1) Il giullare del re

CAST: Danny Kaye, Glynis Johns, Basil Rathbone, Angela Lansbury.

ANNO: 1956.

REGISTA: Melvin Frank, Norman Panama

TRAMA: Nel Trecento in Inghilterra, un buffone, il più sprovveduto dei ribelli, sconfigge quasi senza volerlo l'usurpatore di un re tirannico, camuffandosi da giullare del re per infiltrarsi nel castello e portare a termine una missione di giustizia​.

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2) La leggenda di Robin Hood 

CAST: Errol Flynn, Olivia de Havilland, Basil Rathbone, Claude Rains

ANNO: 1938

REGISTA: Michael Curtiz, William Keighley

TRAMA: Al ritorno dalla Terza Crociata, Re Riccardo viene catturato. Suo fratello, il Principe Giovanni, usurpa il trono, opprimendo i Sassoni con tasse elevate. Sir Robin di Locksley, un nobile sassone, si ribella diventando Robin Hood, un fuorilegge che combatte l'ingiustizia, salvando Much dal boia e sfuggendo a un'esecuzione. Rifugiatosi nella Foresta di Sherwood, forma una banda con cui dichiara guerra a Giovanni.

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3) I tre moschettieri 

 

CAST: Gene Kelly, Lana Turner, June Allyson, Van Heflin. 

ANNO: 1948. 

REGISTA: George Sidney. 

TRAMA: D'Artagnan e i suoi compagni moschettieri sventano i piani del Primo Ministro, il feroce Cardinale Richelieu, per usurpare il potere del sovrano.

4)  "Il segno di Zorro"

CAST: Tyrone Power, Linda Darnell, Basil Rathbone, Gale Sondergaard

ANNO: 1940

REGISTA: Rouben Mamoulian

TRAMA: Nel film, Don Diego Vega, il figlio di un aristocratico spagnolo, ritorna dalla sua educazione in Spagna alla California, dove scopre che la terra è governata da un tiranno crudele. Per combattere l'ingiustizia e proteggere gli oppressi, Diego assume l'identità segreta di Zorro, un giustiziere mascherato che sfida il potere con audacia e maestria nella scherma. 

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5) Scaramouche

CAST: Stewart Granger, Eleanor Parker, Janet Leigh, Mel Ferrer

ANNO: 1952

REGISTA: George Sidney

TRAMA: In Francia, alla vigilia della Rivoluzione, André Moreau, per sfuggire al nemico De Maynes, si nasconde in un teatro dove incontra una compagnia di comici e assume l'identità di Scaramouche. Entra nella compagnia di comici Binet e riprende la sua relazione con Léonore, nascondendosi dietro la maschera di Scaramouche. Si immerge nel mondo del teatro di giorno, mentre di notte si allena diventando un eccezionale spadaccino per poter sfidare De Maynes.

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Proseguiamo il nostro viaggio alla scoperta delle colonne sonore che hanno segnato il cinema classico americano, esplorando alcuni pezzi della mia collezione personale di vinili. Ogni disco è una finestra aperta su mondi lontani e tempi passati, un invito a immergersi nelle melodie che hanno accompagnato eroi ed eroine nelle loro avventure indimenticabili. Nella prima parte (che potete recuperare qui) vi ho dato un po' di consigli su come muoversi per acquistare con serenità vinili di seconda mano, e vi ho parlato dei film non musicali, ma oggi è finalmente giunto il momento di addentrarci nel fantastico mondo dei Musical.

Vi porterò con me in un percorso tra le note che hanno fatto la storia, condividendo aneddoti e curiosità su quei brani che, ancora oggi, riescono a evocare un'emozione pura e potente, delineando i ritratti dei grandi compositori che hanno realizzato queste colonne sonore così epiche.

Unitevi a me in questo viaggio sentimentale, dove la nostalgia per il cinema d'epoca si intreccia all'amore per la musica, per riscoprire insieme quelle composizioni immortali che continuano a far battere il cuore degli appassionati di tutto il mondo. 

(di questo film ve ne ho parlato qui) 

Richard Rodgers e Oscar Hammerstein II hanno segnato un'epoca d'oro nel panorama del teatro musicale, creando alcune delle opere più amate e intramontabili. La loro alleanza artistica, nata dopo che entrambi avevano già raggiunto il successo individualmente - Rodgers con Lorenz Hart e Hammerstein con nomi come Jerome Kern e George Gershwin - ha rivoluzionato il genere con il debutto di "Oklahoma!" nel 1943. Questo musical non solo ha ottenuto un successo strepitoso ma ha anche ridefinito il teatro musicale, integrando musica, testi e danza in un tessuto narrativo coeso e avvincente. Rodgers, nato a NY nel 1902 e cresciuto in un'agiata famiglia di origine ebraica, inizia gli studi di pianoforte a sei anni. Da ragazzo, grazie al fratello, conosce l'autore di testi Lorenz Hart, con il quale avvia una lunga e prolifica collaborazione artistica. Oscar Hammerstein II, nato a New York nel 1895, nipote di un impresario teatrale e figlio di un produttore vaudeville, nonostante venga tenuto lontano dal teatro e fatto iscrivere alla facoltà di legge della Columbia, la sua passione lo spinge ad abbandonare gli studi per seguire la sua vocazione verso il teatro. Nel 1943 si ritrovano a lavorare insieme al musical Oklahoma, che diventerà un successo senza precedenti. Il processo creativo di Rodgers e Hammerstein rompeva con la convenzione: anziché comporre prima la musica, come era solito fare Rodgers con Hart, la collaborazione tra Rodgers e Hammerstein vedeva Hammerstein dedicarsi inizialmente ai testi, che poi servivano da ispirazione per la musica di Rodgers, risultando in canzoni che erano intimamente intrecciate con la narrazione e lo sviluppo dei personaggi. Un approccio che non solo ha dato vita a musical indimenticabili ma ha anche elevato il musical da semplice intrattenimento a forma d'arte complessa e profonda. Nel 1965 il regista Robert Wise porta sul grande schermo lo spettacolo teatrale di Rodgers e Hammerstein “The sound of music” (in italiano Tutti insieme appassionatamente) con Julie Andrews e Christopher Plummer, trasposizione del romanzo autobiografico di Maria Augusta Von Trapp "La famiglia Trapp".
Il film, soprattutto grazie alla straordinaria colonna sonora, ottiene un incredibile successo diventato uno dei più famosi musical della storia, amato da generazioni di spettatori, anche se purtroppo Hammerstein non farà in tempo a vedere il trionfo del film, spegnendosi poco prima della sua uscita.
 

La mia traccia preferita: È difficile sceglierne una sola, perchè con questo musical ci sono cresciuta e praticamente mi scorre nelle vene. Opterò per l'Overture non solo per la sua maestosità ma perchè contiene, seppur accennati, gran parte degli altri brani. Gli strumenti predominanti in questo brano includono archi, fiati e ottoni, che insieme creano un suono maestoso e avvolgente. Gli archi introducono il brano con melodie dolci e fluide, evocando la serenità e la bellezza delle montagne austriache che fanno da sfondo alla storia. I fiati, specialmente i flauti e i clarinetti, aggiungono colori e sfumature, contribuendo a creare un'atmosfera sognante e piena di speranza. Gli ottoni, tra cui trombe e corni, entrano con forza, conferendo all'overture un senso di grandezza e di annuncio epico, anticipando le avventure e le vicende emotive che caratterizzeranno il film. L'effetto complessivo prodotto da questa combinazione di strumenti è quello di un invito emozionante a un viaggio musicale attraverso la storia di Maria e dei bambini von Trapp, sottolineando il tema dell'innocenza e della gioia di vivere che pervade l'intero musical. L'overture di "The Sound of Music" riesce quindi a catturare l'essenza del film, preparando lo spettatore a un'esperienza indimenticabile che combina musica, narrazione e paesaggi mozzafiato.

Potete sentirla qui

Trasportato dalle pagine del romanzo di Margaret Landon, "Anna e il re", al palcoscenico luminoso di Broadway, "Il Re ed Io" di Rodgers e Hammerstein ha incantato per la prima volta il pubblico il 29 marzo 1951. Immerso nelle esotiche atmosfere del Siam degli anni '60 dell'Ottocento, il musical racconta la storia di Anna Leonowens, una governante inglese che si trova a navigare nella complessa corte del Re Mongkut. Con Gertrude Lawrence e un ancora poco noto Yul Brynner nei panni dei protagonisti, lo spettacolo si è rapidamente distinto per la sua capacità di tessere melodie indimenticabili come "I Whistle a Happy Tune" e "Getting to know you", nel ricco tessuto della narrazione.
La magia di Broadway si è poi trasformata in immagini mozzafiato con l'adattamento cinematografico del 1956, dove Brynner e Deborah Kerr (la cui voce nelle canzoni è stata prestata da Marni Nixon) hanno portato sullo schermo la splendida dinamica tra Anna e il Re. Brynner, con la sua performance magnetica, si è aggiudicato l'Oscar, suggellando "Il Re ed Io" come una pietra miliare della cinematografia musicale.
 

La mia traccia preferita: “Shall we dance” l'incantesimo si manifesta sin dalle prime note, con la voce delicata di Marni Nixon che presta il suo canto a Deborah Kerr. Il brano si apre con un ritornello tenue e onirico, tessendo un invito cauto ma irresistibile al Re, incoraggiandolo a varcare la soglia della danza. Questa fase iniziale del pezzo, caratterizzata da un ritmo che ricorda una marcia, rispecchia la formalità e la rigidità del monarca, delineando musicalmente il suo cammino verso un'inaspettata spensieratezza. Man mano che la canzone procede, la dinamica si trasforma: l'entrata vibrante dei fiati e l'entusiasmante ritmo degli archi trascinano verso un vortice di danza, intrecciando con maestria l'eleganza tipica dei valzer con l'esotismo dell'ambientazione siamese. Questo connubio crea una fusione perfetta di tradizioni, in cui la danza di Anna e il Re si eleva a dialogo muto ma eloquente, una storia di reciproca scoperta e condivisione, dove la melodia diviene veicolo di felicità, sfida e intesa. Attraverso la danza e le sue evoluzioni musicali, siamo testimoni della nascita di un rapporto unico e profondo, magnificamente espresso attraverso il linguaggio universale di musica e movimento. E nel suo apice maestoso, il finale evoca le atmosfere delle grandi sale da ballo.
Potete sentirla qui

 

(di questo film ve ne ho parlato qui) 

C’è un altro fortunato sodalizio quello tra il compositore e il paroliere Frederick Loewe e Alan Jay Lerner. Loewe nasce a Berlino nel 1901 figlio di un tenore d'operetta viennese e questo background lo mette in contatto fin da piccolo con il mondo della musica classica e del teatro. Bambino prodigio, suona il pianoforte già all'età di 5 anni e compone musica a 7. Nel 1924 suo padre riceve un’offerta di lavoro che lo porta a New York City, e Frederick determinato a lavorare a Broadway lo segue. Qui lavora suonando il pianoforte nei club tedeschi di Yorkville e come accompagnatore per film muti. Questa sua capacità di adattare la tradizione dell'operetta europea al gusto del pubblico americano, mantenendo uno stile inconfondibilmente suo sarà il successo delle sue creazioni.
Loewe inizia a comporre canzoni per spettacoli di varietà e night club, ma la svolta arriva quando al Lambs Club, un ritrovo per artisti, produttori e registi teatrali, mentre sta andando alla toilette inciampa nel tavolo di un altro cliente: è Alan Jay Lerner e cono lui formerà una delle partnership più fruttuose di Broadway. Lerner, già attivo nei musical di Harvard e compagno di classe di JFK, ha fin da giovane una grande passione per il teatro. Dopo gli studi alla Juilliard, un incidente gli compromette la vista da un occhio, limitando il suo servizio militare ma non la sua creatività, portandolo a scrivere sceneggiature radiofoniche durante la guerra. Insieme firmeranno gioielli del musical come "Brigadoon", "My Fair Lady", “Gigì” e "Camelot".
Nel 1956, il loro musical "My Fair Lady", un adattamento dell'opera "Pigmalione" di George Bernard Shaw, ha debuttato con grande successo sia a Broadway che a Londra. I personaggi principali, Henry Higgins ed Eliza Doolittle, sono interpretati da Rex Harrison e Julie Andrews. Questa produzione ha conquistato il pubblico e la critica, tanto da vincere il Tony Award per il Miglior Musical.
Nel 1964, la Warner Bros ha prodotto un film omonimo basato sul musical, con Harrison che ha ripreso il suo ruolo di Henry Higgins. Per il ruolo di Eliza Doolittle, nonostante Julie Andrews fosse stata l'originale interprete teatrale, la produzione ha scelto Audrey Hepburn, all'epoca una scelta meno nota nel mondo del cinema rispetto a Andrews. Ironia della sorte, nello stesso anno, Julie Andrews vincerà l'Oscar per la sua interpretazione in "Mary Poppins".
La colonna sonora di "My Fair Lady" si distingue per la sua ricca e variata orchestrazione, che accentua le tematiche del musical. Dalla trasformazione sociale di Eliza alla satira delle classi sociali inglesi, la musica viene utilizzata non solo per arricchire la narrazione, ma anche per approfondire la comprensione dei personaggi e delle loro dinamiche interpersonali.
 

La mia traccia preferita: I could have danced all night. La canzone inizia con Eliza che cerca di contenere l'emozione, quasi sussurrando. Poi arriva il ritmo incalzante dei clarinetti e i violini che con il loro suono avvolgente esprimono perfettamente il sogno della protagonista evocando l'atmosfera di un gran ballo. Nel secondo ritornello la realtà interviene quando le domestiche, in un controcanto, ricordano a Eliza di andare a letto, aggiungendo un contrasto alla sua euforia. Il finale si distingue per una ricca apoteosi orchestrale, che sottolinea la grandezza del momento.
 Potete sentirla qui

(di questo film ve ne ho parlato qui) 

Dopo l'eccezionale trionfo di "My Fair Lady", il duo Lerner e Loewe ha continuato il suo percorso di successi con il progetto successivo, "Gigi". Questa trasposizione cinematografica di racconti di Colette si è guadagnata il riconoscimento di film musicale vincitore dell'Academy Award, vantando un cast stellare con Leslie Caron, Louis Jourdan e Maurice Chevalier. Il film ha stabilito un record per quell'epoca, vincendo tutte e nove le sue nomination agli Oscar, inclusa una statuetta speciale assegnata a Maurice Chevalier.
La narrazione di "Gigi" trae origine dal romanzo omonimo di Colette, pubblicato a puntate nel 1942 sulla rivista "Présent". Successivamente, la storia è stata adattata in una commedia teatrale che ha debuttato a Broadway nel 1951, con una giovane Audrey Hepburn nel ruolo principale. La Hepburn, all'epoca ancora agli inizi della sua carriera, fu scoperta casualmente in un hotel di Montecarlo dalla stessa Colette.
Per quanto riguarda la colonna sonora di "Gigi", Loewe ha introdotto innovazioni sonore per riflettere l'eleganza e il fascino della Parigi dei primi del Novecento. Questo approccio ha creato un'atmosfera distintiva che ha notevolmente contribuito al successo sia del film sia della produzione teatrale, immergendo il pubblico nel lusso e nella bellezza dell'epoca.
 

La mia traccia preferita: La canzone "Thank Heaven for Little Girls" con cui si apre il film, trovo che catturi perfettamente lo spirito frizzante e l'eleganza del film. A renderla ancora più straordinaria è l'interpretazione carismatica di Maurice Chevalier. La sua esecuzione, con quell'accento francese inconfondibile e un tono sia affettuoso che furbesco, contribuisce a creare un'atmosfera nostalgica e giocosa. Gli arrangiamenti orchestrali sottolineano la leggerezza del brano, con l'uso di archi per aggiungere una sensazione di dolcezza e, a volte, legni come il flauto per momenti di pura gioia. Questi strumenti insieme creano un suono che incapsula perfettamente l'eleganza e il fascino della Parigi dell'epoca. La stessa canzone, in modo più lento, corale e solenne è ripresa nel finale del film, perfetta chiusura del cerchio.
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(di questo film ve ne ho parlato qui) 

Adolph Deutsch, nato in Inghilterra, si trasferisce negli Stati Uniti durante l'adolescenza e inizia la sua carriera musicale suonando per film muti a soli 17 anni. Questa esperienza precoce nel mondo del cinema lo porta a Broadway, dove ha l'opportunità di lavorare con giganti della musica come Ira Gershwin e Irving Berlin. La carriera di Deutsch viene coronata dal successo con la vittoria di tre Oscar per le sue straordinarie composizioni musicali in film di grande rilievo come "Oklahoma", "Sette spose per sette fratelli" e "Anna prendi il fucile". "Sette Spose per Sette Fratelli", un film del 1954 prodotto dalla Metro Goldwyn Mayer, si basa sul racconto "Sobbin' Women" di Stephen Vincent Benet pubblicato nel 1938, che riprende in chiave parodistica il mito del ratto delle Sabine. Con protagonisti Howard Keel e Jane Powell, il film vede inizialmente una propensione verso brani di folklore americano per contenere i costi, ma la visione del regista per una colonna sonora di alto livello porta alla collaborazione con talenti come Johnny Mercer, Gene de Paul, Saul Chaplin e, appunto, Adolph Deutsch. Questo sforzo congiunto culmina nella vittoria dell'Oscar per la migliore colonna sonora, consolidando la fama del film come uno dei più iconici di Hollywood.
 

La mia traccia preferita: Goin 'Courtin si distingue per il suo inizio giocoso e leggero, quasi come se Milly stesse sussurrando segreti ai fratelli Pontipee sul corteggiamento. La musica, inizialmente delicata e punteggiata da pizzicati, riflette questo momento di condivisione quasi intima. Con il procedere della lezione, il ritmo si fa più vivace, trascinando tutti in una gioia contagiosa. Quando arriva il momento della lezione di ballo, i violini prendono il sopravvento, creando un clima di festa anticipando la grande celebrazione del villaggio. La musica e il ballo diventano il veicolo attraverso il quale i fratelli si trasformano, pronti a immergersi nella comunità con rinnovato spirito di gioia e unione.
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Il film del 1959, "A qualcuno piace caldo", diretto da Billy Wilder e con un cast stellare composto da Tony Curtis, Jack Lemmon e Marilyn Monroe, si distingue per l'impeccabile uso della musica ad opera di Adolph Deutsch. Incorporando canzoni popolari degli anni '20 e '30 come "Runnin' Wild", "I Wanna Be Loved by You" e "I'm Thru with Love", Deutsch riesce a dare nuova vita a queste melodie attraverso la voce unica di Marilyn Monroe, che aveva ricevuto lezioni di canto da Judy Garland per il ruolo. La colonna sonora del film non funge solo da accompagnamento ma diventa un elemento narrativo chiave, enfatizzando sia i momenti comici, come la memorabile scena del tango insegnato a Jack Lemmon da George Raft, sia quelli di intimità tra i personaggi di Joe e Zucchero.
 

La mia traccia preferita: "Park Avenue Fantasy", un classico del jazz degli anni Trenta, arricchito successivamente dai testi nella canzone Stairway to the stars (interpretata da Ella Fitzgerald, Glenn Miller, Benny Goodman e molti altri).  Nel film l’arrangiamento è delicato e rievoca un'atmosfera eterea e sognante, viene impiegata per creare momenti di grande fascino e romanticismo, in particolare nelle scene in cui il personaggio di Joe si trasforma nel miliardario Junior Shell, ispirando così un senso di desiderio e aspirazione verso un mondo di lusso e sogno. Gli strumenti come gli archi e i legni contribuiscono a creare una sensazione di leggerezza e di fluttuazione, sospesi in una dimensione quasi onirica.
Potete sentirla qui

(di questo film ve ne ho parlato qui) 

I fratelli Robert e Richard Sherman, nati rispettivamente nel 1925 e nel 1928, iniziano la loro carriera musicale dopo il servizio nell'esercito statunitense negli anni '50. È una sfida del loro padre, Al Sherman, un noto compositore, a spingerli verso il mondo della composizione.
Conquistando prima il successo nella musica popolare, i Sherman stringono nel 1960 un'intesa decennale con Walt Disney, dando vita a oltre 200 brani per i suoi film, programmi televisivi e attrazioni dei parchi a tema. Le loro opere più famose includono le colonne sonore di "Mary Poppins", "Il libro della giungla" e "Gli Aristogatti", oltre alla canzone simbolo "It's a Small World" dei parchi Disney.
La realizzazione di "Mary Poppins" segue un percorso affascinante e complesso, che inizia con la pubblicazione del romanzo omonimo per bambini di Pamela Lyndon Travers, nota come P.L. Travers, nel 1934 a Londra. La storia cattura l'immaginazione di Walt Disney quando sua figlia Diane gli mostra il libro, suscitando in lui il desiderio di trasformare questa affascinante narrazione in un film.
A partire dal 1938, Disney si impegna in una tenace e lunga trattativa per acquisire i diritti cinematografici del romanzo. Questa battaglia, durata oltre vent'anni, testimonia la determinazione di Disney nel portare la magica tata e le sue avventure sul grande schermo.
Una volta ottenuti i diritti, il progetto entra finalmente in fase di produzione. È in questo contesto che i fratelli Sherman entrano in scena. Incaricati da Walt Disney di leggere "Mary Poppins" e di sottolineare le parti che ritengono più significative, i Sherman scoprono di aver evidenziato gli stessi capitoli selezionati da Disney stesso, caratterizzati da episodi indipendenti e ricchi di avventura. Insieme decidono di tessere questi racconti autonomi in una trama unificata, suggerendo inoltre di ambientare la storia nell'elegante età edoardiana, all'inizio del Novecento, anziché negli anni '30 come nell'originale.
La scelta di Julie Andrews per il ruolo di Mary Poppins segna un altro momento chiave nella realizzazione del film. Dopo averla vista esibirsi nello spettacolo "The Ed Sullivan Show" a New York, dove interpretava un ruolo in "Camelot" accanto a Richard Burton, i fratelli Sherman ne rimangono talmente colpiti da raccomandarla immediatamente a Disney. Questa decisione si rivela essere uno degli elementi più ispirati del progetto, contribuendo in modo significativo al successo del film.
La creazione della canzone "A Spoonful of Sugar" nasce da un aneddoto particolare. Cercando invano da settimane un motto o una frase caratteristica per Mary Poppins, la soluzione arriva quando Jeff, il figlio di Richard Sherman, torna da scuola raccontando di aver ricevuto un vaccino anti-poliomelite. Il vaccino non è stato doloroso perché "hanno messo la medicina su una zolletta di zucchero e lui l'ha semplicemente ingoiata". Questo episodio ispira immediatamente i fratelli Sherman a scrivere la canzone, il cui ritornello in inglese dice "Just a spoonful of sugar helps the medicine go down".
 

La mia traccia preferita: L'apertura di "Mary Poppins" si presenta con una sequenza imponente dove gli ottoni intonano le note iniziali di "Feed the Birds", instillando immediatamente un'atmosfera di maestosità e profonda emozione. L'intervento dei timpani contribuisce a creare una dimensione ulteriore di profondità e suspense, che trova il suo apice nel clamore dei piatti, segnale di una svolta nell'atmosfera. A questo segue un interludio in cui i violini dolcemente intonano "Un Poco di Zucchero", infondendo una nota di allegria e leggerezza, con le nuvole che si diradano per svelare il titolo del film.
Inizia il valzer di "Cam-Camini" che prende il sopravvento, invitando gli ascoltatori in una danza lieve e festosa. Nel frattempo, l'iconica silhouette di Mary Poppins si profila tra le nuvole, anticipando la sua magica apparizione. La musica guadagna poi in vivacità con "Supercalifragilistichespiralidoso", riflettendo la magia e l'unicità del personaggio di Mary Poppins, che viene introdotto in modo esaltante, come accompagnata da una banda trionfante. Questo intro musicale non solo fa da preludio ai temi centrali e alla protagonista del film ma stabilisce anche l'atmosfera per l'entusiasmante avventura che sta per iniziare, accogliendo gli spettatori nel mondo incantato di Mary Poppins attraverso una varietà di temi musicali che specchiano la ricchezza e la diversità della storia.
"Feed the Birds" era la canzone preferita da Walt Disney, che coglieva ogni occasione per chiedere ai fratelli Sherman di eseguirla al pianoforte ogni volta che ne aveva l'occasione. Un aneddoto toccante narrato da Sherman in un'intervista contenuta in uno speciale DVD rivela un momento emotivo: durante la celebrazione del centenario della nascita di Walt Disney, fu inaugurata la famosa statua che lo raffigura insieme a Topolino a Disney World, a Orlando, in Florida. Fu chiesto a Sherman di suonare alcune melodie e, tra queste, scelse di interpretare "Feed the Birds", ricordando che era la preferita di Walt. Mentre suonava, un piccolo uccello si posò vicino al pianoforte, portando Sherman a riflettere commosso sull'idea che potesse trattarsi dello spirito di Walt Disney.

Potete sentirla qui

 

Film del 1971 che vede David Tomlinson e una straordinaria Angela Lansbury condividere la scena,  realizzato con una tecnica mista dalla Walt Disney Productions. Si ispira ai romanzi "The Magic Bedknob; or, How to Become a Witch in Ten Easy Lessons" (1943) e "Bonfires and Broomsticks" (1947) di Mary Norton, autrice britannica.
Il processo di creazione del film inizia sotto la direzione di Walt Disney e del suo team prima che P. L. Travers, autrice di "Mary Poppins", conceda i diritti per l'adattamento cinematografico dei suoi libri per bambini. Di conseguenza, "Pomi d'ottone e manici di scopa" subisce una pausa quando Travers cede finalmente i diritti a Disney. Dopo il grande successo di "Mary Poppins" nel 1964, Disney cerca di coinvolgere nuovamente Julie Andrews nel ruolo della protagonista per questo nuovo progetto. Tuttavia, il film presenta molte similitudini con "Mary Poppins", tra cui la magia, la musica e i segmenti animati, e anche la direzione di Robert Stevenson. Andrews, temendo di ripetere lo stesso tipo di ruolo e di partecipare a un progetto troppo simile, inizialmente rifiuta. Poi, dopo aver cambiato idea alcuni mesi dopo, scopre che Angela Lansbury ha già firmato per interpretare la protagonista Eglantine Price.
Un dettaglio curioso emerge nella scena ambientata nella laguna di Naboombu, dove Angela Lansbury e David Tomlinson eseguono una canzone inizialmente destinata a "Mary Poppins". Questo pezzo doveva essere parte dell'episodio della Bussola Magica, che avrebbe portato i personaggi in giro per il mondo. Questa sequenza viene tagliata da "Mary Poppins", permettendo alla canzone di trovare una nuova collocazione in "Pomi d'ottone e manici di scopa".
 

La mia traccia preferita: L'Ouverture. Questo brano accoglie gli ascoltatori nel suo universo narrativo con maestria, intrecciando sapientemente elementi di magia, avventura e un velato mistero. Questa introduzione musicale, caratteristica delle ouverture, funge da apripista, delineando le melodie e le atmosfere che si svilupperanno attraverso il film. Un inizio imponente, caratterizzato dall'uso degli ottoni e delle cornamuse, posiziona l'azione in Inghilterra, in piena Seconda Guerra Mondiale, mescolando sentimento patriottico con l'attesa di un'avventura magica.
Segue poi "The Age of Not Believing", un momento che riflette spensieratezza e incanto, in perfetta armonia con le sequenze di volo del film. "The Step in the Right Direction", con il suo ritmo marziale, sottolinea la disciplina e la fermezza del carattere della protagonista. La narrazione musicale ci trasporta quindi nelle profondità marine con "The Beautiful Briny", che ci invita a un'avventura sottomarina ricca di melodie affascinanti e evocative, facendo da preludio a "Substitutiary Locomotion". Quest'ultima, con il suo ritmo vivace, incapsula l'essenza magica della pellicola, dove la stregoneria anima gli oggetti inanimati, creando uno spettacolo vivido e coinvolgente.
Potete sentirla qui

Il viaggio non è ancora finito, nel prossimo appuntamento vi parlerò di altri musical in cui hanno brillato grandi Star.

Alla prossima!  

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Una delle mie più grandi passioni sono i legal drama. C'è un fascino particolare in quelle storie, un intreccio di logica e passione che si svela tra le mura di un'aula di tribunale, capace di tenerti incollata allo schermo, sospesa in un limbo tra ciò che è giusto e ciò che è vero. Ma tra tutti questi, c'è un film  che mi ha rapito il cuore più di ogni altro: "Testimone d'Accusa" del 1957. 

Questo film, con la sua storia densa di colpi di scena e un cast stellare guidato da Charles Laughton e Marlene Dietrich, ha incantato e tenuto con il fiato sospeso intere generazioni di spettatori.

Questo non vuole essere solo un articolo; è un invito a sedervi accanto a me, a condividere il calore di una passione che arde vivace e a scoprire insieme come "Testimone d'Accusa" abbia tessuto la sua tela di classico intramontabile. Vi racconterò di come è nato da un racconto di Agatha Christie, di come si sia trasformato in un'opera teatrale prima di diventare il film che oggi conosciamo e amiamo. Vi svelerò aneddoti del set e vi parlerò degli attori che hanno dato vita a personaggi indimenticabili, in un viaggio che spero possa essere per voi altrettanto avvincente quanto lo è stato per me.

Il titolo originale è Witness for the Prosecution ed è un film del 1957 diretto da Billy Wilder con protagonisti Marlene Dietrich, Tyrone Power e Charles Laughton.

La trama in breve: Sir Wilfrid Robarts è un famoso avvocato penalista che rientra a casa dopo un periodo di degenza all'ospedale dal quale esce con: molte raccomandazioni sul non affaticarsi troppo, e Miss Plimsoll un'infermiera incaricata che ciò avvenga. Tuttavia a casa dell'avvocato arriva un suo collega che vorrebbe affidargli il caso di Leonard Vole, un uomo accusato dell'omicidio di una ricca vedova. Inizialmente Robarts rifiuta, ma alla fine si lascia convincere e affianca il collega Brogan-Moore nella causa. Il caso si dimostra più complicato del previsto, soprattutto quando si presenta la moglie di Vole, la tedesca Christine Helm, che sembra nascondere qualcosa.

Foto promozionali

Trailer originale:

 

Nel trailer appare Charles Laughton nei panni di se stesso, che si rivolge direttamente al pubblico: "Vi sfido a scoprire tutti i colpi di scena". Poi compare un messaggio che, in un’epoca in cui è consentito entrare al cinema in qualunque momento del film, comunica agli spettatori che per non rovinare la sorpresa finale non sarebbe stato permesso di entrare negli ultimi 10 minuti.

"Testimone d'Accusa" nasce da un racconto breve di Agatha Christie, originariamente pubblicato con il nome "Traitor's Hands" sulla rivista Flynn's il 31 gennaio 1925. La narrazione, fin dalle prime righe, rivela il talento unico della Christie nel tessere trame avvincenti, gettando le basi per quello che diverrà un classico del dramma giudiziario. Nel 1933, il racconto si ripresenta con il titolo definitivo "The Witness for the Prosecution" nella raccolta "The Hound of Death", destinata esclusivamente ai lettori britannici. Solo nel 1948, la storia varca l'Atlantico, raggiungendo il pubblico americano nella raccolta "The Witness for the Prosecution and Other Stories".

Agatha Christie stessa trasforma il suo racconto in un'opera teatrale che vede la luce a Londra il 28 ottobre 1953 al Winter Garden Theatre, preceduta da una prova generale a Nottingham il 28 settembre. La messa in scena, sotto la guida attenta di Sir Peter Saunders, cattura immediatamente l'attenzione di Hollywood grazie al suo indiscutibile successo. Tale è la popolarità dello spettacolo che, in meno di due mesi, "Testimone d'Accusa" sbarca a Broadway, debuttando il 16 dicembre 1953 al Henry Miller's Theatre di New York, dove si esibisce fino al 30 giugno 1956, sotto la produzione congiunta di Gilbert Miller e Peter Saunders.

Le diverse case di produzione si lanciano in una battaglia per accaparrarsi i diritti cinematografici, ma è lo stesso produttore dello spettacolo teatrale Gilbert Miller a spuntarla, assicurandoseli per la somma considerevole di 325.000 dollari, cifra stupefacente per l'epoca. La sagacia dell'investimento si rivela poco dopo, quando il produttore indipendente Edward Small gli offre 430.000 dollari aggiudicandoseli, avendo intuito l'enorme potenziale della trama ingegnosa di Agatha Christie al botteghino. Small, deciso a realizzare il progetto, coinvolge Arthur Hornblow Jr., già noto per la sua precedente collaborazione con Billy Wilder in "Frutto proibito" (1942) e per il successo di "Oklahoma!" (1955), confermando la sua reputazione di produttore di spicco. 

Ancora senza un regista, i produttori hanno già in mente chi sarà la protagonista del loro film, la "testimone d'accusa": Marlene Dietrich. La diva, simbolo degli anni '30 insieme a Greta Garbo (ritiratasi però nel 1941), non si è mai allontanata dal grande schermo, continuando a incantare il pubblico con le sue interpretazioni negli anni Quaranta e Cinquanta. Emergendo come musa di Josef von Sternberg in film iconici quali L'angelo azzurro e Shanghai Express, la Dietrich ha saputo incarnare l'essenza della donna enigmatica e seducente. In questo nuovo progetto, dimostra di essere ben lontana dall'essere un'attrice al tramonto. È proprio lei a insistere affinché Billy Wilder sia scelto come regista del film, ricordando la loro precedente collaborazione in Scandalo Internazionale e sottolineando che avrebbe accettato la parte solo con lui alla regia.

 

 

 

Billy Wilder, il regista scelto, non ha certo bisogno di presentazioni. Di origine austriaca, fa parte di quel flusso di talenti europei che ha trovato rifugio in America per sfuggire alle persecuzioni naziste, Wilder ha dimostrato una versatilità incredibile, passando con disinvoltura dalla commedia al dramma come in Frutto proibito, La fiamma del peccato, Viale del tramonto, Sabrina, Quando la moglie è in vacanza, L’appartamento, A qualcuno piace caldo…

Inizialmente si pensa a William Holden per il ruolo di Leonard Vole, ma la sua partecipazione non si concretizza, portando così l'attenzione su Tyrone Power. Quest'ultimo, dapprima titubante, viene infine persuaso da una proposta allettante: un doppio ingaggio sia per "Testimone d'accusa" che per "Salomone e la regina di Saba", con un cachet di 300.000 dollari per ciascun film. Power, già noto dagli anni '30 per interpretazioni di eroi avventurosi in capolavori come "Jesse il bandito", "Il segno di Zorro" e "Sangue e arena", conferisce al film un fascino misterioso e un carisma indiscutibile. Durante le riprese in Spagna di "Salomone e la regina di Saba", un fatale attacco di cuore coglie Power di sorpresa in un duello con George Sanders, portando alla sua prematura scomparsa. Yul Brynner viene chiamato a sostituirlo, sebbene alcune sequenze distanti di Power rimangano nel film.
 

Charles Laughton, interpretando Sir Wilfrid Robarts, si posiziona al cuore della narrazione come un avvocato di rara astuzia, appena rientrato da un periodo di convalescenza a seguito di un infarto. Deciso a prendere in carico il caso, Sir Wilfrid trascura gli avvertimenti dei medici che lo invitano a stare lontano dalle tensioni delle aule giudiziarie. Laughton, colosso della recitazione, si immerge nel personaggio con una passione confinante con l'ossessione. Per arricchire l'autenticità della sua interpretazione, si ispira a Florance Guedella, celebre avvocato londinese noto per le sue memorabili prestazioni nei controinterrogatori, che in passato aveva rappresentato sia Laughton che la Dietrich.

Laughton, riconosciuto come uno dei più grandi attori per la profondità emotiva e la complessità dei personaggi interpretati, infonde in Sir Wilfrid un'aura di maestria retorica. La sua abilità nell'oratoria, quella che i francesi chiamano "tirade", trova pochi rivali, forse solo Orson Welles si è leggermente avvicinato. Questa padronanza nell'arte della parola diventa una componente cruciale del personaggio, trasformando ogni scena in tribunale in un'esibizione memorabile.
Charles Laughton, non avendo mai sperimentato problemi cardiaci, arriva a simulare un attacco di cuore nella piscina di casa, scatenando il panico in Elsa Lanchester, sua moglie, e in un ospite, per poi rivelare la natura simulata del suo malore solo dopo averli allarmati.
 

Elsa Lanchester, che nella vita reale condivide con Laughton un legame profondo sia affettivo che artistico, interpreta nel film l'infermiera, un ruolo ideato appositamente per l'adattamento cinematografico e assente nella versione teatrale. Famosa per le sue interpretazioni iconiche, tra cui quella nella "Moglie di Frankenstein", Lanchester introduce nel film una dimensione di cura e premura nei confronti di Sir Wilfrid, intrecciando ulteriormente le loro esistenze sia dentro che fuori dalla scena.
 

Con la formazione del cast ormai in corso, anche la trama sulla carta inizia a prendere vita sotto la sapiente guida di Billy Wilder. I drammi giudiziari, che sul palcoscenico affascinano il pubblico permettendogli di immergersi completamente nelle vicissitudini narrate, incontrano delle insidie non da poco quando trasposti sul grande schermo, sfidando in particolare il pericolo di cadere in un'eccessiva verbosità. Wilder, con occhio critico, si impegna a forgiare una sceneggiatura che sappia destreggiarsi abilmente tra queste trappole. Decide di non avvalersi della collaborazione del suo fedele Charles Brackett, con cui aveva condiviso trionfi come "Ninotchka" e "La fiamma del peccato", né di I.A.L. Diamond, con cui aveva tessuto "Arianna" e che avrebbe ritrovato in future avventure cinematografiche. Sceglie invece lo sceneggiatore Harry Kurnitz, noto per il suo fervore per i gialli e la sua passione per la cultura britannica.
 

Wilder e Kurnitz ben presto percepiscono la necessità di infondere nella storia una vena di leggerezza. Introducono dunque la figura dell'infermiera Plimsoll, costantemente in apprensione per la salute di Sir Wilfrid, il quale si dibatte tra le grinfie di acciacchi cardiaci. Quest'astuta mossa non soltanto insuffla humor nella narrazione, ma arricchisce altresì l'intreccio tra i personaggi, conferendo profondità. La sottotrama medica che avvolge Sir Wilfrid aggiunge un ulteriore strato di tensione, mantenendo lo spettatore sull'orlo della sedia non solo per le sorprendenti rivelazioni della trama, ma anche per l'incognita della tenuta fisica dell'avvocato di fronte alle sfide del processo. L'humor trova terreno fertile anche nella relazione a tratti conflittuale tra Sir Wilfrid e Miss Plimsoll, la quale si adopera con ogni mezzo per distoglierlo dai suoi amati sigari e brandy, tessendo così un legame di leggerezza e profondità narrativa.

Inoltre, Wilder, conscio dell'impossibilità di includere Marlene Dietrich in un film senza valorizzarne appieno il fascino, inserisce un flashback ambientato nella Germania post-bellica che offre alla Dietrich l'occasione di dilettarsi in uno dei suoi inconfondibili numeri musicali, mostrando al contempo le sue leggendarie gambe. Questi ritorni al passato offrono una pausa dalla staticità delle scene in aula, svelando retroscena sui personaggi e arricchendo la loro storia. 

Per non parlare dell’entrata in scena della Dietrich, quando Sir Wilfrid ipotizza che la moglie di Vole possa reagire all’arresto del marito piangendo come una disperata o addirittura svenire e lei fa il suo ingresso dicendo “Non svengo mai perchè non sono sicura di cadere con grazia, e non annuso i sali perchè mi gonfiano gli occhi”. Cioè, parliamo dell'immensità di questa entrata? Divismo all’ennesima potenza.

Venendo ai ruoli secondari di "Testimone d'Accusa", tre nomi spiccano per il loro contributo singolare al film. Norma Varden, nel ruolo della signora French, porta sullo schermo un volto familiare, sebbene non abbia mai rivestito ruoli da protagonista. La sua presenza in "Gran Premio" come professoressa Sims e in "Tutti insieme appassionatamente" come Frau Schmidt, la rende familiare al pubblico. Nel film, il suo personaggio di vedova benestante è centrale per la trama, e Varden porta la giusta dose di eleganza e mistero al ruolo.

Una O'Connor, dal canto suo, porta nel film la sua ineguagliabile capacità di dare vita a personaggi esilaranti e talvolta irascibili, tornando sul grande schermo dopo la sua partecipazione originale a Broadway. Con ruoli memorabili come Minnie in "La moglie di Frankenstein" e la domestica Norah in "Il sergente e la signora", O'Connor dimostra una versatilità che arricchisce la tessitura di "Testimone d'Accusa" con tocchi di genuina umanità, come l’esilarante scena in cucina quando è scettica sull’uso dello sbattitore per uova inventato da Vole o durante il suo interrogatorio.

John Williams, nei panni del procuratore, porta avanti la sua reputazione di interprete impeccabile di funzionari e investigatori, consolidata in collaborazioni precedenti con Hitchcock e Wilder. La sua performance in "Il caso Paradine" lo ha condotto a lavorare nuovamente con Hitchcock in "Il delitto perfetto", dopo che il regista lo ebbe visto brillare nello stesso ruolo a teatro, ruolo che gli valse un Tony Award. Williams, che ha inoltre condiviso la scena con Audrey Hepburn in "Sabrina", ha interpretato personaggi di spicco anche in "Caccia al ladro" e "Merletto di mezzanotte", confermando la sua maestria nell'incarnare figure di autorità naturale e compostezza inalterabile.

Il copione di Laughton si rivela un tesoro di appunti minuziosi; ogni sera, l'attore si attarda per discutere con Wilder le scene previste per il giorno seguente, sperimentandole in un'infinità di varianti. Eppure, sul set, Laughton sorprende tutti, dando vita a nuove interpretazioni sul momento. Spinto dalla volontà di immergersi pienamente nei meandri della trama, si cimenta persino nel recitare le parti di tutti i giurati, afferrando così l'essenza di ciascun personaggio, al punto che Wilder si ritrova ad accogliere i suoi suggerimenti. La dialettica di Laughton, la sua padronanza nell'arte del discorso, lascia Wilder letteralmente incantato; come lo stesso regista ammette, "Laughton non si limitava a pronunciare parole, lui diceva qualcosa". L'introduzione del monocolo, altro tratto distintivo mutuato da Guedella, diventa un espediente narrativo che Laughton inserisce abilmente nella trama, creando un test per i suoi clienti, sebbene destinato a mostrare le sue debolezze.

Dopo l'esperienza in "Testimone d'Accusa", Wilder avrebbe desiderato affidare a Laughton il ruolo del barista in "Irma la dolce", ma le condizioni di salute dell'attore subiscono un drastico peggioramento, portandolo alla morte nel '62, all'età di 63 anni, a causa di un tumore alla cistifellea.

 

I movimenti di cinepresa e le tecniche di ripresa in "Testimone d'Accusa" di Billy Wilder svolgono un ruolo cruciale nel sottolineare la tensione narrativa e l'intensità emotiva del film. La regia di Wilder, abile nel bilanciare dramma e umorismo, si avvale di metodi cinematografici che immergono lo spettatore nella profondità della storia.
L'uso di primi piani si rivela fondamentale per cogliere le sfumature espressive dei personaggi in momenti decisivi, offrendo uno sguardo intimo sulle loro reazioni e sui turbamenti interni, e arricchendo la trama con ulteriori livelli interpretativi.
Wilder utilizza inoltre la cinepresa per seguire i personaggi nel loro movimento, come nelle sequenze in cui Sir Wilfrid Robarts naviga l'ambiente della sala del tribunale o interagisce con figure chiave, conferendo dinamismo alle scene e creando un coinvolgimento diretto dello spettatore.

La regia fa ampio uso di inquadrature che esplorano la prospettiva e la profondità di campo, stabilendo il contesto e sottolineando la complessità delle situazioni. L'uso strategico di luci e ombre, che ricorda lo stile noir, accentua ulteriormente l'atmosfera di mistero e sospetto che pervade il film.
Un momento particolarmente significativo per il suo impatto narrativo è la scena in cui Sir Wilfrid nota i sigari nella tasca dell'avvocato. Questa inquadratura non solo evidenzia un dettaglio cruciale per lo sviluppo della trama, ma serve anche a rafforzare il carattere astuto di Sir Wilfrid, capace di cogliere gli indizi più sottili e di usarli a suo vantaggio. 

La creazione della scenografia è stata affidata all'art director Alexandre Trauner, il quale si è trovato di fronte all'ardua sfida di riprodurre il famoso tribunale di Old Bailey di Londra, situato lungo la strada omonima, un tempo fiancheggiata dalle mura fortificate della City. Il tribunale è noto per la sua imponente architettura, sovrastata da una cupola sulla quale troneggia la statua della Giustizia, opera dello scultore inglese Frederick Pomeroy, che raffigura una figura femminile con una spada in una mano e una bilancia nell'altra, simboli universali della giustizia.
 A causa delle restrizioni che impedivano l'uso del vero tribunale e la realizzazione di fotografie all'interno, Trauner ha dovuto affidarsi alla sua abilità e immaginazione per ricreare questo luogo iconico. Armato di carta e matita, ha prodotto una serie di schizzi dettagliati che hanno poi guidato la costruzione del set all'interno degli studi della Goldwyn a Hollywood. Questa replica, realizzata in scala e dotata di un soffitto alto 22 piedi, ha richiesto l'uso di materiali pregiati come la quercia austriaca o il mogano, nonostante ci sia qualche incertezza sulla specifica tipologia di legno utilizzata. Il costo totale per questa fedele riproduzione ha raggiunto i 75.000 dollari, attestando l'impegno nel curare ogni dettaglio, benché Trauner abbia umilmente osservato che "la realtà è meglio del falso".

Oltre al tribunale, Trauner ha esteso la sua maestria anche ad altre ambientazioni del film, come il cabaret in cui compare Christine, ispirato al Lorelei Club presente in Scandalo internazionale.
 

I costumi indossati da Marlene Dietrich sono realizzati dalla costumista Edith Head. Nella sua autobiografia The Doctor Dress, la Head condivide un momento di fitting con Marlene Dietrich per "Testimone d'accusa", sottolineando l'importanza di scegliere i costumi giusti che definiscano il personaggio senza trasformarsi in un semplice travestimento. Ha raccontato di come si sia arrivati a provare 40 diverse bluse per trovare quella perfetta dimostrando un processo di selezione estremamente meticoloso. Dirà: "La moda è un linguaggio. Alcuni lo conoscono, alcuni lo imparano, altri non lo sapranno mai. Ma la Dietrich lo sapeva fin dalla nascita. Sembra l'incarnazione di tutte le riviste di moda messe insieme". Head ha affermato che l'attrice "detiene il record di resistenza per essere rimasta in piedi otto ore e dieci minuti durante un'unica sessione di prova costumi".

 

I costi di produzione ammontano a 2 milioni di dollari: ai 435.000 dollari necessari per acquisire i diritti cinematografici dell'opera di Agatha Christie, si sommano i compensi degli attori: 150.000 dollari per Tyrone Power e 100.000 dollari per Marlene Dietrich. Sorprendentemente, Charles Laughton, nonostante il suo ruolo centrale e l'attenzione critica, riceve un compenso di soli 75.000 dollari. La riproduzione accurata del tribunale di Old Bailey di Londra, curata dal designer Alexandre Trauner, incide significativamente sul budget. Testimone d'Accusa" riscuote un incasso vicino ai 4 milioni, dimostrando un successo notevole al botteghino.
 

Al termine di ogni proiezione, durante i titoli di coda, si leva la voce di un annunciatore: "La direzione di questa sala cinematografica suggerisce, per assicurare il massimo intrattenimento dei vostri amici che non hanno ancora visto il film, di non divulgare a nessuno il segreto del finale di 'Testimone d'Accusa'.
 

Arrivano gli Oscar del 1958, e il film è nominato in sei categorie, tra cui Miglior Film, Miglior Regista per Billy Wilder, Miglior Attore Protagonista per Charles Laughton, Miglior Attrice Non Protagonista per Elsa Lanchester, Miglior Montaggio e Miglior Sonoro: purtroppo non porterà a casa neanche una statuetta, ma la Lanchester riuscirà a conquistare il Golden Globe, mentre Charles Laughton vincerà il David di Donatello come Miglior Attore Straniero nel 1958.
Si è molto discusso della mancata candidatura all’Oscar di Marlene Dietrich, e una delle motivazioni potrebbe essere che la straordinarietà della sua performance abbia sofferto della politica di segretezza attuata per mantenere l’effetto sorpresa sul pubblico nel finale del film.
 

Alfred Hitchcock ha confidato: "In diverse occasioni, mi è capitato di sentire persone esprimere il loro entusiasmo per 'Testimone d'Accusa' del 1957, attribuendomelo erroneamente invece che a Billy Wilder. E Wilder, dal canto suo, mi ha raccontato di come ci siano stati che lo hanno interrogato sul 'Caso Paradine' del 1947, pensando fosse opera sua."

Una menzione speciale al doppiaggio italiano. In questo film ci sono gran parte dei giganti di quell'epoca davvero immensa: Giorgio Capecchi è Charles Laughton, Giuseppe Rinaldi (voce di Jack Lemmon, Rock Hudson e Paul Newman) che qui è Tyrone Power, l'immensa Andreina Pagnani (già voce di dive come Lana Turner, Bette Davis e Gloria Swanson) che qui doppia Marlene Dietrich e la coppia straordinaria di Lydia Simoneschi (che fa Norma Varden) e Emilio Cigoli (l'avvocato Mason).


QUOTES
Miss Plimsoll: Che stupenda giornata. Val la pena avere un po’ di nebbia solo per apprezzare di più il sereno. Forse c’è troppa corrente, devo chiudere il vetro?
Deve chiudere soltanto il becco. Se sapevo che parlava tanto non sarei uscito dal coma.

Miss Plimsoll Le due e trenta. L’ora del nostro pisolino.
Sir Wilfrid: Se ne vada.
Miss Plimsoll: Facciamo nanna. Ora andiamo su, ci spogliamo, ci sdraiamo
Sir Wilfrid: Noi? Che disgustosa prospettiva.
Sir Wilfrid: Lo sa, Miss Plimsoll, che nel mio letto di dolore ho seriamente pensato di strangolarla con uno dei suoi tubi di gomma? Poi avrei confessato il delitto e mi sarei assunto per la difesa.

Leonard: Stamane non avevo nessun avvocato, ora ad un tratto ne ho tre. Forse dovremmo spieghare a Sir Wilfrid che non ho molto denaro e non sarò in grado di pagare laute parcelle.
Sir Wilfrid: Prenderemo un quarto avvocato per farle causa.

Sir Wilfrid: Milord, posso anche rammentare al mio dotto amico che la sua teste, per sua stessa ammissione, ha già violato tanti giuramenti che sono sorpreso che la Bibbia non le sia schizzata di mano quando ha giurato?

 

Sir Wilfrid: Ucciso? Lo ha giustiziato.

CLIP:

 

Ritorno a casa

Inumano, illegale e anti-igenico

Il test del monocolo

Chiudendo con queste righe, mi auguro di avervi trasmesso una scintilla della mia passione per "Testimone d'Accusa". Ora, con una nuova prospettiva, spero che vi lanciate a rivedere questo capolavoro, scoprendo quei dettagli unici che lo rendono così speciale. Che le mie parole vi guidino a un apprezzamento più profondo, a una visione rinnovata. È questo il regalo che desidero lasciarvi: un invito a guardare ancora, a sentire di più, a vivere il film come non avete mai fatto prima.

 

  

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