Il titolo originale è "Marty" ed è un film del 1955 diretto da Delbert Mann con protagonisti Ernest Borgnine e Betsy Blair.
 

La trama in breve: Marty Piletti, trentacinque anni, italoamericano, lavora come macellaio e vive con la madre anziana. I suoi fratelli e sorelle si sono sposati da tempo e hanno lasciato il nido familiare. Uomo di corporatura robusta e di indole timida, Marty teme di non riuscire mai a trovare una donna disposta a sposarlo, una preoccupazione che lo rende oggetto delle continue pressioni da parte della madre. Tuttavia, un giorno Marty incontra una giovane donna con cui scopre di avere molte affinità, un incontro che trasforma la sua vita. Nonostante questo cambiamento positivo, sia la madre che gli amici lo rimpiangono per come era prima.

Alcune scene del film

Foto promozionali

Burt Lancaster decide di apparire nel trailer del film perché riteneva che avrebbe avuto difficoltà a promuovere il film a causa della sua mancanza di star.

Nel corso degli anni '50, la televisione si afferma come un medium rivoluzionario, offrendo drammi più intimi e realistici rispetto alle opere cinematografiche dell'epoca, spesso caratterizzate da una spettacolarizzazione estrema. Questa nuova forma di intrattenimento inizia a conquistare un posto stabile nelle case degli americani, influenzando profondamente la cultura popolare.

La storia origina da una piece televisiva di Paddy Chayefsky andata in onda nella serie antologica della NBC The Phlico Television Playhouse nel 1953. Noto per la sua capacità di catturare le sfumature della vita quotidiana americana, Paddy ha trova ispirazione per la storia di "Marty" durante le prove di un'altra sua opera al salone da ballo dell'Abbey Hotel a New York. Qui, un cartello che invita le ragazze a ballare con chi le ha invitate, sottolineando che "anche gli uomini hanno sentimenti", cattura la sua attenzione. Questo episodio ispira Chayefsky a concepire un dramma che esplori le sfide emotive e sociali delle persone i comuni. Chayefsky ha pensato alla storia come a un veicolo per il suo amico, l'attore/regista Martin Ritt, dando anche il nome al protagonista in suo onore. Tuttavia, a causa delle tensioni politiche dell'epoca, con Ritt inserito nella lista nera durante il maccartismo, il ruolo principale nella produzione televisiva va a Rod Steiger. Chayefsky aveva vissuto nell'area del Bronx dove è ambientato "Marty" e ha utilizzato la sua conoscenza del luogo durante la stesura della sceneggiatura. La regia viene affidata a Delbert Mann.

Ad acquistare i diritti cinematografici di "Marty" nel luglio del 1953 è la Hecht-Hill-Lancaster Questa casa di produzione è frutto della collaborazione tra Burt Lancaster, il produttore sceneggiatore James Hill e l’agente teatrale Harold Hecht, lo stesso che aveva scoperto Lancaster grazie ad un incontro fortuito in un ascensore nel 1945 e che scritturandolo per un ruolo a Broadway gli avrebbe dato l’opportunità che lo avrebbe lanciato come stella del cinema.
Dopo aver raggiunto il successo, Lancaster dimostra un eccellente acume imprenditoriale e decide di fondare una casa di produzione caratterizzata da uno spirito innovativo e anticonformista. Questa nuova impresa è incline a investire in progetti che si distaccano dai consueti veicoli cinematografici costruiti attorno alla sua figura.

 

La decisione di scommettere su "Marty" nasce dalla visione condivisa tra Hecht e Lancaster, che riconoscono il potenziale dell'opera fin dalla sua prima trasmissione televisiva. Hecht, in particolare, apprezza profondamente il valore della sceneggiatura di Chayefsky, convinto della qualità unica di "Marty" e del suo potenziale di coinvolgere il pubblico con una storia umana e realistica, e insiste per portare questo progetto sul grande schermo, nonostante le resistenze iniziali degli studi cinematografici.
La produzione di "Marty" segna quindi un punto di svolta significativo per la Hecht-Lancaster Productions, orientandola verso una strategia produttiva che valorizza il cinema indipendente a basso budget e progetti di profonda rilevanza umana e sociale. Chayefsky pone condizioni rivoluzionarie per la vendita dei diritti, esigendo controllo totale sulle revisioni del copione, piena consultazione sul casting e il diritto di nominare il regista originale della versione televisiva, Delbert Mann, per la regia del film. Queste richieste, tutte accettate, mostrano il forte impegno a mantenere l'integrità artistica del progetto.
Nel febbraio del 1954, viene firmato l'accordo per la distribuzione con United Artists e si può iniziare a pensare al cast. Nel pieno rispetto di questo genere, che assumerà il nome di Neorealismo all'Americana, Hecht e Lancaster decidono di distaccarsi dai soliti nomi riconoscibili di Hollywood e dal glamour tipico della grande schermata, assegnando i ruoli a volti relativamente sconosciuti. Questa scelta è guidata dalla convinzione che il film debba esprimere un'autenticità e una sincerità profonda, riflettendo le sfide e le gioie della vita quotidiana.

Rod Steiger, che aveva originariamente interpretato Marty nella produzione televisiva del 1953, si vede offrire il ruolo per il film. Tuttavia, rifiuta a causa di un contratto proposto dalla Hecht-Lancaster Productions che lo avrebbe legato per sette anni, una condizione troppo restrittiva per lui. Contemporaneamente, Hecht e Lancaster optano per non scegliere Steiger, credendo che il pubblico non sia disposto a pagare per vedere lo stesso attore già apparso gratuitamente in TV.

United Artists, interessata a rendere il film più commerciale, spinge per la scelta di Marlon Brando per il ruolo principale. Credendo che la sua notorietà avrebbe attirato un pubblico più ampio, lo studio vede in Brando una stella riconoscibile. Tuttavia, Hecht e Lancaster resistono a questa pressione, insistendo sulla scelta di un cast meno noto per preservare l'autenticità del progetto.
La ricerca del nuovo Marty porta il regista Delbert Mann a consultarsi con l'amico Robert Aldrich, che aveva diretto "Vera Cruz", un film della casa produttrice di Lancaster e interpretato dallo stesso Lancaster. Aldrich suggerisce Ernest Borgnine, con cui ha lavorato in Vera Cruz,  vedendo le sue potenzialità nonostante fino a quel momento sia stato relegato a ruoli di caratteristi antagonisti, come il sadico sergente Judson in "Da qui all'eternità". La sua stazza, i lineamenti massicci, il naso schiacciato e i denti separati lo rendevano il villain per cui nessuno avrebbe simpatizzato.
Figlio di immigrati italiani, Ernest Borgnine dopo aver prestato servizio nella Marina inizia la carriera d’attore frequentando Randall School of Drama di Hartford Connecticut. Nel 1949 debutta a Broadway con la commedia Harvey (di cui vi ho parlato qui) interpretando l’infermiere del manicomio, e nello stesso periodo inizia a lavorare anche in televisione.
Borgnine si reca al provino con indosso il costume western e la barba lunga, funzionali al film che sta girando con Spencer Tracy Giorno maledetto. Dopo aver terminato la lettura della parte, Borgnine scopre di aver commosso regista e sceneggiatore fino alle lacrime. Lui stesso dirà È stata la sensazione più meravigliosa della mia vita, pensare di aver realizzato qualcosa che potesse commuovere le persone in questo modo.
Ora che Marty è stato scelto, bisogna trovare la sua Clara, un personaggio che rappresenta la classica "Plain Jane", ovvero una figura percepita come ordinaria o poco appariscente. Inizialmente, i produttori considerano Nancy Marchand, che aveva interpretato il personaggio nella produzione televisiva. Tuttavia, proprio come per Rod Steiger, anche Marchand viene scartata perché si desidera introdurre nuovi volti per la versione cinematografica, con l'intento di attirare il pubblico presentando interpreti inediti e diversi da quelli già apparsi in TV.
In questo contesto interviene Gene Kelly, marito di Betsy Blair, la cui carriera era stata gravemente compromessa dalla blacklist di Hollywood. Tutte le sue offerte cinematografiche si erano esaurite agli inizi degli anni '50 a causa delle accuse di simpatie comuniste. Determinato a supportare sua moglie, Kelly esercita una forte pressione per farle ottenere il ruolo di Clara. Durante quel periodo, Kelly sta lavorando al film della MGM È sempre bel tempo e minaccia di interrompere le riprese se non viene consentito a sua moglie di lavorare nonostante la blacklist. Per assicurare la partecipazione di Blair, Kelly si rivolge a Dore Schary, chiedendogli di intervenire presso la commissione di Washington.
Betsy Blair aveva iniziato la sua carriera nell'intrattenimento all'età di otto anni, lavorando inizialmente come ballerina amatoriale. Nel 1940, incontra Gene Kelly mentre lavora nel coro del Billy Rose's Diamond Horseshoe, dove Kelly era impiegato come coreografo. La loro collaborazione professionale si trasforma presto in una relazione personale, culminando nel matrimonio nell'ottobre 1941. Blair era apparsa in film come in Doppia vita e La fossa dei serpenti. Nonostante il successo di Marty, la sua carriera non riuscirà a riscattarsi.
 

Mentre la scelta dei due protagonisti ha comportato un cambiamento significativo rispetto alla produzione televisiva, per altri personaggi di "Marty" si è deciso di mantenere la continuità con la versione originale trasmessa nel 1953. Questa decisione ha contribuito a preservare l'autenticità e la coerenza del film, sfruttando le già acclamate interpretazioni degli attori coinvolti.
Esther Minciotti riprende il suo ruolo di Mrs. Piletti, la madre premurosa e talvolta soffocante di Marty. La sua performance nella versione televisiva aveva già catturato l'attenzione di pubblico e critica, rendendola la scelta naturale per portare lo stesso calore e profondità emotiva al personaggio anche sul grande schermo.
Accanto a lei, Augusta Ciolli ritorna nei panni di Zia Catherine, un altro personaggio chiave che aggiunge un ulteriore strato di familiarità e realismo alla narrazione. La sua abilità nel rendere vivi i dettagli quotidiani della vita familiare italiana-americana è stata un elemento fondamentale sia nella produzione televisiva che in quella cinematografica.
Joe Mantell, che aveva interpretato Angie, il migliore amico di Marty, nella versione televisiva, viene anch'esso confermato per il film. La sua chimica con Borgnine e la capacità di catturare la complessità delle dinamiche di amicizia maschile hanno reso la sua performance estremamente popolare e hanno convinto i produttori a mantenerlo nel ruolo.

La lavorazione di "Marty, vita di un timido" è iniziata nell'ottobre del 1954, con le riprese che si sono svolte principalmente nel Bronx, un'area ricca di location autentiche che hanno contribuito all'atmosfera realistica del film. Tra i luoghi iconici utilizzati ci sono il Grand Concourse e l'IRT Third Avenue El, elementi distintivi del paesaggio urbano di questa zona di New York. Una scena memorabile dietro i titoli di testa è stata girata su Arthur Avenue, di fronte all'Arthur Avenue Retail Market, luogo simbolico per la comunità italo-americana del Bronx.

Dopo aver completato le riprese esterne, la produzione si è spostata a West Hollywood nei Samuel Goldwyn Studios situati su Santa Monica Blvd. Qui, a dicembre, sono stati girati gli interni del film. Questo cambiamento di location ha permesso alla produzione di controllare meglio l'ambiente e di lavorare con maggiore flessibilità rispetto alle variabili esterne.
Una curiosità interessante riguarda la scelta dei nomi dei luoghi nel film: il nome reale del Waverly Ballroom è stato cambiato in Stardust Ballroom nella sceneggiatura, un dettaglio che aggiunge un tocco di magia e unicità al contesto della storia.
Il processo di ripresa del film è stato notevolmente efficiente, concludendosi in soli 18 giorni.

Una chicca: lo sceneggiatore Paddy Chayefsky ha recitato in un cameo nel film. Con una solida esperienza come attore teatrale alle spalle, Chayefsky ha interpretato il personaggio di Leo, che appare brevemente sul retro dell'auto. Nella scena, gli amici di Marty lo sollecitano a unirsi a loro per "fare numero" con una ragazza che hanno incontrato. Secondo il regista Delbert Mann, la scelta di Chayefsky per questo ruolo marginalmente visibile è stata dettata principalmente dalla volontà di risparmiare tempo e denaro che sarebbero stati impiegati per ingaggiare un comparsa. Curiosamente, per recitare queste tre battute, Chayefsky ha dovuto rinnovare la sua iscrizione al sindacato degli attori, versando $140, mentre il compenso per il ruolo ammontava a soli $67, risultando così in una perdita netta per lui.
La produzione di "Marty" inizia con un budget modesto di soli 343.000 dollari. Harold Hecht e Burt Lancaster, investendo una cifra limitata, hanno attuato una strategia finanziaria che avrebbe garantito vantaggi fiscali, indipendentemente dal successo del film. Il progetto era originariamente concepito come una "tax write-off" grazie a una legge fiscale in vigore in quel periodo, permettendo ai produttori di includere il costo del film come una spesa che riduce il loro reddito imponibile, abbassando così le tasse sui loro altri guadagni anche in caso di insuccesso commerciale.
Contrariamente alle aspettative, "Marty" si rivela un successo sia di critica che di pubblico.
La United Artis è intenzionata a relegare il film a una distribuzione secondaria, ma Paddy Chayefsky insiste affinchè abbia una prima uscita di tutto rispetto. ed è così che l’11 aprile il film debutta al Sutton Theatre di New York, una sala tipicamente riservata a film d'autore.
Il capo della pubblicità di New York di Hecht-Lancaster, Bernie Kamber, conduce una campagna personale per il film, organizzando proiezioni private e convincendo i principali organi di stampa a presentarlo positivamente. Uno dei maggiori sostenitori di "Marty" è stato il famoso giornalista Walter Winchell, che ha promosso il film ampiamente nella sua colonna e il cui impegno ha generato una crescente attenzione mediatica che ha contribuito al successo del film.
Il film viene accolto positivamente dai primi spettatori e cattura la benevolenza della critica. Ernest Borgnine, interpretando il ruolo del macellaio Marty Piletti, riceve elogi significativi, inclusa la rivista "Time" che lo nomina l'Amleto dei macellai".

Il punto di svolta arriva quando "Marty" diventa la prima opera americana a vincere il prestigioso premio Palma d'Oro all'8ª edizione del Festival di Cannes, che si è tenuta dal 26 aprile al 10 maggio 1955 (qui Betsy Blair con Gene Kelly a Cannes).

Grace Kelly annuncia il Miglior attore e, dopo la proclamazione, un entusiasta Ernest Borgnine bacia la moglie e consegna a Jerry Lewis un calzino rosso contenente 1 dollaro e 41 centesimi, tutto in monetine, come pegno di una scommessa persa. Borgnine, commosso, afferma: “A costo di sembrare ripetitivo, voglio ringraziare mia madre per avermi spinto a questo, mio padre per la sua risolutezza e la mia adorabile moglie per avermi aiutato.”

Audrey Hepburn è incaricata di annunciare il vincitore nella categoria Miglior film. "Marty" compete contro "L'amore è una cosa meravigliosa", "La nave matta di Mister Roberts", "Picnic" e "La rosa tatuata". Prima di rivelare il vincitore, Audrey tributa un riconoscimento a Lewis per la conduzione della serata con un bacio sulla guancia. Infine annuncia che il vincitore è "Marty", e Harold Hecht sale sul palco per ritirare il premio. Nel suo discorso, Hecht afferma: "È una fortuna vivere in un paese dove qualsiasi uomo, non importa quanto umili siano le sue origini, può diventare Presidente, e fare parte di un’industria dove ogni film, non importa quanto basso sia il suo budget, può vincere un Oscar."

 

Nel dietro le quinte vengono scattate queste foto splendide a Audrey Hepburn e Grace Kelly.

Marty otterrà altri riconoscimenti tra il 1955 e il 1956, tra cui il Golden Globe e il BAFTA per il Miglior attore a Ernest Borgnine. Il film ha anche vinto premi per il Miglior film al National Board of Review e al New York Film Critics Circle, mentre Delbert Mann ha ricevuto il Bodil Award per il Miglior film e il Directors Guild of America Award per la Migliore regia. Paddy Chayefsky ha ottenuto il Writers Guild of America Award per la Migliore sceneggiatura.

 

Vi ringrazio per sostenermi sempre!

 

Per molto tempo, nella mia famiglia, i giorni dopo Natale significavano andare al cinema. Si arrivava prima, perché i posti non erano assegnati, si cercava quello migliore, si faceva la fila per i popcorn mentre la sala cominciava lentamente a riempirsi. Le poltroncine erano pieghevoli e, appena ci si alzava, si richiudevano di scatto come a darti una piccola spinta. Era un rito semplice, sempre uguale, e proprio per questo rassicurante.

In famiglia ho sempre sgomitato per essere quella che sceglieva i film. Prima al cinema, poi, quando ci si è spostati nel salotto di mia nonna, arrivando ogni Natale con una pila di DVD già selezionati. Ripensandoci oggi, non sorprende che poi abbia aperto un blog in cui parlo di cinema. Ho sempre avuto la sensazione di riconoscere quale storia potesse fare bene alle persone, a volte ancora prima che lo sapessero loro.

Così ho pensato che il mio blog, per tenervi compagnia durante le feste, potesse diventare una sorta di sala cinematografica virtuale. Un posto dove trovare una selezione di bei titoli, pronti da vedere, scelti con cura. Qui sotto trovate i film e, per alcuni, anche il rimando ad articoli che ho già dedicato a quei titoli, con curiosità, retroscena e dietro le quinte, per chi ha voglia di restare ancora un po’ dentro la storia.

Certo, io i popcorn non posso farveli arrivare attraverso lo schermo.
Però posso fare una cosa che mi è sempre piaciuta molto, stilare una lista, un’altra mia grande passione, e proporvela. Metto subito le mani avanti, non sono commedie da sbellicarsi, in certi punti un po’ si soffre. Ma non temete, è quel tipo di sofferenza che attraversi sapendo che ne vale la pena, perché porta da qualche parte.

Magari alcuni di questi titoli non li avete mai visti. Altri, invece, li conoscete già e aspettavano solo il momento giusto per tornare. Da soli o con qualcuno accanto, con pop-corn oppure un bel tè caldo, non importa. 

Questa rassegna aspira ad essere un po' come una piccola medicina. Non solo per i giorni di festa, ma per tutte quelle volte in cui il caos fuori si fa sentire troppo, e viene naturale il desiderio di chiuderlo fuori, anche solo per un po’. Per la durata di un film.

E se tornerete qui in un altro momento dell’anno, spero che questi titoli possano fare lo stesso lavoro. Essere un rifugio breve, ma sincero. Perché certe storie, quando servono, sanno ancora fare bene al cuore. 

1) La vita è meravigliosa

 

Titolo originale: It’s a Wconderful Life
Anno: 1946
Regia: Frank Capra
Con: James Stewart, Donna Reed

George Bailey è un uomo che ha passato la vita a rinunciare a qualcosa per gli altri, famiglia, amici, la sua città, e a un certo punto arriva la domanda più pericolosa di tutte, ha davvero contato qualcosa, oppure avrebbe fatto meglio a non esserci mai stato. Il film vi porta fin lì con estrema onestà, quindi sì, a metà strada stringe la gola, perché quella stanchezza è riconoscibile.

Poi accade la cosa che lo rende unico. Capra prende la paura di essere “invisibili” e la rovescia, vi fa vedere la vita come la vedono gli altri, i segni lasciati senza accorgersene, le conseguenze di un gesto buono, anche quando sembra piccolo. È un film che alla fine vi rimette in ordine il cuore, e vi fa venire voglia di chiamare qualcuno, o almeno di guardarlo con occhi diversi.

Dove vederlo: Qui, e ci trovi anche il mio approfondimento.

2) Al tuo ritorno

Titolo originale: I’ll Be Seeing You
Anno: 1944
Regia: William Dieterle
Con: Ginger Rogers, Joseph Cotten, Shirley Temple

Questo è uno di quei film che sembrano gentili, e invece sono precisissimi nel punto in cui vanno a toccare. Lei porta addosso il peso di una condanna da scontare in carcere, lui torna dalla guerra con un dolore che non sa ancora nominare. Si incontrano quasi per caso e, per qualche giorno, si crea una parentesi in cui respirare, come se la vita concedesse una tregua, senza promettere miracoli.

Si soffre, sì, perché qui si parla di colpa, vergogna, paura, solitudine, e di quella sensazione di non essere “a posto” per il mondo. Ma è una sofferenza che ha una direzione molto chiara, ti porta verso l’idea che anche chi si sente rotto può ancora essere visto, capito, trattato con delicatezza. E quando finisce resta addosso una calma calda, come se qualcuno avesse abbassato il volume del rumore. 

Dove vederlo: Qui

3) Marty, vita di un timido

 

Titolo originale: Marty
Anno: 1955
Regia: Delbert Mann
Con: Ernest Borgnine, Betsy Blair 

Marty è un uomo normale, con una vita normale, e proprio per questo fa più male del previsto. Ha una famiglia che gli vuole bene, un lavoro che lo tiene in piedi, amici con cui scherza, poi arriva quella domanda che spesso si tiene sotto il tappeto, e se restassi così per sempre. Se nessuno mi scegliesse davvero. Il film la dice senza alzare la voce, e tu ti ritrovi ad ascoltarla come se fosse la tua.

La cosa bella è che non gioca a fare il romantico “da manuale”. Ti porta dentro l’imbarazzo, la timidezza, le frasi dette male, i tentativi che sembrano goffi, e poi ti fa vedere come un incontro può cambiare la temperatura di un’intera vita, senza miracoli e senza effetti speciali. Quando finisce, ti rimane addosso una fiducia quieta, quella che nasce quando qualcuno ti guarda e ti prende sul serio.

Dove vederlo: Qui, e ci trovi anche il mio approfondimento.

4) Angeli con la pistola

 

Titolo originale: Pocketful of Miracles
Anno: 1961
Regia: Frank Capra
Con: Glenn Ford, Bette Davis, Peter Falk, Thomas Mitchell

Qui Capra fa una cosa che gli riesce benissimo, prende una persona che il mondo tratta come invisibile e la mette al centro della scena. Apple Annie vive ai margini, poi la vita le chiede una recita enorme, per amore della figlia, e attorno a lei si crea una piccola alleanza improvvisata, fatta di gente non proprio irreprensibile, ma capace di generosità vera.

Fa sorridere spesso, e allo stesso tempo ti stringe il cuore, perché parla di dignità, di vergogna, di come ci si inventa un ruolo per essere amati. È uno di quei film in cui la tenerezza non è zucchero, è un lavoro collettivo, un gesto dopo l’altro, fino a quando capisci che, anche in una città dura, qualcuno si ferma e ti aiuta.

Dove vederlo: Qui, e ci trovi anche il mio approfondimento. 

5) L’amore è una cosa meravigliosa

 

Titolo originale: Love Is a Many-Splendored Thing
Anno: 1955
Regia: Henry King
Con: Jennifer Jones, William Holden

Qui il cuore viene preso in un modo molto netto, perché l’amore nasce in un luogo e in un momento in cui tutto sembra dire “non si può”. Lei è una donna abituata a pagare un prezzo per la propria identità, lui è un uomo che arriva con l’aria di chi può permettersi di restare leggero, poi si accorge che leggero non lo è più. La storia funziona perché non si accontenta dell’idillio, mette in scena il mondo intorno, gli sguardi, le regole non scritte, la crudeltà elegante delle convenzioni.

Si soffre, certo, perché è un film che parla di ostacoli reali, non di equivoci. Però è proprio quel tipo di sofferenza che ha un senso, ti fa capire quanto coraggio serva per scegliere l’amore quando non è comodo, quando non è approvato, quando costa. E Jennifer Jones, qui, riesce a essere vulnerabile e fiera nello stesso istante, ed è difficile restare indifferenti.

Dove vederlo: Qui

6) Arriva John Doe

 

Titolo originale: Meet John Doe
Anno: 1941
Regia: Frank Capra
Con: Gary Cooper, Barbara Stanwyck

Qui Capra prende una bugia messa su per convenienza, un “caso umano” inventato a tavolino, e la trasforma in qualcosa che sfugge di mano, perché le persone, quando sono stanche e sole, hanno fame di senso, e di qualcuno che dica ad alta voce quello che loro non riescono a dire. È un film che parte quasi come un gioco, poi diventa serio, e a un certo punto fa male, perché parla di manipolazione, di fiducia tradita, di quanto sia facile usare i sentimenti collettivi come leva.

Si soffre, sì, perché qui la speranza viene messa alla prova. Però il film non si compiace del cinismo. Ti porta fino al punto in cui ti chiedi se valga ancora la pena credere negli altri, e poi, con una naturalezza disarmante, ti fa vedere che la decenza può essere contagiosa quanto la paura. E quando arriva in fondo, ti resta addosso una specie di forza quieta, quella che ti fa venire voglia di essere migliore, ma senza prediche.

Dove vederlo: Qui, e ci trovi anche il mio approfondimento.

7) Un grande amore

Titolo originale: Love Affair
Anno: 1939
Regia: Leo McCarey
Con: Irene Dunne, Charles Boyer

Questo è uno di quei film che ti prendono con una leggerezza elegante, e poi, piano piano, ti portano molto più lontano. Due persone si incontrano, si capiscono in fretta, e si dicono una cosa che sembra semplice, rivediamoci, scegliamoci sul serio. Dentro c’è la parte più bella delle storie d’amore classiche, l’idea che l’amore non sia solo scintilla, sia anche decisione, responsabilità, tempo.

Si soffre, perché a un certo punto entra in scena la vita, con i suoi inciampi e con quel tipo di silenzio che non è cattiveria, è paura, è pudore, è dignità. Ma proprio lì il film diventa prezioso, perché ti fa sentire quanto può essere profonda una promessa, e quanto può essere delicato il modo in cui ci si avvicina a qualcuno senza ferirlo.  

Dove vederlo: Qui 

8) Le campane di Santa Maria

Titolo originale: The Bells of St. Mary’s
Anno: 1945
Regia: Leo McCarey
Con: Bing Crosby, Ingrid Bergman

Questo è uno di quei film che ti fanno compagnia senza fare rumore. Un prete e una suora guidano una scuola con pochissimi mezzi e con un’enorme quantità di problemi pratici, e nel mezzo si muovono bambini, insegnanti, famiglie, piccole crisi quotidiane che sembrano minime, finché non ti accorgi che sono la vita vera. Qui il calore non arriva da una grande svolta, arriva dal modo in cui le persone si parlano, si osservano, si sostengono.

Si soffre in modo diverso, perché non c’è una tragedia singola, c’è un senso di precarietà continuo, la paura di perdere un posto che per tanti è casa. E c’è anche quella malinconia sottile che nasce quando vuoi fare il bene e non riesci a farlo nel modo in cui vorresti. Ma alla fine resta un’idea semplice, potentissima, la comunità esiste davvero solo quando qualcuno si prende la responsabilità di tenere insieme gli altri.

Dove vederlo: Qui

9) Da quando te ne andasti

Titolo originale: Since You Went Away
Anno: 1944
Regia: John Cromwell
Con: Claudette Colbert, Jennifer Jones

Questo è il film che chiude la rassegna perché è un grande contenitore emotivo, lungo, generoso, capace di mettere dentro la guerra senza mostrarla in battaglia, ma facendola sentire nelle case, nei giorni che si allungano, nella posta che non arriva, nei silenzi a tavola. Segue una madre e due figlie durante l’assenza dell’uomo di casa, e ti fa capire quanto coraggio serva per restare “normali” quando la normalità non esiste più.

Si soffre, qui, e anche tanto, perché l’attesa logora, perché ognuno porta un peso diverso, perché la vita continua e non chiede permesso. Ma è proprio per questo che il film scalda, perché non lascia soli i suoi personaggi, e non lascia solo nemmeno chi guarda. Quando finisce, ti resta addosso la sensazione che si possa resistere, che si possa amare, che si possa andare avanti, insieme, anche quando sembra impossibile.

Dove vederlo: Qui 

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Ci sono film che sembrano destinati a restare in ombra, nascosti tra i titoli più celebrati del loro tempo. Merletto di mezzanotte è uno di questi: un thriller raffinato, avvolto in un’eleganza sofisticata, con un cast stellare e una tensione costante che richiama il miglior Hitchcock. Eppure, non gode della stessa fama di altri film del genere, nonostante abbia tutte le carte in regola per conquistare gli appassionati di suspense psicologica.

La prima volta che ho visto questo film, ho subito pensato che potesse essere uscito dalla mente del maestro del brivido: la protagonista perseguitata da una minaccia invisibile, l’atmosfera inquietante di una Londra grigia e avvolta nella nebbia, il crescendo di paranoia e incertezza. Ma c’è un elemento che lo distingue dai classici hitchcockiani: il tocco di Ross Hunter, produttore noto per il suo stile sontuoso e per il suo modo di trasformare anche il terrore in un’esperienza visivamente impeccabile.
A rendere il tutto ancora più affascinante è il cast. Doris Day è la perfetta protagonista, capace di trasmettere un’angoscia autentica, lontana dall’immagine solare che l’aveva resa celebre nelle commedie romantiche. Rex Harrison porta il suo inconfondibile mix di charme e ambiguità, mentre Myrna Loy, icona di Hollywood, aggiunge al film una presenza elegante e rassicurante. John Gavin, lanciato dalla Universal come il nuovo Rock Hudson, completa il quadro con il suo fascino discreto.

Ma Merletto di mezzanotte non è solo un thriller avvincente: è anche il film che ha segnato profondamente Doris Day, tanto da convincerla a non interpretare mai più ruoli così drammatici. Sul set, la sua immedesimazione nel personaggio è stata così intensa che ha rievocato traumi reali della sua vita, portandola a un autentico crollo emotivo. Un dettaglio che rende la sua performance ancora più potente.

Ho scovato questo film su una piattaforma gratuita, un’occasione perfetta per guardarlo comodamente quando volete. Ho fatto in modo di scrivere questo approfondimento senza darvi spoiler che vi rovinino il finale. Trovate il link in fondo all'articolo.

Il titolo originale è Midnight lace ed è un film del 1960 diretto da David Miller con Doris Day e Rex Harrison. 

La trama in breve: Kit Preston è un'americana sposata con l'inglese Tony. A Londra la donna si trova sola in mezzo alla nebbia e sente una voce che la minaccia di morte. Il giorno dopo Kit viene pedinata e, la sera stessa, un uomo cerca di entrare in casa dalla finestra della sua camera ma fugge dopo averla sentita urlare. A confortarla ci sono il marito, la zia Bea, la vicina di casa Peggy e Brian Younger, un ingegnere che dirige i lavori di ristrutturazione nel suo palazzo. Quando inizia a ricevere delle telefonate minacciose si rivolge all'ispettore Byrnes di Scotland Yard il quale però confida al marito di avere il sospetto che la donna stia inventando tutto.

Alcune scene del film

Foto promozionali del film

Trailer originale: 

All’inizio degli anni ‘60, Hollywood sta cambiando. Il pubblico inizia a cercare storie più mature e psicologicamente complesse, mentre il codice di censura perde forza, permettendo ai film di esplorare nuove sfumature della tensione e della paura. Il 1960 segna una svolta per il thriller: Alfred Hitchcock ha scioccato il mondo con Psyco, ridefinendo il genere con una costruzione della suspense completamente nuova. La paura non è più solo nei gesti o nelle azioni, ma si insinua lentamente nella mente dello spettatore, giocando con le sue aspettative.
Ma non tutti seguono la sua strada. 

C'è un filone, meno crudo ma altrettanto efficace, che punta su atmosfere più sofisticate e su un’eleganza visiva impeccabile. Ross Hunter, produttore noto per i suoi melodrammi raffinati (Magnifica ossessione, Secondo amore, Lo specchio della vita), vuole esplorare il thriller senza rinunciare al suo stile lussuoso. Per farlo, sceglie David Miller, un regista che ha già dimostrato di saper raccontare la paura con So che mi ucciderai (uno dei miei preferiti con Joan Crawford), una storia incentrata sulla persecuzione psicologica di una donna.

Il risultato è un film che unisce tensione e raffinatezza, adattandosi ai nuovi gusti del pubblico: un thriller che non si basa solo sulla paura esplicita, ma sulla costruzione lenta e inesorabile dell’angoscia.
Per parlare delle origini di questo film, dobbiamo fare un passo indietro, al 1958. In quel periodo, una nuova opera teatrale intitolata "Matilda Shouted Fire", scritta da Janet Green, sta girando le province britanniche. Il titolo, che tradotto significa Matilda gridava al fuoco, ricorda un po’ la storia di Pierino e il lupo, suggerendo una trama in cui la credibilità della protagonista viene messa in discussione.
La trama ruota intorno a una donna della classe media britannica che inizia a ricevere telefonate anonime minacciose. Terrorizzata, cerca aiuto, ma nessuno sembra crederle, nemmeno il marito, un meccanico, che assume un atteggiamento sempre più ambiguo (nel film, i protagonisti diventano un’ereditiera americana e un banchiere d’investimento londinese).
Prima ancora che lo spettacolo arrivi a Londra, la Universal ne acquista i diritti, annunciando che diventerà un film.
A occuparsi della sceneggiatura vengono chiamati Ben Roberts e Ivan Goff, autori già esperti nel genere. Poco prima, i due hanno scritto un’altra opera teatrale, Ritratto in nero, che verrà riadattata per il cinema con Lana Turner e Anthony Quinn, sempre sotto la produzione di Ross Hunter. La loro capacità di costruire suspense attraverso dinamiche familiari e giochi di potere li rende la scelta ideale per questo nuovo progetto.

A questo punto, entra in gioco Marty Melcher, marito e manager della futura protagonista. È il terzo marito di Doris Day, nonché il suo agente e produttore. Dopo il grande successo di Il letto racconta... (1959), che ha consolidato la sua immagine pubblica, Melcher vuole trovare un progetto che mostri una nuova sfumatura del suo talento. Quando legge la sceneggiatura, vede subito il potenziale e decide non solo di proporre il film alla moglie, ma anche di co-finanziarlo attraverso la sua compagnia, Arwin Productions, in collaborazione con la Universal.
Il progetto prende forma rapidamente, ma prima dell’inizio delle riprese subisce un cambiamento significativo: nel febbraio 1960, il titolo originale "Matilda Shouted Fire" viene sostituito con Merletto di mezzanotte (rimando al nome del vestito della protagonista), più evocativo e in linea con l’atmosfera raffinata che la produzione vuole trasmettere.
Ora il film ha un nome e un’identità ben definita. Con una sceneggiatura che mescola suspense e tensione psicologica, un produttore che punta su una messa in scena elegante e una protagonista che si prepara ad affrontare un ruolo completamente nuovo, il progetto è pronto per entrare nella fase di sviluppo.

Come vi dicevo, se questo film è arrivato a Doris Day, è perché Marty Melcher, suo marito e agente, le ha sottoposto la sceneggiatura, convinto che potesse essere un’ottima opportunità per mostrare un nuovo lato del suo talento. Dopo il successo delle sue commedie romantiche, il pubblico l’ha associata sempre più a ruoli brillanti e sofisticati, ma questa storia offriva qualcosa di diverso: un thriller psicologico in cui la protagonista vive un crescendo di paura e tensione. 

Doris Day, fino a quel momento, ha costruito una carriera solida e variegata, dimostrando un talento che va ben oltre l’immagine della ragazza solare e spensierata. Ha iniziato negli anni ‘40 come cantante jazz e swing, prima di essere scoperta dalla Warner Bros., che le ha offerto il suo primo ruolo cinematografico in Amore sotto coperta (1948). Da lì, il successo è stato immediato: ha brillato nei musical e nelle commedie romantiche, diventando una delle attrici più amate del decennio.
Con film come Non sparare, baciami! (1953) e Amami o lasciami (1955), ha dimostrato una versatilità notevole, alternando leggerezza e profondità emotiva. Ma la vera svolta è arrivata con L’uomo che sapeva troppo (1956) di Alfred Hitchcock, dove ha interpretato un ruolo drammatico di grande intensità. La scena in cui canta Que Sera, Sera, disperata per il destino del figlio, non è solo un momento musicale, ma un vero e proprio elemento narrativo che amplifica la suspense del film.
Subito dopo ha girato Salva la tua vita, un thriller in cui interpreta una donna perseguitata dal marito violento, interpretato da Louis Jourdan. Se in L’uomo che sapeva troppo ha affrontato il dramma attraverso il filtro della suspense hitchcockiana, in questo film la tensione è più viscerale e personale. Il personaggio di Doris vive una paura costante, cerca di sfuggire a un marito ossessivo che la manipola e la minaccia, un’esperienza che per l’attrice è risultata fin troppo familiare.
Nella sua autobiografia racconta che, quando interpreta un personaggio, lo costruisce dall’interno, analizzandone ogni sfumatura fino a farlo diventare parte di sé. Ma in Salva la tua vita il confine tra realtà e finzione è diventato troppo sottile. Per portare sullo schermo il terrore autentico della protagonista, si è ritrovata a rievocare momenti dolorosi della sua vita: quando, giovane e incinta, era sposata con Al Jorden, un uomo violento che l’ha maltrattata anche nei momenti di maggiore vulnerabilità.
Dopo quell’esperienza, ha deciso di non affrontare più ruoli così intensi. Si è concentrata sulla commedia romantica, un genere in cui ha ottenuto un enorme successo, culminato con Il letto racconta... (1959). Il film, che ha segnato il suo primo incontro con Rock Hudson, le ha fatto ottenere una candidatura all’Oscar come miglior attrice e l’ha consacrata come icona della commedia sofisticata.
Quando, poco dopo, Marty Melcher le sottopone la sceneggiatura di questo nuovo progetto, la sua prima reazione è stata di esitazione. Non ha più affrontato ruoli così drammatici, e l’idea di immergersi nuovamente in una storia di tensione e paura la preoccupava. Alla fine accetta, convinta che questa sfida potrebbe portarla in una direzione nuova.
Quello che non poteva sapere è che questo film avrebbe lasciato un segno profondo, più di quanto potesse immaginare.

Anche se inizialmente il nome di Rock Hudson viene menzionato come possibile coprotagonista di Doris Day, Marty Melcher ha in mente un’altra idea. Il suo obiettivo è Laurence Olivier, e programma di incontrarlo non appena farà ritorno a Hollywood, previsto per il 23 dicembre 1959, dopo aver terminato il suo lavoro in Spartacus, dove interpreta Marco Licinio Crasso.
Nel frattempo, il produttore Ross Hunter è a New York e assiste a "The Fighting Cock", una pièce teatrale di Jean Anouilh che ha debuttato l’8 dicembre 1959. Lo spettacolo lo colpisce a tal punto che decide di selezionare ben tre attori da quella produzione: Natasha Parry, Roddy McDowall e, soprattutto, Rex Harrison. Mentre lo osserva sul palco, capisce che ha trovato l’interprete perfetto per il marito della protagonista.
Nella sua autobiografia A Damned Serious Business: My Life in Comedy, Rex Harrison racconta di essere “capitato per caso” in questo film e di aver dato per scontato che, vista la presenza di Doris Day, il suo ruolo sarebbe stato più vicino al tono brillante di altre sue interpretazioni. Solo in seguito si rende conto che si tratta di un thriller psicologico e che il personaggio che deve interpretare è molto più cupo e ambiguo di quanto immaginasse, un po’ alla Charles Boyer in Angoscia del 1944.
Ma dietro la sua solita eleganza e il suo humor tagliente, Harrison sta attraversando uno dei momenti più difficili della sua vita. Il 6 settembre 1959, ha perso la moglie Kay Kendall, morta a soli 32 anni per una leucemia. Per proteggere Kay dalla verità sulla sua malattia, Harrison le è rimasto accanto fino alla fine, mantenendo il segreto sulla gravità delle sue condizioni. Dopo la sua scomparsa, decide di buttare tutto se stesso nel lavoro, tornando a recitare a teatro appena 3 mesi dopo.

Per il ruolo della zia Bea, Ross Hunter ha un desiderio preciso: vuole Myrna Loy. La sua carriera inizia nel cinema muto, ma è negli anni ‘30 che diventa una delle attrici più amate di Hollywood, grazie alla sua innata eleganza e alla sua versatilità. Il pubblico la conosce soprattutto per la serie di film di L’uomo ombra, in cui, accanto a William Powell, ha definito il modello perfetto della coppia brillante e sofisticata. La sua capacità di alternare commedia e dramma la rende una presenza unica sullo schermo, trasformandola in una delle star più longeve e rispettate dell’epoca d’oro di Hollywood.
Quando Hunter le propone di tornare sul set per interpretare la zia della protagonista, Loy accetta. Per lei, questo film rappresenta un ritorno al cinema dopo alcuni anni di pausa, e l’occasione di lavorare con un cast d’eccezione. Ma non è solo la sua esperienza a renderla perfetta per il ruolo: sul set, Myrna Loy si dimostra una presenza rassicurante, un punto di riferimento per tutti, inclusa Doris Day, che sta affrontando un ruolo emotivamente impegnativo.
Ma per lei, accettare il ruolo significa anche confrontarsi con un cambiamento inevitabile: Hollywood sta evolvendo, e la generazione delle grandi star dell’epoca d’oro sta lasciando spazio a nuovi volti. Lei stessa lo ammette: "È difficile quando inizi a scendere di livello. Combatti così duramente per arrivare in cima e poi ti rendi conto che è il momento di cedere con grazia". Eppure, nonostante tutto, la sua presenza in questo film dimostra che il carisma e il talento non hanno età.

Quando la Universal inizia a costruire il cast, c’è un attore su cui lo studio punta molto: John Gavin. Alto, affascinante, con lineamenti scolpiti e un portamento elegante, Gavin incarna l’ideale del leading man hollywoodiano degli anni ‘50 e ‘60. Ma dietro la sua presenza scenica impeccabile, c’è anche un attore che lo studio sta cercando di imporre come il nuovo volto maschile di punta.
Gavin arriva al cinema quasi per caso. Laureato in Relazioni Internazionali alla Stanford University, ha un background completamente diverso rispetto a molti suoi colleghi. Dopo il servizio militare nella Marina, dove presta servizio durante la Guerra di Corea, viene notato dalla Universal, che lo inserisce nel suo programma di formazione per giovani attori. Il suo aspetto elegante e la sua somiglianza con Rock Hudson spingono subito lo studio a investire su di lui.
Negli anni successivi, Gavin ottiene ruoli sempre più importanti, lavorando accanto alle più grandi star del momento. Con Tempo di vivere e Lo specchio della vita consolida la sua immagine di eroe romantico, affascinante e carismatico.
Ma è il 1960 l’anno della svolta. In pochi mesi, compare in due grandi produzioni: interpreta Giulio Cesare in Spartacus di Stanley Kubrick, accanto a Laurence Olivier e Kirk Douglas, e soprattutto diventa il Sam Loomis di Psyco, il fidanzato della protagonista che si ritrova invischiato nel mistero del Bates Motel.
Con un curriculum così, la Universal non ha dubbi: deve essere nel cast di questo film. La produzione lo sceglie per il ruolo di Brian Younger, un giovane imprenditore che lavora nei cantieri edili. È un ruolo che rientra perfettamente nel tipo di personaggi per cui viene scelto: l’uomo dall’aspetto rassicurante, solido, una presenza maschile stabile in un mondo di tensione e sospetti.
Mentre la Universal continua a promuoverlo come il nuovo Rock Hudson, la sua carriera prenderà direzioni inaspettate e lo porterà a diventare Ambasciatore degli Stati Uniti per il Messico sotto l’amministrazione Reagan.

Oltre ai protagonisti, il film vanta un cast di attori di grande esperienza, molti dei quali già noti al pubblico per ruoli in grandi produzioni hollywoodiane.
John Williams interpreta l’ispettore Byrnes, l’uomo di Scotland Yard che segue il caso della protagonista. Volto familiare nei film di Hitchcock, è già stato un ispettore in Delitto perfetto e un investigatore dell’assicurazione in Caccia al ladro. La sua presenza dona autorevolezza al personaggio e rafforza l’atmosfera di mistero.
Roddy McDowall veste i panni di Malcolm Stanley, il figlio della domestica dei Preston, un giovane dal comportamento ambiguo. Il pubblico lo ha conosciuto da bambino in Torna a casa, Lassie!, ma crescendo ha continuato a lavorare con successo, fino a diventare uno dei protagonisti di Cleopatra (Ottaviano) e della saga de Il pianeta delle scimmie.
Herbert Marshall interpreta Charles Manning, un socio d’affari del marito della protagonista. Con una carriera che attraversa decenni di cinema hollywoodiano, ha lavorato con registi del calibro di Ernst Lubitsch in Mancia competente e Alfred Hitchcock in Omicidio.

Natasha Parry è Peggy Thompson, l’affascinante vicina di casa della protagonista, che si mostra gentile e disponibile, ma il cui ruolo nella vicenda rimane avvolto nell’incertezza. Attrice teatrale affermata, è nota anche per essere la moglie del regista Peter Brook.
Hermione Baddeley interpreta Dora Hammer, la cameriera del pub, pettegola e curiosa. Attrice brillante, è reduce dalla candidatura all’Oscar per La strada dei quartieri alti e negli anni successivi sarà la cameriera Ellen in Mary Poppins e apparirà nei musical Voglio essere amata in un letto d’ottone e Il più felice dei miliardari.
Infine una chicca: se pensate di aver già visto l’attore che interpreta Roy, il marito di Peggy vi confermo che è così, si tratta di Anthony Dawson, che ha vestito i panni di Charles Swann il killer in Delitto perfetto. E c’è una scena proprio in cui è insieme John Williams (queste sono le cose che mi mandano in brodo di giuggiole).

Le riprese iniziano il 23 marzo 1960 e si concludono il 16 maggio, seguendo un programma serrato che si svolge quasi interamente agli Universal Studios. Sebbene il film sia ambientato a Londra, la città viene ricreata nel backlot dello studio, con scenografie dettagliate che riproducono vie e edifici inglesi. Per aumentare il realismo, vengono girate alcune riprese di seconda unità nella capitale britannica, utilizzando controfigure di Doris Day e Rex Harrison per le scene in cui i personaggi salgono e scendono dalle auto o si muovono in strada. Le riprese in primo piano con gli attori principali vengono poi realizzate in studio, con l’uso di process shots per simulare gli sfondi londinesi.

L’atmosfera sul set alterna momenti di grande professionalità a momenti di forte tensione, in particolare per Doris Day. Il film richiede alla protagonista uno sforzo emotivo notevole, e il suo approccio alla recitazione, che la porta a vivere intensamente i ruoli, la mette a dura prova. Durante la lavorazione di una delle scene più intense, quella sulla scala, in cui il suo personaggio è in preda al panico, la tensione è così reale che, una volta terminata la ripresa, sviene sul set. Il regista David Miller interrompe immediatamente la produzione, mentre Marty Melcher e Ross Hunter accorrono per soccorrerla. Le riprese vengono sospese per alcuni giorni, fino a quando Doris non si sente pronta a tornare davanti alla macchina da presa.
In questo clima carico di emotività, Myrna Loy si dimostra una presenza rassicurante per tutti. La sua esperienza e la sua compostezza contribuiscono a mantenere un equilibrio sul set, come quando si offre di girare le sue scene prima di quando fossero previste, per non bloccare la produzione durante i giorni di riposo di Doris. Inoltre il suo rapporto con Doris Day si rivela particolarmente prezioso, oltre a quello dell'amico Rock Hudson che è venuto a trovarla sul set.

Diverso è l’atteggiamento di Rex Harrison, che mantiene sempre una certa distanza. La sua professionalità è impeccabile, ma il dolore per la perdita della moglie Kay Kendall, avvenuta solo pochi mesi prima, lo accompagna ancora. Il cast e la troupe percepiscono la sua freddezza, che però finisce per arricchire la sua interpretazione, donando al personaggio un’aura di ambiguità e controllo calcolato.
La produzione, nonostante queste difficoltà, procede senza grandi intoppi tecnici. Ross Hunter, noto per la sua attenzione ai dettagli visivi, si assicura che tutto rispecchi la sua estetica sofisticata: dagli arredi raffinati ai costumi curati, ogni elemento contribuisce a creare l’atmosfera elegante e al tempo stesso inquietante del film. Anche l’uso delle luci e delle ombre è studiato con precisione, per amplificare la paranoia crescente della protagonista e creare un senso di claustrofobia, nonostante la storia si svolga in ambienti spaziosi e lussuosi.
Dopo sei settimane di lavorazione, il film è completato. Ma per Doris Day, l’effetto di questo ruolo non si esaurisce con l’ultimo ciak: l’intensità emotiva vissuta durante le riprese la segna profondamente, al punto da spingerla a evitare in futuro ruoli così carichi di tensione.

Costumi

Quando arriva il momento di scegliere la costumista per Merletto di mezzanotte, Doris Day non ha dubbi: vuole Irene (Lentz). Il suo ritorno a Hollywood segna un evento importante, perché sono ormai dieci anni che si è ritirata dal cinema per dedicarsi alla sua boutique di moda. Ma la sua storia con Hollywood è iniziata molto prima, ed è legata a un’altra attrice del film: Myrna Loy.
Negli anni ‘30, Irene ha lavorato come designer per alcune delle boutique più esclusive di Los Angeles, per poi passare ai grandi magazzini Bullocks Wilshire (dove, curiosamente, ha lavorato anche una giovanissima Angela Lansbury). È stata proprio Myrna Loy la prima a notare il suo talento e a commissionarle abiti su misura. Impressionata dalla sua eleganza e dalla sua attenzione ai dettagli, Loy l’ha segnalata alla MGM, dove Irene ha preso il posto di Adrian, diventando la principale costumista dello studio negli anni ‘40. In quel periodo ha conosciuto Elliott Gibbons, fratello di Cedric Gibbons, celebre scenografo della MGM, e lo ha sposato, consolidando il suo legame con l’industria cinematografica.
Dagli anni ‘30 agli anni ‘50, Irene è diventata una delle costumiste più richieste, vestendo dive del calibro di Marlene Dietrich, Lana Turner e Ginger Rogers. Poi, nel 1950, ha lasciato Hollywood per concentrarsi sulla moda. È stata Doris Day a riportarla nel mondo del cinema, insistendo affinché fosse lei a occuparsi dei costumi del film.
A differenza di molti costumisti della sua epoca, Irene non si è ispirata alla moda francese, ma ha sempre puntato su un’eleganza americana moderna e sofisticata. I suoi abiti sono raffinati senza risultare eccessivi, studiati per valorizzare chi li indossa. La sua attenzione ai dettagli è quasi maniacale: bottoni, perline, ogni elemento è stato scelto con cura per ottenere un effetto perfetto.

Il guardaroba creato per Doris Day in Merletto di mezzanotte riflette perfettamente questa filosofia e si integra con la visione estetica di Ross Hunter, produttore noto per la sua ossessione per l’eleganza. I tessuti sono di alta qualità, tra cui chiffon, seta e lana pregiata, che donano ai capi leggerezza e movimento. I colori seguono l’evoluzione psicologica del personaggio: all’inizio del film e nelle scene in casa dove si sente più al sicuro la protagonista indossa toni chiari e delicati – crema, azzurro polvere, rosa cipria – che enfatizzano il suo status sociale e il suo stile impeccabile. 

 

Man mano che la tensione cresce, il guardaroba diventa più strutturato, con tessuti più rigidi e colori più scuri, come il rosso, il grigio e il nero, che simboleggiano il senso di oppressione e paura. quello più iconico è ovviamente quello che da il titolo al film, un top di merletto su un completo nero con pantalone.

"Irene non creava un look tipicamente francese, ma uno stile americano raffinato. La sua scelta dei tessuti, l’attenzione ai dettagli, i bottoni, le perline, l’uso dello chiffon... che abito straordinario aveva creato!" (Dall’autobiografia di Doris Day)
Uno degli abiti più memorabili è il cappotto bianco di lana, un capo di straordinaria eleganza che Doris Day ama così tanto da indossarlo anche agli Oscar del 1960, quando viene candidata come miglior attrice per Il letto racconta....

Irene si è occupata anche dei costumi degli altri personaggi, mantenendo una coerenza stilistica che enfatizza le differenze tra loro. Myrna Loy ha un look sofisticato e sobrio, spesso con rimandi al verde (colore della speranza e quindi che sia un personaggio che aiuterà la protagonista), che riflette la sua maturità ed esperienza, mentre il personaggio di Natasha Parry ha uno stile più moderno e seducente, creando un contrasto visivo con Kit.

Oltre a essere una collaboratrice fidata, Irene è diventata anche una confidente per Doris Day, che ne parla nella sua autobiografia. La costumista, generalmente riservata, si è aperta con l’attrice raccontandole della sua vita personale, rivelando dettagli intimi sul suo amore per Gary Cooper.
"Una sera, dopo aver bevuto parecchio, Irene mi confidò che l’amore della sua vita era Gary Cooper. Parlava di lui con una tale intensità che il suo volto si illuminava. Disse che era l’unico uomo che avesse mai veramente amato. A ripensarci ora, non posso dire con certezza se l’amore di Irene fosse unilaterale o se lei e Cooper avessero effettivamente avuto una relazione. Ma il modo in cui lo amava suscitò in me una certa gelosia, perché io non avevo mai amato un uomo con quell’intensità."
Irene continua a parlarne più volte con Doris, lasciandole l’impressione che non si sia mai aperta con nessun altro su quel sentimento. Ma il dolore per la morte di Cooper, avvenuta nel 1961, la devasta.
Doris Day ha raccontato nella sua autobiografia che l’ultimo film su cui hanno lavorato insieme è stato Non mandarmi fiori. Irene le aveva appena mostrato i bozzetti completati per i costumi. Stava bevendo più del solito. Il 15 novembre del 1962 la Day era in studio, lestavano sistemando i capelli, quando la radio trasmise la notizia che Irene si era gettata dalla finestra del Coast Hotel di Hollywood, lasciando un biglietto con scritto "Mi dispiace, ma questo è il modo migliore". 

Queste invece le parole di Doris Day: "Non posso dire con certezza quanto Cooper fosse effettivamente presente nella sua vita mentre era in vita, ma il modo in cui lo amava mi fece capire perfettamente perché lo avesse seguito."

Non posso non menzionare i gioielli di questo film. Si tratta di creazioni di David Webb (tranquilli vi parlerò anche di lui con un articolo dedicato, ma nel frattempo vi ricordo quello che ho scritto sugli altri gioiellieri di Hollywood Paul Flato e Fulco di Verdura, lo trovate nella sezione luoghi e volti). Dal doppio filo di perle, alla spilla a forma di gondola, alla collana di diamanti indossata a teatro dalla zia Bea, i gioielli contribuiscono a conferire eleganza all’atmosfera del film. 

Colonna sonora

Il 13 ottobre 1960, Merletto di mezzanotte viene presentato in anteprima allo Screen Directors Guild Theater di New York, in un evento che richiama molte personalità di Hollywood. Come sempre nelle produzioni di Ross Hunter, l’eleganza è al centro della serata: il film viene lanciato con uno stile impeccabile, con grande attenzione alla sua estetica sofisticata.
Tra i presenti spicca Doris Day, radiosa nel suo abito da sera, accompagnata dal marito Marty Melcher. Accanto a loro c’è John Gavin, che arriva insieme alla moglie Cicely Evans. L’assenza più evidente è quella di Rex Harrison, che sceglie di non partecipare all’evento. L’attore, ancora provato dalla perdita della moglie, mantiene un profilo basso anche durante la promozione del film.

Dal punto di vista commerciale, il film parte con buone aspettative. Con un budget stimato di 2 milioni di dollari, si posiziona come una produzione di fascia alta per la Universal, che punta sulla popolarità dei suoi protagonisti. Al botteghino, l’accoglienza è positiva: il film incassa circa 6 milioni di dollari, un risultato solido che conferma la forte attrattiva di Doris Day sul pubblico.
La critica, invece, si divide. Doris Day riceve recensioni entusiastiche per la sua interpretazione: la sua capacità di trasmettere paura e vulnerabilità sorprende molti giornalisti, che lodano il suo allontanamento dai ruoli più leggeri. Anche Rex Harrison viene apprezzato per il suo ruolo ambiguo, in cui mescola fascino e inquietudine con la solita maestria.
Tuttavia, non tutti sono convinti. Alcuni recensori trovano la trama eccessivamente costruita, con troppi falsi indizi che rischiano di indebolire la tensione invece di accrescerla. Anche la regia di David Miller viene giudicata solida ma priva di quel tocco di genialità che avrebbe potuto trasformare il film in un vero classico del thriller psicologico. E inevitabilmente arriva il paragone con Alfred Hitchcock, da cui Merletto di mezzanotte sembra trarre ispirazione, senza però raggiungere la stessa intensità narrativa.
Nonostante le recensioni contrastanti, il film trova il suo pubblico. Il fascino del cast, l’atmosfera raffinata e l’impatto emotivo della protagonista contribuiscono a renderlo un successo. E per Doris Day, è una conferma: anche in un genere così lontano dai ruoli che l’hanno resa celebre, il pubblico è pronto a seguirla.

Anche se Merletto di mezzanotte non ha conquistato nomination agli Oscar nelle categorie principali, il film ha ottenuto riconoscimenti che ne hanno valorizzato due degli aspetti più apprezzati: la straordinaria performance di Doris Day e il lussuoso guardaroba firmato Irene.

Per la sua intensa interpretazione, Doris Day ha ricevuto una candidatura ai Golden Globe come Miglior Attrice in un film drammatico, un segnale importante per un’attrice che, fino a quel momento, era stata associata quasi esclusivamente alla commedia romantica. Anche la maestria sartoriale di Irene non è passata inosservata: i suoi costumi, che aggiungono un ulteriore livello di eleganza e raffinatezza alla pellicola, le sono valsi una nomination all’Oscar per i Migliori Costumi a Colori.
Ma la Universal non si è limitata a lasciare che il film parlasse da solo. Consapevole del suo enorme potenziale visivo, ha trasformato la moda di Merletto di mezzanotte in un vero e proprio evento promozionale. È stata realizzata una speciale featurette, High Style Elegance, in cui Doris Day sfila con gli splendidi abiti creati da Irene, trasformandosi in una sorta di icona di stile per il pubblico femminile dell’epoca. Parallelamente, sono state pubblicate una serie di campagne pubblicitarie su riviste di moda, con l’obiettivo di spingere le spettatrici a desiderare quegli stessi capi. L’idea era semplice, ma geniale: accendere un desiderio di lusso accessibile, convincendo le donne a riversarsi nei grandi magazzini per acquistare la linea di abbigliamento Irene, Inc. ispirata al film.

Nel 1981 è stato realizzato un film per la TV con protagonista Mary Crosby (figlia di Bing, nonchè Kristin la perfida sorella di Sue Ellen in Dallas) e Celeste Holm. 

Se Merletto di mezzanotte non ha lasciato un segno indelebile nella storia del thriller, lo ha sicuramente fatto nel mondo della moda. E in un’epoca in cui il cinema influenzava profondamente il costume, la Universal ha saputo giocare le sue carte con astuzia.
Alcuni film restano nell’ombra, dimenticati tra titoli più celebri, ma quando li si riscopre si ha la sensazione di aver trovato un piccolo tesoro. Merletto di mezzanotte è uno di quei film: elegante, teso, con una protagonista che ha dato più di quanto avrebbe mai immaginato. Doris Day non ha mai più affrontato un ruolo così drammatico, e forse proprio questo rende la sua interpretazione ancora più speciale.
Sono davvero felice di avergli dedicato questo spazio. Raccontarlo, scavare nei suoi dettagli e nelle sue storie dietro le quinte, mi ha fatto apprezzare ancora di più quanto fosse unico. Spero che dopo questa lettura venga voglia anche a voi di (ri)scoprirlo. Perché certi film, pur senza diventare leggende, meritano comunque di essere ricordati.

IL FILM DA VEDERE COMODAMENTE:

Basta cliccare sul link, vi si aprirà una specie di youtube russo, non occorre conoscere la lingua, basta premere il play sul riquadro e il film partirà subito. Potete vederlo qui

 

QUOTES:

Tony: Stai a sentire. Quando c'è la nebbia a Londra, un bel nebbione denso, i burloni invadono le strade più solitarie. Vedrai i giornali di domattina. Dozzine di vecchiette racconteranno di aver lottato contro invisibili fantasmi e scommetto che la statua di Nelson verrà trovata con una bombetta in testa.

 

Kit: Ciao tesoro. Beh, che ne dici?

Tony: Meglio evitare un collasso cardiaco a quei vecchioni.

Kit: Si chiama merletto di mezzanotte. Ti piace?

Tony: Certo caldo non ti terrà. Ma temo per la mia temperatura

Kit: Se non sale abbastanza domattina lo restituirò.

Tony: Sento già salire la febbre. 

 

Bea: La solita giungla della finanza. Gli uomini lavorano e le donne piangono. 

Brian: So esattamente quello che ha provato, è capitato anche a me. 

Kit: Bloccato in ascensore?

Brian:Carro armato. Portello bloccato da una granata.   Strana cosa la mente umana. Credo di aver dimenticaot l'episodio e poi tutt' un tratto risento l'esplosione, l'odore del fumo. Mi tremano le mani e mi ritrovo in un carro armato nel deserto. A volte quando mi riprendo sono passate ore. Una volta un giorno intero. E non ricordo quello che è avvenuto nel frattempo.

Kit: È terribile. Come perdere una parte della propria vita. 

Brian: Oh, c'è anche di peggio. I miei compagni l'hanno persa davvero. Ma mi è rimasta una certa repulsione per i i luoghi chiusi. Ascensori, cabine, cose del genere. 

Kit: Lo immagino. È per questo che lavora all'aperto?

Brian:Prima della guerra volevo fare l'architetto. Ma ciò significava un ufficio. E io invece arrivo a dormire all'aperto quando posso. Nei campeggi o dove capita. 

Kit: Si ma bisogna vedere cosa dice sua moglie.

Brian:Io non sono ancora sposato. Dovrò trovare una che ci si adatti. 

Kit: In America avrebbe solo l'imbarazzo della scelta. 

Brian:Ah davvero? Allora sposerò un'americana.

 

Bea: "Il lago dei cigni" mi mette sempre tanta sete.

Charles: Deve essere per via di quei colli lunghi.

Bea: Questa battuta ti costerà un Martini

 

Tony: Ispettore? Per curiosità può dirmi come mai è venuto qui stasera?

Ispettore: Mi ha telefonato lei. Signor Preston. 

Tony: Io?

 

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