossi trovata su internet ha quasi rischiato di farmi perdere un capolavoro. Al termine della lezione il nostro professore di storia e critica del cinema all’università ci annuncia: “Domani vedremo Notorious di Alfred Hitchcock.”
Curiosa, corro a leggere la trama. Spie, nazisti, complotti federali... qualcosa che, lo ammetto, sembra lontano dai miei gusti. Non sono convinta che sia un film capace di appassionarmi. Quanto mi sbagliavo!

Il giorno dopo, in aula, bastano i primi cinque minuti per farmi ricredere. Non ero più seduta su una sedia; ero dentro il film. Hitchcock non stava solo raccontando una storia: stava giocando con le mie emozioni, guidando il mio sguardo e le mie simpatie in direzioni che non avrei mai immaginato. Ingrid Bergman e Cary Grant erano perfetti, ma anche vulnerabili, e ogni inquadratura sembrava gridare che nulla era lasciato al caso.
È allora che ho capito una grande verità: alcune trame, descritte male o troppo in fretta, non rendono giustizia alla complessità di un capolavoro. E Notorious è proprio questo: un film che non si può ridurre a un semplice riassunto. È un’esperienza, un mosaico di tensione, eleganza ed emozioni contrastanti, che continua a sorprendere lo spettatore a ogni visione.

Come ogni film di Hitchcock, però, la sua realizzazione non è stata una passeggiata. I problemi di costi costrinsero il produttore Selznick a cedere il progetto alla RKO, e le sfide tecniche per creare esattamente le riprese volute dal regista richiesero un’attenzione maniacale. Ma oggi sono qui per accompagnarvi in questo viaggio unico nella storia del cinema, raccontandovi come Notorious è diventato il capolavoro che conosciamo. Mettetevi comodi: cominciamo.
Se vi viene voglia di rivederlo, in fondo all’articolo trovate anche dove è attualmente reperibile.

Il titolo originale è Notorious ed è un film del 1946 diretto da Alfred Hitchcock con protagonisti Ingrid Bergman e Cary Grant.

La trama in breve: Alicia Huberman, figlia di un criminale nazista, accetta una missione dell’FBI: infiltrarsi in un gruppo di tedeschi rifugiati in Sud America. Per guadagnarsi la loro fiducia, deve conquistare Alex Sebastian, il carismatico leader del gruppo, ignaro del doppio gioco di Alicia. Al centro di questa pericolosa operazione, però, non ci sono solo complotti e segreti, ma anche il suo legame con l’agente Devlin, che la mette di fronte a un conflitto tra amore e dovere.

Alcune scene dal film

Foto promozionali

Trailer originale: 

Siamo nel 1945. La Seconda Guerra Mondiale è appena finita, ma il mondo è ancora segnato dalle sue conseguenze. In America, la vittoria porta sollievo e speranza, ma c’è anche un desiderio diffuso di giustizia, persino attraverso la finzione: raccontare storie che facciano "pagare" ai nazisti per le atrocità commesse. Come dice Walt Disney, interpretato da Tom Hanks nel film Saving Mr. Banks: “È questo che facciamo noi narratori: ristabiliamo l’ordine con l’immaginazione. Infondiamo speranza, senza sosta, ancora e ancora.” Questo spirito guida molti cineasti, incluso David O. Selznick, l’uomo visionario che ha portato Via col vento dalle pagine di un romanzo al grande schermo trasformandolo in un successo mondiale.

Selznick è sempre alla ricerca di nuove storie in grado di affascinare il pubblico e lasciare un segno. Dopo il trionfo di Io ti salverò diretto da Alfred Hitchcock, Selznick individua un racconto pubblicato nel Saturday Evening Post del 1921, Song of the Dragon di John Taintor Foote. La trama originale parla di una giovane donna che, durante la guerra, accetta di sedurre una spia nemica per ottenere informazioni segrete. Ma Selznick sa che, con Hitchcock, questa storia può diventare qualcosa di molto più potente.
Il regista si rivolge al fidato sceneggiatore Ben Hecht, con cui aveva già collaborato in film come Io ti salverò e Nodo alla gola (di cui vi ho parlato qui). I due lavorano per settimane, eliminando gli elementi superflui.

La protagonista è presentata come una figura moralmente compromessa, quasi una prostituta alcolizzata. Hitchcock e Hecht smussano questi aspetti, trasformando la protagonista in Alicia Huberman, una donna più complessa, figlia di un criminale nazista, reclutata dall’FBI per infiltrarsi in un gruppo di tedeschi rifugiati in Sud America. Alicia (nel doppiaggio italiano sarà Elena) deve conquistare la fiducia di Alex Sebastian, il leader del gruppo, ma questa missione mette a dura prova la sua lealtà e il suo rapporto con Devlin, l’agente incaricato di accompagnarla.
Mentre la storia inizia a prendere forma, Hitchcock comincia a riflettere sul MacGuffin, un concetto che lui stesso descrive come "l’elemento narrativo che motiva i personaggi ma che è irrilevante per lo spettatore." Per Notorious, immagina inizialmente trame elaborate, come campi di addestramento segreti e complotti nazisti su larga scala, ma decide che questi elementi sono troppo ingombranti. Nel 1944, un anno prima che il mondo venisse a conoscenza della bomba atomica con Hiroshima, Hitchcock ha un’intuizione. Un amico scrittore gli parla di un progetto segreto in New Mexico, così riservato che chi entrava nei laboratori non ne usciva più. Nel frattempo, Hecht legge un articolo sull’uranio e lo collega a questi esperimenti, sospettando che possano essere legati allo sviluppo di una bomba atomica.
Per verificare l’idea, Hitchcock e Hecht si consultano con il Dr. Robert Millikan al California Institute of Technology (la celebre Caltech di The Big Bang Theory 😉). Millikan li avverte che parlare troppo della bomba atomica potrebbe farli arrestare e suggerisce che l’idrogeno, non l’uranio, sia l’elemento chiave per produrre energia. Nonostante le obiezioni, Hitchcock e Hecht mantengono l’idea dell’uranio, convinti che non stiano violando segreti governativi. Hitchcock afferma in seguito di essere stato sorvegliato dall’FBI proprio per via di questa intuizione e dell’incontro con Millikan.

L’idea, tuttavia, non convince Selznick. La trova inverosimile e, con il budget già messo a dura prova dal suo costoso progetto Duello al sole, decide di vendere l’intero pacchetto alla RKO per 800.000 dollari e il 50% dei profitti. Questa cessione include Hitchcock, il cast e la sceneggiatura, dando al regista la libertà creativa necessaria per plasmare il film secondo la sua visione.
Con maggiore controllo in quanto produttore esecutivo (insieme a William Dozier della RKO), Hitchcock può finalmente creare un’opera che va oltre lo spionaggio, esplorando il conflitto tra il dovere e l’amore. Alicia si trova divisa tra la lealtà verso il suo paese e il desiderio di riscatto personale, mentre Devlin, l’uomo che dovrebbe proteggerla, la spinge a sacrificarsi. Alex Sebastian, il nemico, non è un cattivo bidimensionale: è vulnerabile e innamorato, un personaggio reso straordinariamente umano.

Nel 1945, Ingrid Bergman è una delle attrici più acclamate di Hollywood, grazie a interpretazioni memorabili in film come Casablanca (1942), dove ha conquistato il pubblico con il ruolo di Ilsa Lund, e Angoscia, che le ha fatto vincere il suo primo Oscar come migliore attrice. Reduce dal successo di Io ti salverò, dove ha interpretato la dottoressa Costanza Peterson accanto a Gregory Peck, Bergman è ormai una presenza consolidata nel cinema internazionale e una delle muse predilette di Alfred Hitchcock.
Notorious segna la sua seconda collaborazione con il regista britannico, che la dirigerà ancora nel 1949 nel film Il peccato di Lady Considine, dove interpreterà Lady Henrietta. Questo sarà anche uno degli ultimi film prima della sua partenza per l’Italia e del discusso "esilio" hollywoodiano, seguito alla relazione con il regista italiano Roberto Rossellini. Una relazione che accenderà i riflettori sullo scandalo e verrà immortalata nel conflitto personale e artistico noto come “la guerra dei vulcani” (di cui vi ho parlato qui nel mio articolo).
Hitchcock vede in Bergman il prototipo della "bionda hitchcockiana", un ideale femminile che diventa centrale nella sua filmografia. Dopo Joan Fontaine, la protagonista di Rebecca, la prima moglie e Il sospetto, Bergman incarna questa figura in Notorious, aprendo la strada a interpreti come Grace Kelly, Kim Novak e Tippi Hedren, che segneranno alcuni dei momenti più iconici del cinema hitchcockiano.
Con Notorious, Ingrid Bergman si trova al centro di una trama che intreccia spionaggio, amore e sacrificio, regalando un’interpretazione che sottolinea la sua straordinaria capacità di trasmettere forza e vulnerabilità. A doppiarla nella versione italiana è stata la straordinaria Lydia Simoneschi (di cui vi ho parlato qui).

Cary Grant è talmente perfetto per la parte che sembra incredibile anche solo pensare che ci sia stato un momento in cui il ruolo di T.R. Devlin avrebbe potuto andare a qualcun altro. Eppure, è proprio così. Quando David O. Selznick vende il progetto alla RKO, spinge per sostituire Grant con Joseph Cotten, un attore sotto contratto con lui. Secondo Selznick, Cotten è più pratico: Grant non sarà disponibile per tre mesi, chiede compensi elevati e, a suo dire, è difficile da gestire. Ma Alfred Hitchcock non si lascia influenzare. Per il regista, Grant è l’unico in grado di incarnare la complessità e il fascino di Devlin, e con l’aiuto della RKO blocca ogni tentativo di sostituirlo.
Alla fine, Cary Grant ottiene il ruolo e dimostra quanto sia indispensabile per il film. Nel ruolo dell’agente FBI Devlin, Grant bilancia perfettamente la freddezza professionale e il conflitto emotivo di un uomo che nasconde i suoi sentimenti per Alicia. Con piccoli gesti e sguardi intensi, riesce a rendere credibile e coinvolgente il dilemma del personaggio, facendone il cuore emotivo della storia.
Curiosamente, è proprio Selznick a suggerire, quando il film rischia di prendere troppo la piega di una storia incentrata su Ingrid Bergman, di creare una scena che riporti l’attenzione su Grant. Così nasce l’iconico momento nella cantina, dove Devlin si trova a dover agire in fretta e con astuzia per nascondere le tracce della missione, aggiungendo tensione e restituendo centralità al suo personaggio.

Hitchcock non è solito lavorare con cast stellari, ma per un personaggio complesso come Alex Sebastian sa che serve un attore in grado di lasciare il segno e conquistare il pubblico. All’inizio pensa a Clifton Webb, ma le cose cambiano quando William Dozier e David O. Selznick iniziano a spingere per Claude Rains. Selznick, come era sua abitudine, invia uno dei suoi famosi promemoria pieni di istruzioni ai collaboratori, scrivendo: “Rains offre un’opportunità di aumentare enormemente gli incassi di Notorious. Non perdete un giorno a bloccare l’accordo con lui!” Il tono è diretto, quasi perentorio, e alla fine Hitchcock, pur riluttante, si lascia convincere. Quando Rains entra in scena, però, ogni dubbio svanisce: è chiaramente l’uomo giusto per il ruolo.
Rains, già noto per ruoli iconici come il senatore corrotto in Mr. Smith va a Washington (di cui vi ho parlato qui) e il Capitano Renault in Casablanca, porta la sua esperienza e versatilità nel personaggio di Alex Sebastian, trasformandolo in un antagonista unico. Non è un cattivo banale o stereotipato, ma un uomo vulnerabile, innamorato e umanamente fragile. Il suo amore per Alicia è autentico, e proprio questa sincerità lo rende ancora più tragico quando scopre di essere stato tradito. La sua fiducia lo condanna, ma non perde mai completamente la dignità, neppure di fronte alla disfatta. Con Claude Rains, Alex Sebastian diventa molto più di un semplice "cattivo". È un personaggio che aggiunge strati emotivi e morali a Notorious, rendendo il film ancora più ricco e sfaccettato.

Può forse mancare uno dei temi più cari a Hitchcock? Quello della madre autoritaria? Non sia mai. Per il ruolo di Madame Sebastian, Hitchcock punta subito in alto: la sua prima scelta è Ethel Barrymore, un’attrice di grande prestigio e carisma. Ma Barrymore rifiuta, scegliendo di interpretare un’altra madre glaciale e indimenticabile nel noir La scala a chiocciola. Hitchcock, però, non si lascia scoraggiare, e l’anno successivo riesce comunque a portarla a bordo ne Il caso Paradine.
Con la Barrymore fuori gioco, la RKO propone Mildred Natwick, un’attrice che Hitchcock ammira ma non ritiene adatta per il ruolo. Secondo lui, Madame Sebastian richiede una presenza più imponente, qualcuno che incuta timore e rispecchi pienamente il potere soffocante del personaggio. Decisione azzeccata, perché Natwick ci regalerà successivamente interpretazioni straordinarie, come la brillante Miss Ivy Gravely in La congiura degli innocenti di Hitchcock e la madre esilarante in A piedi nudi nel parco.
La svolta arriva grazie a Reinhold Schünzel, che nel film interpreta il dottor Anderson. È lui a suggerire Leopoldine Konstantin, una delle attrici più celebri della Germania pre-bellica. Konstantin, con una carriera costruita sui palcoscenici di Max Reinhardt e su ruoli intensi e drammatici, convince Hitchcock e Dozier. Nonostante abbia solo quattro anni più di Claude Rains, il regista gioca magistralmente con le percezioni, rendendo credibile questa dinamica madre-figlio. E il risultato è straordinario. Konstantin trasforma Madame Sebastian in una figura che domina ogni scena in cui appare. Glaciale, manipolatrice e inflessibile, è il cuore oscuro del film, il motore segreto delle scelte di Alex. Il rapporto tra madre e figlio, fatto di dipendenza e controllo, aggiunge uno strato di complessità emotiva che amplifica la tensione della storia.

Infine non possiamo dimenticare il contributo di Louis Calhern, che in Notorious interpreta il Capitano Paul Prescott, ufficiale del Servizio Segreto americano. Un ruolo minore, ma essenziale per la trama, affidato a un caratterista di straordinario talento, capace di portare credibilità e autorevolezza a ogni scena in cui appare.
Calhern è uno di quegli attori che non rubano mai la scena ma aggiungono profondità e solidità a ogni film in cui lavorano, contribuendo al successo di capolavori senza tempo. La sua carriera, ricca di ruoli memorabili e sfaccettati, è stata al centro del mio articolo Professione caratterista (che potete leggere qui).

 

 

Le riprese di Notorious iniziano il 22 ottobre 1945 e si concludono nel febbraio 1946. Hitchcock, famoso per il suo perfezionismo e la sua attenzione maniacale ai dettagli, supervisiona ogni aspetto della produzione, lasciandoci una serie di aneddoti che ancora oggi raccontano il suo genio.
Uno dei momenti più iconici del film, la scena in cui Ingrid Bergman guida ubriaca con Cary Grant come passeggero, viene girata interamente in studio con l’uso della retroproiezione. Hitchcock, sempre attento al realismo, suggerisce al direttore della fotografia Ted Tetzlaff di aggiungere una luce che simuli il riflesso dei fari di una motocicletta sulla nuca degli attori. L’idea, innovativa per l’epoca, non viene presa benissimo da Tetzlaff, che risponde stizzito: “Ci interessiamo della tecnica, eh papà?”. Ma Hitchcock non si lascia intimidire e, come sempre, il risultato è impeccabile.
Le sfide tecniche non finiscono qui. Claude Rains, più basso di Ingrid Bergman, viene spesso posizionato su scatole per i primi piani. Ma nelle scene in cui i due camminano insieme, Hitchcock utilizza un pavimento inclinato che cresce gradualmente verso la cinepresa, un trucco che riesce a mascherare la differenza di altezza tra gli attori senza sacrificare il dinamismo delle riprese.

Tra le tante meraviglie di Notorious, ci sono alcune scene che meritano di essere raccontate con attenzione. Ricordo che il mio professore di cinema ci aveva chiesto di soffermarci su di esse, per capire come Hitchcock usasse la macchina da presa e i dettagli per costruire tensione e narrazione attraverso la motivazione compositiva (quando ogni elemento presente nell’inquadratura è giustificato dalla sua funzionalità drammatica).
L’entrata in scena di Ingrid Bergman è un esempio perfetto di come Hitchcock sappia creare attesa. Il pubblico, come i giornalisti fuori dal tribunale, aspetta Alicia Huberman. Quando finalmente appare, la vediamo in primo piano, presentata con un’intensità che la rende subito il cuore pulsante della storia.
Diversa, ma altrettanto efficace, è l’introduzione di Cary Grant. Alla festa organizzata da Alicia, lo vediamo inizialmente di spalle, con la nuca perfettamente inquadrata. Lei lo guarda incuriosita, e noi con lei. Hitchcock utilizza un movimento di macchina elegante che ci rivela lentamente il suo volto, trasformando l’entrata in scena di Grant in un momento di fascino magnetico. È un’introduzione più “divistica” rispetto a quella della Bergman.

La scena del bacio è un capolavoro di tecnica e narrazione, un esempio perfetto dell'ingegno di Hitchcock nel superare i limiti imposti dalla censura dell'epoca, che vietava baci troppo lunghi. Hitchcock crea un piano sequenza continuo: Grant e Bergman si baciano, si muovono per la stanza, parlano al telefono, ma non si separano mai. Il risultato è un momento di straordinaria intimità e naturalezza, che amplifica la tensione emotiva tra i due personaggi.

Ingrid Bergman stessa, nella sua autobiografia My Story, racconta: "Un bacio poteva durare tre secondi. Ci baciavamo e parlavamo, ci allontanavamo e poi ci baciavamo di nuovo. Poi il telefono si frapponeva tra noi, e allora ci spostavamo dall’altro lato del telefono. Era un bacio che si apriva e si chiudeva; ma i censori non potevano, e non tagliarono la scena, perché in nessun momento ci siamo baciati per più di tre secondi consecutivi. Facevamo altre cose: ci mordicchiavamo le orecchie, ci baciavamo sulle guance, così che il bacio sembrava infinito ed è diventato sensazionale a Hollywood."

Indimenticabile è anche la scena della chiave della cantina. Alicia la nasconde nella mano (Hitchcock non è contento di averci già fatto soffrire con la scena in cui è riuscita a prenderla), mentre una gru, posizionata su di un’imponente impalcatura di legno, segue il suo movimento. La macchina da presa parte dall’alto, mostrando la festa in tutto il suo splendore, per poi scendere lentamente fino alla mano tremante di Bergman, che si apre per rivelare la chiave. Un gioco di montaggio alternato, con le bottiglie di champagne che si svuotano, scandisce lo scorrere del tempo e aumenta l’ansia per il rischio di essere scoperti.

Infine, c’è la tazza di caffè. Hitchcock vuole che siano a fuoco sia la tazza in primo piano che Alicia sullo sfondo. Per ottenere questo effetto, fa costruire una tazza fuori misura, creando un’immagine tanto semplice quanto inquietante, che amplifica la tensione senza bisogno di parole.

Foto sul set

Quando Alfred Hitchcock inizia a lavorare a Notorious, sa di avere bisogno di qualcuno che possa tradurre la complessità dei suoi personaggi anche attraverso i costumi. E così, nel 1946, si rivolge alla Paramount per ottenere in prestito Edith Head, una delle costumiste più apprezzate dell’epoca. È una scelta strategica: Head non è solo una maestra nello stile, ma ha un approccio che si sposa perfettamente con la filosofia del regista. Per entrambi, gli abiti non devono solo essere belli, ma devono servire a raccontare la storia e rivelare la psicologia dei personaggi.
Questa collaborazione segna la prima volta che Head e Hitchcock lavorano insieme, e subito si intuisce che è l’inizio di qualcosa di speciale. Head descrive il regista come un perfezionista: nei suoi copioni, Hitchcock specifica dettagliatamente ogni aspetto degli abiti, dai colori agli accessori, per assicurarsi che riflettano lo stato d’animo dei personaggi. Una volta stabilite queste linee guida, però, lascia a Head la libertà di creare capi che coniughino funzionalità e bellezza. Il risultato? Una collezione di costumi che incarnano tutto lo stile degli anni ’40, con un’eleganza che ancora oggi risulta moderna.
La sfida più grande di Head è tradurre la dualità di Alicia. Hitchcock vuole che il personaggio sia affascinante abbastanza da attrarre sia Devlin sia Sebastian, ma allo stesso tempo credibile come spia. “Gli abiti di Ingrid,” spiega Head, “dovevano essere semplici, ben disegnati e privi di orpelli inutili. La sua eleganza sta nella sobrietà.”

Il bianco e nero del film aggiunge un livello di sfida, ma anche di fascino. Head gioca con texture, fantasie e tagli per creare contrasti visivi che catturano la luce in modo drammatico.
Alicia fa la sua prima apparizione fuori dal tribunale, con un cappotto chiaro dalle linee pulite e accessori neri — cappello e borsa — che ne sottolineano l’eleganza algida e il distacco emotivo. Questo look comunica subito il controllo e l’aria enigmatica del personaggio. 

Poco dopo, però, la troviamo al cocktail party con un outfit radicalmente diverso: un top zebrato decorato con paillettes e pancia scoperta. Nel 1945, una scelta del genere era audace, simile a quella che Lana Turner indosserà nello stesso anno in Il postino suona sempre due volte. Questo look introduce Alicia come una “party girl”, disinvolta e seduttiva.

Un altro momento significativo è la scena al tavolino del bar con Devlin, dove Alicia indossa un cappotto chiuso da un fiocco centrale, con una microfantasia che aggiunge un tocco delicato e romantico al suo look. 

Durante la cena in camera con Devlin, invece, il suo abbigliamento cambia ancora: una blusa bianca morbida, stretta in vita da una cintura che la impreziosisce, suggerisce un lato più intimo e vulnerabile del personaggio.

La scena della passeggiata a cavallo segna un altro passaggio cruciale. Alicia indossa un completo androgino, con una giacca di taglio maschile, cravatta e pochette nel taschino. Questa scelta enfatizza il suo ruolo di infiltrata e sottolinea la serietà della missione che sta portando avanti.

La cena con Alex Sebastian è invece un momento di pura eleganza. Alicia indossa un abito nero decorato con paillettes nell’area dello scollo, che si riflettono nei suoi capelli raccolti, accentuando la sua figura e il suo fascino. 

Ancora più sontuoso è l’abito bianco, che sfoggia durante la visita alla casa di Alex, accompagnato da guanti lunghi, una pelliccia e una collana di diamanti. Questo look rappresenta Alicia come una figura irresistibile e sofisticata, perfetta per conquistare la fiducia del suo bersaglio.

La scena alle corse dei cavalli riporta Alicia al suo ruolo più formale di spia. Qui, il motivo geometrico del cappotto, il foulard e il cappello lavorano insieme per riflettere la complessità della trama e il suo stato mentale. 

Lo stesso vale per il look che indossa quando incontra gli agenti dei servizi segreti: un abito grigio che nasconde una camicia a righe con un fiocco e un cappello nero dal design particolare.

Quando Alicia si trasferisce nella casa di Alex, i suoi abiti diventano più sobri. Uno dei dettagli più significativi è lo scollo di un abito che sembra una fila di piccole perle, una scelta che, pur nella semplicità, aggiunge eleganza e unicità. 

La scena sulla panchina con Devlin la riporta alla sua personalità più libera: indossa un cappotto con spalle molto ampie e un motivo geometrico tipico degli anni ’40, che richiama uno stile audace e moderno per l’epoca.

Il grande protagonista del film è l’abito nero della festa, leggermente drappeggiato in vita e stretto da una catena che simboleggia la prigionia emotiva e fisica di Alicia. Lo scollo profondo, sia sul davanti che sulla schiena, comunica una duplice emozione: audacia e vulnerabilità. Gli orecchini chandelier, scintillanti e lunghi, incorniciano il suo viso con una luce magnetica, trasformandola nel centro di attenzione della scena.

Nelle ultime sequenze, Alicia appare sempre più debilitata dal veleno. Il cappotto nero con bottoni tono su tono e l’abito nero accollato, arricchito da un collier di diamanti, trasmettono un senso di vulnerabilità, ma anche di dignità.

Un dettaglio particolarmente curioso è l’uso delle scarpe basse con abiti da sera, scelto per non accentuare la differenza di altezza tra Bergman e Rains, ma che aggiunge anche un tocco di realismo al personaggio. 

Anche i costumi di Cary Grant in Notorious meritano un accenno: i completi impeccabili, spesso neri con camicia bianca, incarnano la sua eleganza intramontabile. All’inizio del film lo vediamo con abiti spezzati e fantasie sottili, che conferiscono un’aria più rilassata e accessibile, mentre nei momenti più drammatici il suo guardaroba si fa più rigoroso. I gemelli e la sua abitudine di infilare le mani in tasca diventano dettagli distintivi che rafforzano il fascino e il controllo del suo personaggio.

Roy Webb, parte della "scuderia" della RKO, compone per Notorious una partitura tanto discreta quanto raffinata, perfettamente in sintonia con l’atmosfera del film. La sua musica non segue mai percorsi scontati, riflettendo con sottigliezza le tensioni emotive e i conflitti interiori dei personaggi.
Ad esempio, il tema romantico di Alicia e Devlin non esplode nei momenti di passione, ma emerge in modo frammentato e inquieto. La loro storia d’amore è carica di desideri repressi, gelosie e esitazioni, e la musica li accompagna con discrezione. Anche in una scena che sembrerebbe ideale per una grande esplosione orchestrale — quando i due salgono su una collina con una vista spettacolare — il tema si affaccia appena, lasciando che siano lo sguardo e le emozioni non dette dei personaggi a dominare.
In altri momenti, Hitchcock e Webb decidono di non usare affatto musica. Nel celebre bacio di due minuti e mezzo, il silenzio amplifica l’intimità e la tensione emotiva, rendendo la scena ancora più potente. Al contrario, la musica si fa improvvisamente vivace e inaspettata quando Alicia chiede alla band di suonare ritmi brasiliani per coprire la sua incursione in cantina con Devlin. Tamburi e trombe prendono il posto delle consuete melodie di suspense, rompendo le aspettative del pubblico con un tocco brillante.
E non manca l’ironia. Quando Alicia entra nella villa dei Sebastian, piena di nazisti minacciosi, in sottofondo risuona Schumann. È un tocco hitchcockiano che mescola eleganza e inquietudine, suggerendo che persino i più pericolosi terroristi possano avere un certo gusto artistico

Come da tradizione, Alfred Hitchcock non manca di inserire il suo celebre cameo anche in Notorious. In un astuto gioco con il pubblico, in una delle prime scene esterne del film appare un uomo che ricorda per corporatura e postura il regista, lasciando molti a domandarsi se fosse quello il cameo. Ma il vero Hitchcock si rivela solo più tardi: a circa un’ora dall’inizio, durante la festa nella villa di Alexander Sebastian, lo vediamo prendere un bicchiere di champagne dal barista e poi girarsi rapidamente per uscire di scena. Un’apparizione breve, ma studiata per sorprendere.