Il loro nome non era mai sopra il titolo e molto spesso non occupavano il centro della scena, eppure bastava la loro presenza per dare consistenza a un film intero. Erano quei volti che tornano alla memoria anche a distanza di anni, quelli che fanno esclamare “l’ho già vista!” o “so esattamente chi è”, pur senza ricordarne subito il nome. Senza i caratteristi, il cinema classico non avrebbe avuto lo stesso spessore: erano loro a rendere credibili ambienti, famiglie, rapporti, a dare sostanza alle storie.
È anche per questo che ho iniziato questa rubrica, Professione caratterista, dedicata a quegli attori e a quelle attrici che hanno attraversato teatro, radio, cinema e televisione costruendo carriere lunghissime e solidissime, spesso lontano dai riflettori principali. Nei precedenti articoli (che trovate qui) abbiamo già incontrato alcuni straordinari caratteristi e le prime indimenticabili interpreti femminili; oggi il viaggio continua con altre figure che meritano di essere raccontate.
Dietro molti di questi volti familiari si nascondono infatti vite sorprendenti. C’è chi è cresciuta in un ambiente severo e profondamente religioso prima di diventare una delle presenze più intense della radio americana; chi discendeva da uno degli eroi della Rivoluzione e ha visto la propria carriera interrompersi bruscamente per una scelta di coscienza; chi ha frequentato la Londra bohémien degli anni Venti prima di arrivare a Hollywood in età già matura; chi ha costruito una carriera intera sull’arte della battuta ironica; chi ha attraversato teatro, cinema e televisione con una personalità impossibile da confondere.
Sono storie ricche, piene di svolte inattese, che spesso non vengono raccontate nemmeno nei siti americani dedicati al cinema classico. E proprio per questo vale la pena riscoprirle oggi. Madri, confidenti, aristocratiche, donne del popolo, figure ironiche o severe: attraverso questi personaggi il cinema della Golden Age ha trovato profondità e umanità.

Agnes Moorehead

Nasce il 6 dicembre 1900 a Clinton, nel Massachusetts, anche se per molti anni circola la data errata del 1906. È la maggiore delle due figlie di John Henderson Moorehead, ministro presbiteriano, e di Mary Mildred McCauley. Le sue origini sono irlandesi, scozzesi, inglesi e gallesi. Cresce tra Ohio e Missouri in un ambiente severo, colto, profondamente religioso. A tre anni recita già le preghiere davanti alla congregazione del padre: è lì che scopre il potere della parola e impara, quasi istintivamente, a dominare un pubblico.
Riceve un’educazione solida e completa. Si laurea al Muskingum College nel 1923 e prosegue con studi in letteratura e arte oratoria all’Università del Wisconsin. Per un periodo sembra orientata verso un percorso accademico, ma la vocazione teatrale prevale. Alla fine degli anni Venti si trasferisce a New York e si iscrive all’American Academy of Dramatic Arts, diplomandosi nel 1929.
Il teatro è il primo banco di prova, ma è la radio a renderla una presenza familiare nelle case americane. La sua voce — duttile, intensa, capace di sfumature drammatiche e ironiche — diventa una delle più richieste, soprattutto nel celebre programma Suspense della CBS. L’incontro decisivo avviene a metà anni Trenta con Orson Welles, che la vuole nel suo Mercury Theatre, tra le realtà più innovative del panorama teatrale e radiofonico dell’epoca. Moorehead entra in quella cerchia di attori che faranno il salto a Hollywood.
Il debutto cinematografico arriva nel 1941 con Quarto potere. È Mary Kane, la madre che sceglie di separarsi dal figlio per garantirgli un futuro migliore. Compare in una sola sequenza, ma la fermezza del gesto e l’intensità dello sguardo imprimono al personaggio un peso che attraversa l’intero film.
L’anno successivo Welles le affida il ruolo che la consacra: Fanny Minafer ne L’orgoglio degli Amberson. Zitella frustrata, nevrotica, patetica e feroce insieme, Fanny è una figura quasi grottesca ma profondamente umana. La sua interpretazione le vale la prima candidatura all’Oscar come miglior attrice non protagonista. È una prova di grande modernità psicologica, in un film che resterà segnato dalle mutilazioni imposte dallo studio.
Moorehead arriva tardi al cinema — ha quarant’anni al debutto — e manca completamente la stagione più turbolenta degli anni Trenta hollywoodiani. Negli anni Quaranta e Cinquanta diventa però una presenza costante, soprattutto alla MGM. Interpreta numerose mogli e madri, spesso rurali o piccolo-borghesi, ruoli che non sempre le consentono grande sviluppo drammatico, ma che contribuiscono a renderla un volto familiare.
Fisicamente inconfondibile — minuta, capelli rosso ramato, zigomi alti, lineamenti spigolosi — possiede una fisionomia che può apparire aristocratica o dimessa, severa o ironica a seconda del contesto. I suoi occhi, vivacissimi, tradiscono spesso un lampo di intelligenza e sarcasmo. Può essere più aristocratica di alcune colleghe specializzate in dame dell’alta società, più aspra delle zitelle professionali, più popolare delle madri proletarie. Talvolta perfino eccessiva, ma mai neutra.
Tra i ruoli che meglio rivelano la sua gamma espressiva vi è la zia severa e laboriosa in Johnny Belinda, accanto a Jane Wyman. In un ambiente rurale povero e chiuso, il suo personaggio contribuisce a creare quell’atmosfera di durezza morale che sostiene l’intero impianto del film.
Negli anni Sessanta torna a un registro più luminoso in Il segreto di Pollyanna, dove la rigidità iniziale del suo personaggio, la signora Snow, si incrina gradualmente sotto l’influenza della protagonista. È un esempio di come Moorehead sappia modulare l’autorità senza irrigidirla.
La sua naturale regalità trova piena espressione ne Il cigno, dove interpreta la regina Maria Dominika: una sovrana formale, composta, appartenente a quella galleria di matriarche aristocratiche che costellano la sua carriera.
All’estremo opposto si colloca la domestica Velma Cruther in Piano… piano, dolce Carlotta, ruolo volutamente sopra le righe che le vale un’ulteriore candidatura all’Oscar. Una prova controversa, ma indicativa della sua disponibilità a spingersi verso registri più grotteschi e camp.
Parallelamente interpreta professioniste, direttrici di carcere, donne d’affari, nobildonne e regine. La sua carriera si sviluppa per oltre sessanta film, attraversando generi diversi, dagli adattamenti letterari ai melodrammi, dai musical ai thriller.
La consacrazione popolare definitiva arriva però con la televisione. Dal 1964 al 1972 è Endora nella serie Vita da strega: madre pungente, potente, ironica, in aperto conflitto con il conformismo borghese. Il personaggio, quasi una matriarca soprannaturale, le regala una notorietà superiore a quella ottenuta in tre decenni di cinema.

Nella vita privata è riservata, profondamente religiosa, legata alla madre e alla proprietà di famiglia in Ohio, che continua a mantenere per tutta la vita. Si sposa due volte: prima con l’attore radiofonico John Griffith Lee (1930-1952), poi con Robert Gist (1953-1958). Nel 1950 diventa madre affidataria di un bambino, Sean. Vive a Beverly Hills nella sua “Villa Agnese”, dove conduce un’esistenza elegante ma lontana dallo scandalo.
Muore il 30 aprile 1974, per complicazioni legate a un tumore all’utero.

Anne Revere

Nasce a New York il 25 giugno 1903 in una famiglia agiata e colta. È discendente diretta di Paul Revere, l’orafo e patriota della Rivoluzione Americana passato alla storia per la celebre cavalcata notturna del 18 aprile 1775, quando avvertì i coloni dell’arrivo delle truppe britanniche, contribuendo a preparare la resistenza che avrebbe dato avvio alla Guerra d’Indipendenza. Un nome, il suo, che negli Stati Uniti richiama immediatamente le origini della nazione.
Il padre, Clinton Revere, è un agente di cambio; Anne cresce tra l’Upper West Side di Manhattan e Westfield, nel New Jersey, dove si diploma alla Westfield High School. Nel 1926 si laurea al Wellesley College. Nonostante l’interesse per la recitazione, durante gli anni scolastici non riesce a entrare nei gruppi teatrali e anche al college incontra inizialmente qualche difficoltà. Solo più tardi riesce a entrare nei corsi di arte drammatica del college e da quel momento decide di tentare seriamente la strada del teatro.
Negli anni Trenta debutta a Broadway. Nel 1933 ottiene un successo personale in Double Door di Elizabeth McFadden; quando il testo viene adattato per il cinema nel 1934 con il titolo La porta segreta, è l’unica attrice del cast teatrale a essere confermata nella versione cinematografica. È un passaggio importante, ma per tutti gli anni Trenta resta principalmente legata al palcoscenico.
Alta, longilinea, con lineamenti decisi e uno sguardo fermo, Anne Revere porta sullo schermo un’eleganza sobria e una naturale autorevolezza. Non è un’attrice di eccessi: lavora per sottrazione, con misura, lasciando che siano le pause e l’espressione del volto a raccontare i conflitti interiori. Proprio queste caratteristiche la rendono perfetta per ruoli di madri comprensive ma ferme, sorelle maggiori responsabili, donne della buona borghesia guidate da un forte senso morale. I suoi personaggi non sono mai caricature: anche quando rappresentano l’autorità, conservano sempre una dimensione umana, spesso segnata dalla preoccupazione e dal sacrificio.
La consacrazione cinematografica arriva nel 1943 con Bernadette di Henry King, dove interpreta la madre della giovane protagonista interpretata da Jennifer Jones. Il ruolo le vale la prima nomination all’Oscar come miglior attrice non protagonista. L’anno successivo ottiene una seconda candidatura con Gran premio di Clarence Brown, nei panni della madre affettuosa e determinata della giovane cavallerizza interpretata da Elizabeth Taylor; questa volta l’Academy le assegna la statuetta.
Negli anni successivi consolida la propria immagine di madre autorevole e figura morale di riferimento. È la madre della tormentata Gene Tierney ne Il castello di Dragonwyck i Joseph L. Mankiewicz e torna a incarnare una presenza familiare forte e comprensiva accanto a Gregory Peck in Barriera invisibile (1947) di Elia Kazan, film che affronta il tema dell’antisemitismo nella società americana.
In Dietro la porta chiusa (1948) di Fritz Lang offre una variazione più sfumata del proprio repertorio abituale, interpretando la sorella del personaggio di Michael Redgrave: una donna attenta e silenziosa, la cui presenza contribuisce a costruire l’atmosfera inquieta del film. Nel 1951 appare in Un posto al sole di George Stevens, ancora una volta in un ruolo materno, questa volta accanto a Montgomery Clift ed Elizabeth Taylor, confermando la sua capacità di dare spessore e credibilità anche a presenze di contorno.

All’inizio degli anni Cinquanta la sua carriera subisce però una brusca battuta d’arresto. Convocata davanti alla Commissione per le Attività Antiamericane, Anne Revere si appella al Quinto Emendamento della Costituzione degli Stati Uniti — il diritto a non rispondere a domande che possano auto-incriminare — rifiutando di dichiarare eventuali appartenenze politiche. Una scelta legittima sul piano giuridico, ma che a Hollywood equivale, di fatto, a una condanna professionale. Il suo nome viene inserito nella blacklist e gli studios cessano di offrirle lavoro. In quegli anni circolano anche voci su presunte simpatie progressiste e sull’esistenza di documenti legati ad associazioni politiche, elementi mai chiariti in modo definitivo ma sufficienti ad alimentare i sospetti.
Un posto al sole resta così il suo ultimo film hollywoodiano per lungo tempo e, negli anni immediatamente successivi, il suo nome viene progressivamente ridimensionato nella promozione e nelle riproposizioni del film. Costretta ad allontanarsi dal cinema, Anne Revere torna al teatro, dove continua a lavorare con continuità e prestigio. Nel 1960 ottiene un importante riconoscimento vincendo il Tony Award come miglior attrice non protagonista per "Toys in the Attic" di Lillian Hellman, segnando una sorta di riscatto artistico dopo gli anni difficili della blacklist.
Ritiratasi nella Locust Valley, nello Stato di New York, Anne Revere muore il 18 dicembre 1990 a causa di un enfisema polmonare. 

Eve Arden

Nasce il 30 aprile 1912 a Mill Valley, in California, come Eunice Mary Quedens, figlia dell’attrice teatrale Lucille Frank e di Charles Quedens, direttore di una compagnia di mulini a vento. Dopo il divorzio dei genitori, cresce con la madre, che continua a lavorare sulle scene e la introduce fin da giovanissima al mondo dello spettacolo. Ancora bambina, accompagna spesso la madre in tournée e sviluppa una precoce familiarità con il palcoscenico, dimostrando un carattere vivace e un’intelligenza fuori dal comune. Durante l’adolescenza si trasferisce con la famiglia a Los Angeles, dove frequenta la Tamalpais High School e successivamente la University of Southern California, che lascia però prima di laurearsi per dedicarsi completamente alla recitazione.
All’inizio degli anni Trenta debutta a Broadway, entrando a far parte delle celebri Ziegfeld Follies, dove si fa notare per il suo spirito ironico, la voce calda e la perfetta dizione. È in questo periodo che decide di adottare il nome d’arte Eve Arden, ritenendo il proprio troppo complicato e poco adatto alla carriera cinematografica. Sul palcoscenico dimostra fin da subito un innato talento per la battuta rapida e pungente, qualità che diventerà il suo marchio distintivo.
Il debutto cinematografico avviene a metà degli anni Trenta, ma è con Palcoscenico (1937) di Gregory La Cava che il pubblico comincia a riconoscerla. Qui interpreta un’aspirante attrice che si chiama Eve, proprio come lei, brillante e disincantata, pronta a osservare con ironia l’ambiente teatrale che la circonda e a commentare con spirito tagliente le ambizioni delle colleghe. Il ruolo contribuisce a definire la sua immagine cinematografica: una donna intelligente, sarcastica e perfettamente consapevole del mondo che la circonda.
Dotata di una mente pronta e di un senso dell’umorismo particolarmente raffinato, Eve Arden acquisisce presto la fama di interprete capace di arricchire i dialoghi con osservazioni fulminanti. Molte delle sue battute più mordaci nascono da improvvisazioni tanto efficaci da essere regolarmente mantenute dai registi, che finiscono per concederle una certa libertà creativa sul set, chiudendo un occhio anche sulla sua ben nota tendenza ad arrivare in ritardo alle riprese. Celebre, tra i colleghi, è anche la sua passione per i cappellini, accessorio di cui possedeva un’impressionante collezione e che contribuiva a definire la sua immagine elegante e ironica anche fuori dallo schermo.
Fisico slanciato, lineamenti decisi e uno sguardo vivace sempre pronto al commento ironico, Eve Arden diventa presto l’incarnazione di una tipologia ben precisa: donne forti, intelligenti, ironiche, spesso più lucide e concrete delle protagoniste. Interpreta con naturalezza segretarie efficienti, assistenti fedeli, amiche leali e disincantate, figure capaci di sostenere le eroine senza mai perdere la propria individualità. I suoi personaggi, pur collocati ai margini dell’azione principale, rappresentano spesso la voce della ragione e dell’esperienza.
Negli anni Quaranta si afferma come una delle più brillanti caratteriste della Warner Bros. In Fascino (1944) di Charles Vidor è Cornelia, sofisticata e ironica amica della protagonista interpretata da Rita Hayworth. L’anno successivo arriva il ruolo che la consacra definitivamente: Ida Corwin ne Il romanzo di Mildred (1945) di Michael Curtiz, amica sincera e pragmatica di Joan Crawford. L’interpretazione, costruita su un perfetto equilibrio tra ironia e calore umano, le vale la nomination all’Oscar come miglior attrice non protagonista.
Continua a muoversi con grande disinvoltura tra commedia e musical. In Tè per due (1950) affianca Doris Day nei panni della brillante e pratica confidente della protagonista, mentre in Matrimoni a sorpresa (1952) dove interpreta la disillusa moglie di Paul Douglas, conferma la propria abilità nel delineare personaggi secondari memorabili, sempre contraddistinti da spirito e intelligenza.
Parallelamente al cinema, Eve Arden costruisce una carriera di grande successo alla radio e alla televisione. Il programma radiofonico Our Miss Brooks, in cui interpreta un’insegnante spiritosa e indipendente, diventa un fenomeno popolare e viene successivamente adattato per il cinema e per la televisione. Tra il 1957 e il 1958 ottiene anche un programma personale, The Eve Arden Show, che consolida ulteriormente la sua popolarità presso il pubblico americano.
Negli anni successivi si dedica soprattutto alla televisione e al teatro, senza abbandonare del tutto il grande schermo. Torna al cinema in età più matura con apparizioni scelte con cura, tra cui quella, molto amata dal pubblico, in Grease (1978), dove interpreta la severa ma ironica preside McGee.

Nella vita privata si sposa nel 1939 con Ned Bergen, da cui divorzia nel 1947; l’anno seguente si unisce all’attore Brooks West, con il quale resta fino alla morte di lui nel 1984. La coppia adotta quattro figli. Donna colta e riservata, è ricordata dai colleghi per l’intelligenza acuta, la professionalità e la capacità di osservare con ironia il mondo dello spettacolo.
Eve Arden muore il 12 novembre 1990 a Los Angeles, all’età di 78 anni a causa di un attacco di cuore.

Lucile Watson

Nasce il 27 maggio 1879 in Québec, in Canada, e cresce a Ottawa in una famiglia agiata e rispettabile. Il padre, Thomas Charles Watson, è maggiore nell’esercito britannico, mentre la madre, Leila Morlet, è di origine francese. L’educazione è rigorosa e tradizionale, completata dagli studi in un collegio religioso. Per una giovane donna del suo ambiente il futuro sembra già definito, ma contro il desiderio paterno Lucile decide di trasferirsi a New York e iscriversi all’American Academy of Dramatic Arts nel 1900. La città rimarrà la sua casa per oltre sessant’anni.
Debutta professionalmente sulle scene nel 1902 con Hearts Aflame e attira presto l’attenzione del drammaturgo Clyde Fitch, diventando una delle attrici di punta del produttore Charles Frohman. Tra anni Venti e Trenta è una presenza autorevole del teatro americano e londinese, interprete raffinata di testi sofisticati e classici, tra cui Ghosts di Ibsen e The Importance of Being Earnest di Oscar Wilde, dove offre una Lady Bracknell molto apprezzata.
Nel 1928, a cinquant’anni, sposa il romanziere e drammaturgo Louis Weitzen Shiman. Era il secondo matrimonio per entrambi; in gioventù era stata brevemente sposata con l’attore canadese Rockcliffe Fellows, un’unione poi tenuta lontana dalla pubblicità. Dopo le nozze si ritira temporaneamente dalle scene e si trasferisce in Francia, ma la morte improvvisa del marito nel 1933 la costringe a tornare al lavoro, prima a teatro e poi al cinema.
Lucile Watson diventa celebre per i suoi ruoli di formidable dowagers, grandi dame aristocratiche e vedove di rango dall’autorità indiscussa. Come Gladys Cooper, sua contemporanea e naturale termine di paragone, è specializzata in figure di alto lignaggio, titolate o meno, che immaginiamo in interni eleganti e perfettamente arredati. A differenza della Cooper, tuttavia, Watson può essere severa senza risultare respingente. Sotto l’apparenza glaciale si intravede sempre una traccia di calore. La differenza sta negli occhi e nella presenza fisica: quelli della Cooper sono celebri per l’immobilità aristocratica, mentre quelli di Watson, meno perfetti ma più espressivi, lasciano spesso trapelare un lampo ironico, un divertimento sottile davanti alle stranezze della vita. Più corpulenta e terrena della collega inglese, possiede una concretezza che rende i suoi personaggi meno marmorei e più umani. Interpreta con naturalezza madri, nonne, zie e suocere di ferro, donne abituate a comandare e a osservare il mondo con lucidità, ma quasi sempre dotate di una vena di comprensione.
Il primo contatto con il cinema avviene nel 1930 con una piccola parte in The Royal Family of Broadway, film ispirato ai Barrymore e co-diretto dall’amico George Cukor. È però solo dal 1934 che la sua carriera hollywoodiana prende realmente avvio. L’affermazione è lenta: negli anni Trenta vede diversi suoi successi teatrali trasformati in film senza di lei. In No More Ladies (1935) e Yes, My Darling Daughter (1939) i ruoli che aveva interpretato a Broadway vengono affidati ad altre attrici, mentre nel primo adattamento cinematografico di Pride and Prejudice (1940) il ruolo di Mrs. Bennet va a Mary Boland.  
Il primo ruolo di rilievo arriva con Il giardino di Allah (1936), dove interpreta la Madre Superiora: la figura della donna anziana autorevole e dispensatrice di consigli diventerà una costante del suo repertorio.
Nel 1939 George Cukor la chiama in Donne, accanto a Norma Shearer, Joan Crawford e Rosalind Russell. In questo celebre film interamente femminile è la madre saggia e ironica della protagonista interpretata dalla Shearer, presenza stabile e rassicurante nel turbolento universo mondano della storia.
Forse la sua interpretazione più celebrata resta Fanny Farrelly in Quando il giorno verrà. Dopo aver portato in scena il dramma antifascista di Lillian Hellman a Broadway nel 1941, riprende il ruolo sullo schermo nel 1943 accanto a Paul Lukas. È una vedova ricca e autoritaria costretta a confrontarsi con l’irruzione del nazismo nella propria casa. Per questa interpretazione ottiene l’unica candidatura all’Oscar come miglior attrice non protagonista.
Nel 1940 è Margaret Cronin ne Il ponte di Waterloo, madre di Robert Taylor e suocera di Vivien Leigh: un’aristocratica in declino che cerca di conciliare dovere sociale e comprensione umana. Interpreta la madre di William Powell in L’uomo ombra torna a casa (1944), la nonna ne I racconti dello zio Tom, la principessa Bitotska ne Il valzer dell’imperatore (1948) di Billy Wilder e zia March nella versione di Piccole donne del 1949.
Nel corso di trentacinque film e diciassette anni di attività cinematografica lavora per tutte le principali case di produzione e con registi come Cukor, Mervyn LeRoy, King Vidor, W. S. Van Dyke, Alfred Hitchcock e Billy Wilder. I suoi ruoli si dividono equamente tra commedia e dramma, spesso declinati nella figura della madre o della suocera autorevole, talvolta invadente, ma quasi sempre attraversata da un sottile humour.

Dopo sette intensi anni negli anni Quaranta dedicati quasi esclusivamente al cinema, nel 1950 abbandona Hollywood e torna a Broadway con Ring Round the Moon, The Bat e Late Love. Terminata quest’ultima produzione, annuncia il ritiro dalle scene.
Lucile Watson vive poi in discreta tranquillità nella sua casa di New York fino al 24 giugno 1962, quando muore per un attacco cardiaco. 

Hermione Baddeley 

Nasce il 13 novembre 1906 a Broseley, nello Shropshire, come Hermione Youlanda Ruby Clinton-Baddeley, ultima di quattro figlie di William Herman Clinton-Baddeley e Louise Bourdin. Il nome Hermione le viene imposto dal padre, che lo sceglie ispirandosi alla mitologia greca: Hermione era la figlia di Elena di Troia e Menelao, mentre il riferimento più diretto, nelle intenzioni paterne, era al dio Hermes, messaggero degli dei e protettore dei viaggiatori. Un nome importante, quasi solenne, che tuttavia per il padre non attenua la delusione di trovarsi davanti l’ennesima figlia femmina.
La madre, francese, aveva avuto una giovinezza cosmopolita e un promettente talento musicale: studi al Royal College of Music, concerti e tournée con Gilbert & Sullivan, prima di rinunciare alla carriera dopo il matrimonio. Sarà lei la figura determinante nella formazione di Hermione, unendo disciplina ferrea e senso aristocratico della dignità anche nei momenti più difficili.
Dopo la separazione dal marito, Louise si trasferisce a Londra con le figlie e apre una pensione a Lancaster Gate che diventa presto un vivace punto d’incontro per artisti e musicisti. In quell’ambiente teatrale e improvvisato Hermione e la sorella Angela crescono tra recite, canzoni e piccoli spettacoli per gli ospiti. Studiano alla scuola d’avanguardia di Margaret Morris a Chelsea, dove Hermione scopre di non avere grande inclinazione per la danza ma una naturale vocazione per la recitazione e la trasformazione scenica.
A sedici anni ottiene un successo clamoroso con The Likes of ’Er, che la rende improvvisamente celebre e la introduce nei salotti mondani della Londra degli anni Venti. In una festa nella casa dell’arredatrice Syrie Maugham incontra David Tennant, aristocratico scozzese ricchissimo, affascinante e colto, figura centrale della vita mondana londinese. Tennant è il fondatore del Gargoyle Club, esclusivo circolo privato di Soho e vero epicentro della vita mondana e artistica londinese degli anni Venti. Tra le sue sale si incontrano aristocratici, attori, scrittori e pittori — da Noël Coward a Tallulah Bankhead fino, negli anni successivi, a Francis Bacon — in un ambiente libero e cosmopolita che diventa il cuore dei cosiddetti Bright Young Things, la generazione ribelle e scintillante dell’alta società inglese del dopoguerra, nota per feste sfarzose, spirito provocatorio e anticonformismo. Hermione ne è ben presto presenza costante e figura centrale accanto a Tennant.
Il loro rapporto, intenso e fuori dagli schemi, si complica quando Hermione scopre di essere incinta e i due non sono ancora sposati. Nella Londra degli anni Venti una maternità fuori dal matrimonio può compromettere irrimediabilmente la reputazione di una giovane attrice. La madre di Hermione teme che la carriera della figlia venga distrutta sul nascere, mentre David, colto alla sprovvista, arriva a proporle di entrare in una clinica fingendo un’appendicite e risolvere la situazione lontano da sguardi indiscreti. Hermione non prende nemmeno in considerazione l’idea: è determinata a tenere il bambino e a continuare a lavorare.
Dopo la nascita della piccola Pauline, la bambina viene affidata a una balia nel Surrey, in campagna, mentre Hermione prosegue l’attività teatrale a Londra, raggiungendo la figlia ogni fine settimana. David, affettuoso e presente, si comporta fin da subito come un padre. L’equilibrio, già fragile, viene scosso quando la madre di lui scopre l’esistenza della bambina e prova a intervenire per allontanarlo da quella relazione scomoda, immaginando per il figlio un’unione più adatta al suo rango. Ma David, consapevole del rischio di perderla, torna deciso sui propri passi: chiede a Hermione di sposarlo senza ulteriori indugi e nel 1928 i due si uniscono finalmente in matrimonio.
 Nello stesso periodo Hermione riceve un’offerta hollywoodiana: Louis B. Mayer vorrebbe metterla sotto contratto per farne una star comica del sonoro. Il vincolo di sette anni, la recente maternità e le resistenze di Tennant fanno però sfumare l’occasione. Hermione guarderà sempre a quell’opportunità mancata con una certa curiosità.
Negli anni Trenta è una presenza costante del West End. Lavora nelle grandi revue londinesi come On with the Dance, entra nel teatro di prosa con The Forest al St Martin’s Theatre e recita accanto a giovani attori destinati a diventare leggende, come John Gielgud. Il suo mondo resta però quello del palcoscenico e della vita artistica londinese. Il matrimonio con Tennant si conclude con il divorzio nel 1937; lui morirà l’anno seguente. Nel 1940 Hermione si risposa con il maggiore J.H. “Dozey” Willis, ufficiale dell’esercito, uomo più stabile e lontano dall’ambiente bohémien.
Fisico minuto, volto mobile e una voce roca inconfondibile, Hermione Baddeley non corrisponde ai canoni della protagonista cinematografica tradizionale. Porta però sullo schermo un’energia straordinaria, ereditata dal music hall e dalla revue. I suoi personaggi sono donne popolari, eccentriche, spesso disilluse o ironiche, domestiche, locandiere, ubriache dal cuore tenero o aristocratiche decadute. Figure sempre vive, mai puramente comiche, attraversate da un fondo di malinconia.
Il cinema arriva davvero per lei solo dopo la guerra, quando il realismo britannico apre spazio ai caratteristi. In Brighton Rock (1947) e Passaporto per Pimlico (1949) offre ritratti vividi di donne del popolo, eccentriche e combattive. La svolta decisiva giunge nel 1959 con La strada dei quartieri alti: nel ruolo di Elspeth, donna sola e alcolizzata, costruisce un personaggio tragico e ironico insieme che le vale la nomination all’Oscar come miglior attrice non protagonista e la impone all’attenzione internazionale.
Negli anni successivi alterna cinema britannico e hollywoodiano, imponendosi come una delle più riconoscibili caratteriste inglesi sullo schermo. È la signora Cratchit nel Canto di Natale di Dickens Lo schiavo dell’oro (1951), la barista in Merletto di mezzanotte (1960), la domestica Ellen in Mary Poppins (1964), la vivace nobildonna amica di Debbie Reynolds in Voglio essere amata in un letto d’ottone (1964), l’eccentrica proprietaria della villa di Doris Day in Non disturbate (1965) e di nuovo la cameriera per Walt Disney in Il più felice dei miliardari (1967). 

Anche nel doppiaggio lascia un segno inconfondibile: presta la voce a Madame ne Gli Aristogatti e alla severa zia Bisbetica in Brisby e il segreto del NIMH (cartone che ha traumatizzato almeno due generazioni).
Hermione Baddeley muore a Los Angeles il 19 agosto 1986, a settantanove anni, in seguito a un ictus.

Eccoci giunti al termine del viaggio. Come vi dicevo mi aveva lasciato un po' amareggiata non trovare le loro vite raccontate, nemmeno su siti americani. Ho avuto la fortuna di poter leggere le loro autobiografie e biografie, e mi sono resa conto che certe loro avventure meritavano un posto in questa "rete larga quanto il mondo".

E se anche voi oggi rivedendole ricorderete qualche aneddoto della loro vita, beh, la mia missione allora sarà compiuta. 

Alla prossima! 

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Ci sono attori che conquistano con il fascino, la bellezza e il carisma. E poi ci sono loro, i caratteristi, che con un sorriso, una battuta o uno sguardo riescono a rubare la scena, facendo battere il cuore agli spettatori senza bisogno di riflettori puntati. Per me, questi attori sono come vecchi amici: quando li riconosco in un film, mi sento a casa, pronta a lasciarmi travolgere dalla loro magia.
Questa volta, ho deciso di portarvi con me in un altro viaggio attraverso il mondo di quei volti familiari che hanno reso indimenticabile il cinema americano classico. Parleremo di uomini che, con il loro talento, hanno trasformato i ruoli di contorno in piccoli gioielli di recitazione. Attori come Cecil Kellaway, con la sua faccia bonaria che cela sempre un pizzico di malizia, o Henry Travers, che con un solo gesto riusciva a trasmettere una dolcezza infinita. Troverete Harry Davenport, il nonno che tutti avremmo voluto avere, e Barry Fitzgerald, con quel sorriso che sembra spuntare da una favola irlandese. Non può mancare Walter Brennan, il re dei "vecchietti" burberi ma irresistibili, e infine James Gleason, la dinamite irlandese sempre pronta a scoppiare con il suo carisma e la sua energia.
Questi attori sono l’anima vibrante del cinema che amo. Attraverso ruoli spesso piccoli, hanno saputo raccontare storie di vita con una profondità che solo i grandi artisti possono raggiungere. E allora, mettetevi comodi, perché oggi torniamo a scoprire il cuore pulsante del cinema: i caratteristi. 

Ah, trovate gli altri articoli che ho scritto finora su questa speciale categoria di attori, qui.

1) Cecil Kellaway

Nasce il 22 agosto 1893 a Città del Capo, in Sudafrica, terra lontana dalle luci di Hollywood, e forse anche per questo sembra destinato a un futuro diverso. Cecil Kellaway è figlio di genitori inglesi, Rebecca Annie e Edwin John Kellaway, un architetto e ingegnere giunto in Sudafrica per contribuire alla costruzione del Parlamento. La sua famiglia non è solo legata alla professione paterna: Edwin è amico del magnate minerario Cecil Rhodes, che non solo gli dà il nome ma diventa anche il padrino del piccolo Cecil. Cresciuto in un ambiente stimolante, diviso tra ambizioni pratiche e un ricco patrimonio culturale, Cecil frequenta il Normal College a Città del Capo e poi il Bradford Grammar School in Inghilterra. Nonostante inizi a lavorare in una ditta di ingegneria elettrica, il teatro lo chiama irresistibilmente, portandolo a lasciare quel percorso per seguire la sua vera passione.

Inizia così una carriera teatrale che lo vede dapprima protagonista nei teatri sudafricani, per poi trasferirsi in Australia, dove raggiunge grande successo. Qui diventa una figura di spicco, non solo come attore ma anche come autore di commedie. Una delle sue opere, It Isn’t Done, cattura l’attenzione del regista William Wyler, che lo spinge a tentare la fortuna a Hollywood.

A Hollywood, Cecil diventa subito uno dei caratteristi più apprezzati, grazie al suo volto simpatico, il sorriso malizioso e la capacità di interpretare personaggi amabili ma mai banali. Si specializza in ruoli che uniscono ironia e profondità: spesso è il padre affettuoso, l’uomo saggio o l’eccentrico dispensatore di consigli. La sua bravura emerge chiaramente in Ho sposato una strega (1942), dove interpreta Daniel, il padre burlone e complice della strega Veronica Lake, e in Il postino suona sempre due volte (1946), dove veste i panni di Nick Smith, il marito ingenuo che si ritrova vittima di un piano diabolico orchestrato dalla moglie e dal suo amante.

Il suo talento non si limita a ruoli realistici: in L’isola del desiderio (1948), ottiene la sua prima candidatura all’Oscar per il ruolo di un folletto irlandese stravagante che guida il protagonista con saggezza e un pizzico di magia. In Harvey (1950), interpreta il Dr. Chumley, il medico che dapprima scettico si convince dell’esistenza del coniglio immaginario del protagonista. È un bizzarro folletto che aiuta Tyrone Power in L'isola del desiderio.  In Delitto sulla spiaggia (1955), è un truffatore che si muove tra inganni insieme alla consorte ai danni di Joan Crawford. Si distingue anche in Dimmi la verità (1958), dove interpreta il Capitano Joe accanto a Sandra Dee e Beulah Bondi. L’apice della sua carriera arriva forse con Indovina chi viene a cena (1967), dove interpreta Monsignor Ryan, una figura affettuosa e mediatrice che affronta con sensibilità le tensioni culturali al centro della trama. Questo ruolo gli vale la sua seconda candidatura all’Oscar come miglior attore non protagonista.

La carriera di Cecil Kellaway è segnata dalla sua capacità di portare sullo schermo personaggi che, sebbene secondari, rimangono impressi nella memoria. Lavora senza sosta fino agli anni ’70, regalando sempre interpretazioni di grande qualità. Si spegne il 28 febbraio 1973 a Hollywood, lasciando un’eredità di ruoli indimenticabili che continuano a incantare generazioni di spettatori.

2) Henry Travers

Nasce il 5 marzo 1874 a Berwick-upon-Tweed, una cittadina del Northumberland, nel nord dell’Inghilterra. Figlio di un costruttore edile, Henry Travers – il cui vero nome è Travers John Heagerty – cresce con una spiccata curiosità per le arti, pur intraprendendo inizialmente studi di architettura. Tuttavia, il richiamo del teatro è troppo forte, e decide di abbandonare il percorso accademico per dedicarsi alla recitazione. Dopo essersi formato sui palcoscenici inglesi, si trasferisce negli Stati Uniti nei primi anni del Novecento, dove inizia una brillante carriera teatrale che lo porta a esibirsi a Broadway in ruoli sempre più importanti.
La sua versatilità gli consente di distinguersi in numerose produzioni teatrali, inclusa un’acclamata versione di Pygmalion di George Bernard Shaw. Nonostante il successo sul palco, il debutto cinematografico arriva tardi: ha già quasi sessant’anni quando Sidney Franklin lo scrittura per il film Notturno viennese (1933). Da quel momento, Travers diventa un volto familiare sul grande schermo, grazie al suo stile recitativo misurato e alla capacità di infondere umanità e profondità nei personaggi che interpreta.
Travers si specializza in ruoli di figure paterne, saggi di campagna, dottori e nobili eccentrici, sempre con un tocco di leggerezza e ironia. Nel film Colpo di fulmine (1941), è il professor Jerome, uno dei bizzarri accademici che ospitano Barbara Stanwyck nella loro casa, in una commedia che combina romanticismo e situazioni farsesche. L’anno successivo interpreta Mr. Ballard in La signora Miniver (1942), un floricoltore il cui amore per i fiori diventa un simbolo della resistenza durante la guerra. La delicatezza della sua performance gli vale una candidatura all’Oscar come miglior attore non protagonista.
Travers continua a distinguersi in ruoli di grande spessore. In Madame Curie (1943), interpreta Eugene Curie, il padre della celebre scienziata, con una grazia che completa la performance di Greer Garson. Nel noir di Alfred Hitchcock L’ombra del dubbio (1943), veste i panni di Joseph Newton, il cognato del protagonista, un uomo curioso che ama leggere romanzi gialli e si ritrova coinvolto nei sospetti di un omicidio. Mostra anche un lato più severo in Le campane di Santa Maria (1945), dove interpreta un imprenditore spietato e inizialmente ostile ai protagonisti. Nel commovente Il cucciolo (1946), è Mr. Boyles, il negoziante che offre conforto alla famiglia protagonista.
L’apice della sua carriera arriva con La vita è meravigliosa (1946), dove interpreta Clarence Oddbody, l’adorabile “angelo di seconda classe” che deve guadagnarsi le ali salvando il protagonista George Bailey dal suicidio. Clarence è uno dei personaggi più amati del cinema classico, e Travers riesce a rendere iconiche battute come: «Ricorda che nessun uomo è un fallito finché ha degli amici». La sua interpretazione tocca le corde emotive del pubblico e lo consacra come una figura indimenticabile.
Henry Travers, con il suo stile sobrio e profondamente umano, rappresenta una figura unica nel cinema classico americano. La sua carriera, che si estende fino al 1949 con il suo ultimo film La foglia di Eva, lascia un’impronta indelebile. Si ritira a vita privata dopo aver regalato al pubblico interpretazioni memorabili. Muore il 18 ottobre 1965 a Hollywood, all’età di 91 anni.

3) Harry Davenport

Nasce il 19 gennaio 1866 a New York, città che brulica di teatri e fermento artistico. Cresce in una famiglia che vive di spettacolo, e per lui il palcoscenico diventa un destino già scritto: debutta da bambino a soli cinque anni, e da quel momento la recitazione diventa una parte integrante della sua vita. Davenport passa la sua giovinezza calcando le scene di Broadway, dove il suo talento e la sua dedizione lo portano a diventare una figura rispettata tra i colleghi. È qui che incontra Phyllis Rankin, attrice e sua compagna di vita, con cui condivide non solo il palcoscenico ma anche una famiglia.
Non è solo un attore, ma un uomo determinato a migliorare le condizioni di chi, come lui, vive del mestiere teatrale. All’inizio del Novecento, quando il lavoro per gli attori è duro e spesso malpagato, Davenport guida una protesta storica insieme a Eddie Foy. Con grande tenacia, riescono a ottenere diritti fondamentali per i lavoratori dello spettacolo, come una settimana lavorativa ridotta e l’installazione di acqua corrente nei camerini, un gesto che segna un momento di svolta per il teatro americano. Questa capacità di lottare per ciò in cui crede resterà una costante nella sua vita, sia personale che artistica.
Davenport si avvicina al cinema nel 1914, quando è già un uomo maturo, e per un breve periodo si dedica anche alla regia. Tuttavia, il richiamo della recitazione è troppo forte, e presto si concentra esclusivamente sul suo lavoro di attore. Con la sua figura imponente, i capelli candidi e uno sguardo che sa alternare dolcezza e autorità, diventa il volto perfetto per interpretare giudici, medici, patriarchi e anziani saggi.
Uno dei suoi ruoli più celebri arriva con Via col vento (1939), dove interpreta il Dr. Meade, il medico di Atlanta che affronta la tragedia della Guerra Civile con calma e dignità. Nello stesso anno, veste i panni di Re Luigi XI in Notre Dame, mostrando la sua abilità nel dare vita a figure storiche. Ma Davenport è anche il nonno che tutti vorremmo: nel 1944, incarna il tenero e rassicurante patriarca della famiglia Smith in Incontriamoci a St. Louis, una delle sue interpretazioni più memorabili.
La sua carriera è un susseguirsi di ruoli iconici che mettono in luce la sua versatilità: è il Giudice Payson in Il coraggio di Lassie (1946) e il Giudice Thaddeus Turner, lo zio saggio e severo in Vento di primavera (1947). È il padre di Nick Charles in L’uomo ombra torna a casa e nel film Piccole donne (1949), interpreta il Dr. Barnes, portando ancora una volta sullo schermo quella combinazione di autorevolezza e calore umano che lo rende unico.
Con oltre 160 film all’attivo, Harry Davenport è un simbolo di dedizione al mestiere di attore. Lavora instancabilmente fino alla fine dei suoi giorni e si spegne il 9 agosto 1949 a Los Angeles, per un attacco cardiaco. Un giornale dell’epoca lo definisce “il caratterista dai capelli bianchi” con “la carriera più lunga nella storia della recitazione americana,” un omaggio a un uomo che ha lasciato un’impronta indelebile nella storia del cinema.

4) Barry Fitzgerald

Vi sembrerà strano, ma Barry Fitzgerald, una delle presenze più amate del cinema classico, nasce il 10 marzo 1888 a Dublino, in Irlanda, lontano da Hollywood e dai suoi riflettori. Il suo vero nome è William Joseph Shields, e fin da giovane dimostra un talento innato per la recitazione. Dopo essersi unito all’Abbey Theatre, il prestigioso teatro dublinese, lavora in tournée su tutto il territorio irlandese, diventando un volto familiare del teatro nazionale. Uno dei suoi ruoli più importanti è in L’aratro e le stelle di Sean O’Casey, che lo porterà anche al debutto cinematografico, quando John Ford lo scrittura per la trasposizione del 1936.
Barry Fitzgerald non ha il fisico o la voce del tipico attore protagonista hollywoodiano: è basso, con lineamenti marcati e una voce roca. Tuttavia, questi tratti diventano i suoi punti di forza, rendendolo un interprete autentico e credibile in ruoli che richiedono umanità e profondità. Dopo il successo iniziale con Ford, la sua carriera prende il volo, e Fitzgerald si specializza in ruoli di saggi, sacerdoti, marinai e personaggi del popolo.
Tra i suoi primi successi a Hollywood, spicca il ruolo del giardiniere in Susanna! (1938), una commedia brillante diretta da Howard Hawks, dove affianca Cary Grant e Katharine Hepburn in una storia di equivoci e romanticismo. Con il passare degli anni, Fitzgerald diventa uno dei caratteristi più amati e richiesti. Nel 1941, interpreta un marinaio intimorito in Il lupo dei mari di Michael Curtiz, tratto dall’omonimo romanzo di Jack London. Ma è con La mia via (1944) che raggiunge il culmine della sua carriera: nei panni di Padre Fitzgibbon, un sacerdote burbero ma adorabile che si scontra con le idee moderne del giovane Bing Crosby, regala una performance indimenticabile. Questo ruolo gli vale un Oscar come miglior attore non protagonista ed è l’unico caso nella storia dell’Academy in cui un attore riceve una doppia candidatura (protagonista e non protagonista) per lo stesso film.
In Un uomo tranquillo (1952), ancora una volta diretto da John Ford, Fitzgerald interpreta Michaleen Oge Flynn, un mediatore di matrimoni e vetturino che aiuta il protagonista, John Wayne, a navigare le tradizioni irlandesi. Con il suo spirito scanzonato e le battute argute, diventa una delle anime più vivaci del film. Fitzgerald si cimenta anche con il genere poliziesco, interpretando il tenente di polizia in La città nuda (1948), un classico di Jules Dassin. Mostra ancora il suo talento in Pranzo di nozze (1956), dove interpreta lo zio bisbetico che aggiunge un tocco di ironia a una storia di famiglia.
Barry Fitzgerald è un attore che trasforma ogni ruolo in un capolavoro di autenticità, portando sullo schermo una combinazione unica di umorismo e profondità. Lavora instancabilmente fino alla fine degli anni ’50, quando si ritira in Irlanda. Si spegne il 14 gennaio 1961 a Dublino, lasciando un’eredità di ruoli indimenticabili che continuano a essere celebrati ancora oggi.

5) Walter Brennan

Nasce il 25 luglio 1894 a Swampscott, un piccolo centro del Massachusetts. Figlio di immigrati irlandesi, Walter cresce in un ambiente semplice, ma il suo percorso verso Hollywood è tutto tranne che lineare. Dopo aver combattuto nella Prima Guerra Mondiale, torna negli Stati Uniti e si cimenta in vari lavori, tra cui il commercio immobiliare, prima di approdare al cinema come comparsa nei film muti. Il suo volto segnato, il fisico dinoccolato e la voce roca diventano presto i suoi tratti distintivi, perfetti per ruoli di uomini anziani, anche quando è ancora relativamente giovane.
La svolta arriva negli anni ’30, quando inizia a distinguersi nei ruoli di supporto. Brennan conquista il suo primo Oscar come miglior attore non protagonista con Ambizione (1936), grazie alla sua interpretazione di Swan Bostrom, un anziano agricoltore che lotta per migliorare le condizioni della sua famiglia. Questo premio segna l’inizio di un’epoca d’oro per Brennan, che vince altri due Oscar nella stessa categoria: uno per Kentucky (1938), in cui interpreta Peter Goodwin, un uomo di mezza età legato alle tradizioni del Sud, e uno per L’uomo del West (The Westerner, 1940), dove dà vita al giudice Roy Bean, un personaggio carismatico e ambiguo che regala profondità e ironia al film.
Tra i ruoli più iconici di Brennan c’è quello del pastore Rosier Pile in Il sergente York (1941), una figura guida per il protagonista Gary Cooper, che bilancia umorismo e saggezza in un’interpretazione memorabile. Nel 1944, in Acque del sud, affianca Humphrey Bogart e Lauren Bacall come Eddie, un marinaio ubriacone ma dal cuore d’oro, dimostrando ancora una volta la sua capacità di fondere umanità e leggerezza.
In L’anima e il volto (Stolen Life, 1946), Brennan interpreta Folger, un guardiano del faro che si muove con ambiguità tra la tenerezza e il pragmatismo, contribuendo a sottolineare il dramma vissuto dalla protagonista interpretata da Bette Davis. Il ruolo di Folger, seppur minore, rimane uno dei suoi più intensi grazie alla profondità che riesce a imprimere al personaggio.
In Arriva John Doe (1941), Brennan interpreta il Colonnello, un amico fidato che aiuta il protagonista nella sua crociata contro le ingiustizie. Nel genere familiare e romantico, invece, dà una sfumatura ironica al suo personaggio in Tammy fiore selvaggio (1957): Nonno John è un anziano burbero e indipendente che finisce nei guai per la produzione illegale di alcol, ma resta un punto di riferimento affettuoso per la protagonista interpretata da Debbie Reynolds. 

Ha brillato nei western : in Un dollaro d'onore è Stumpy il vecchietto tuttofare brontolone spalla di John Wayne, ma è anche un padre spietato in Sfida infernale.

Infine, in Darby O'Gill e il re dei folletti (1967), offre una doppia performance brillante come D.J. Mulrooney, il magnate del legname dal cuore gentile, e come Knobby, uno gnomo bisbetico e irascibile, regalando un tocco di magia e divertimento.
Walter Brennan lavora instancabilmente fino agli anni ’60, diventando una presenza imprescindibile nel western e in molti altri generi. Si spegne il 21 settembre 1974 a Oxnard, in California, ma lascia un’eredità che continua a ispirare, incarnando lo spirito di un’epoca in cui i caratteristi avevano il potere di trasformare anche i ruoli più piccoli in capolavori.

6) James Gleason

Nasce il 23 maggio 1882 a New York, in una famiglia in cui il teatro è una passione di famiglia. Da giovane, James Gleason non sceglie subito il palcoscenico: svolge vari lavori, dal fattorino all’addetto all’ascensore, e si arruola sedicenne nell’esercito, servendo per tre anni nelle Filippine. Tornato in patria, decide di intraprendere la carriera di attore e si trasferisce a Londra, dove lavora per due anni nei teatri locali. Tornato negli Stati Uniti, Gleason si dedica al teatro e alla scrittura, firmando diverse commedie di successo a Broadway.

Con l’avvento del sonoro, James Gleason fa il suo debutto cinematografico nel 1927, dopo aver lavorato come sceneggiatore e dialoghista. La sua fisicità minuta, il volto spigoloso e la voce roca lo rendono perfetto per ruoli di caratterista. Gleason si distingue presto in una vasta gamma di personaggi: poliziotti burberi, giornalisti schietti, manager sbrigativi ma di buon cuore, tutti interpretati con un’energia e una naturalezza che conquistano il pubblico.
Il suo primo grande successo al cinema arriva con L’inafferrabile signor Jordan (1941), in cui interpreta Max "Pop" Corkle, il manager di boxe del protagonista, un ruolo che gli vale una candidatura all’Oscar come miglior attore non protagonista. È una performance che sintetizza il meglio del suo stile: dinamico, ironico e autentico. Gleason continua a farsi notare in ruoli memorabili, come il tenente Rooney nella commedia nera Arsenico e vecchi merletti (1944) di Frank Capra, dove porta una ventata di comicità nel mezzo di una storia surreale. Lo stesso anno è l’assistente di Cary Grant nella commedia fantastica L’ottava meraviglia.
Tra i suoi ruoli più iconici c’è quello del lattaio che prende a benvolere Judy Garland e Robert Walker in L’ora di New York (1945), dove mostra il suo lato più tenero e affettuoso. Gleason brilla anche in commedie leggere: è il tassista Sylvester in La moglie del vescovo (1947) accanto a Cary Grant, il reporter Harry Summers in La fortuna si diverte (1950), e il manager di Marilyn Monroe in Matrimoni a sorpresa (1952). Mostra la sua versatilità interpretando Henry Connell, l’editore cinico ma dal cuore d’oro in Arriva John Doe (1941), diretto da Frank Capra.
Anche negli anni successivi, Gleason continua a brillare nei ruoli secondari: in Il balio asciutto (1958), recita al fianco di Jerry Lewis come il burbero ma affettuoso Doc Simpkins. La sua carriera lo porta anche sul piccolo schermo, dove diventa una presenza familiare grazie a ruoli in serie televisive come The Life of Riley e Alfred Hitchcock presenta.
James Gleason lavora instancabilmente fino alla fine, regalando interpretazioni che riescono a rendere uniche anche le parti più piccole. Si spegne il 12 aprile 1959 a Woodland Hills, lasciando un’eredità di oltre 150 film e una reputazione come uno dei caratteristi più amati del cinema classico americano. Con il suo stile diretto e la sua energia travolgente, Gleason resta un esempio perfetto di come il talento possa rendere memorabili i ruoli di supporto.

E voi, quanti volti familiari avete riconosciuto prima che ve li svelassi? Forse vi è bastato un gesto, una battuta, o quella sfumatura particolare che rende un personaggio unico. I caratteristi sono così: non rubano la scena, ma la completano, le danno un’anima, arricchendola con la loro autenticità.
Senza di loro, le storie che amiamo sarebbero incomplete. Sono loro a dar vita ai dettagli, a riempire gli spazi con personalità e sfumature che restano nella memoria anche quando i titoli di coda scorrono. Sono loro che ci fanno dire, mentre guardiamo un vecchio film: "Aspetta, questo lo conosco!". E ogni volta che li ritroviamo, ci accorgiamo di quanto ci siano mancati.
Quindi, lasciamoci incantare ancora una volta da questi artisti straordinari, perché il loro talento silenzioso è ciò che trasforma un buon film in un’esperienza indimenticabile. E voi, quante volte siete stati sorpresi nel ritrovare uno di questi volti inaspettatamente? Il cinema è anche questo: un viaggio fatto di incontri, riconoscimenti e piccole scoperte che ci legano indissolubilmente alle storie.

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 Eccoci con un nuovo appuntamento per la rubrica Professione Caratterista nella quale vi parlo di alcuni dei più straordinari caratteristi che hanno saputo rendere memorabili dei ruoli di contorno. Trovate qui gli altri articoli sui caratteristi. 

N.B. Vi ricordo che i film che trovate evidenziati in rosa sono link che vi rimandano all'articolo scritto su quel film.

1) Sydney Greenstreet

Nasce a Sandwich nella contea del Kent, in Inghilterra, figlio di un mercante di pellami che ha oltre a lui altri 6 figli. A 18 anni, è una bevanda, il tè, a spingerlo a tentare la carriera di coltivatore a Ceylon. Tuttavia, in seguito a una brutta siccità, un altro drink lo riporta in Inghilterra dove lo attende un lavoro in una distilleria di birra. Nel tempo libero Sydney si dedica alla recitazione, frequentando prima la Greet Acting Academy e unendosi poi a una compagnia teatrale che porta in scena varie opere di Shakespeare. La sua presenza e voce molto bella spiccano subito, permettendogli di conquistare parti in musical come Roberta. Dai palcoscenici di Londra a Broadway, il passo è breve e a 61 anni, nel 1941, ha debuttato nel cinema. 

La sua grossa mole insieme allo sguardo subdolo ed enigmatico lo rendono l’antagonista perfetto e gli fanno conquistare, al suo primo ruolo, quello del sinistro Kasper Gutman ne Il mistero del falco, una nomination all’Oscar come Migliore attore non protagonista. La Warner Bros lo mette sotto contratto e, fiutata la sua predisposizione nei noir polizieschi, decide di impiegarlo in questi ruoli, spesso in contrapposizione a Peter Lorre. Insieme, i due girano 9 film, costituendo una sorta di coppia stile Stanlio e Ollio del Noir (Greenstreet è robusto e calmo mentre Lorre è minuto e nervoso). Tra questi ricordiamo Casablanca, La Maschera di Dimtrios, I cospiratori, L'idolo cinese e La morte viene da Scotland Yard. In I trafficanti, Greenstreet è un dispotico industriale, mentre è un losco sceriffo in Viale Flamingo. Tuttavia, ha anche interpretato ruoli positivi, come il Dr. Mark Hamilton nel noir Nebbie (in cui ritrova Bogart anche se, rispetto a Il Mistero del Falco, qui i ruoli sono rovesciati) e addirittura parti leggere e divertenti, come l’irresistibile scrittore Thackeray, amico delle sorelle Bronte nel film biografico Appassionatamente, o l’editore capo di Barbara Stanwyck nel film Il sergente e la signora.

 

Nel film La vedova allegra di Lubitsch del 1934 interpreta un umile valletto, mentre in Cappello a cilindro veste i panni di un curato. In Amore in corsa è il timoroso custode del museo, mentre in L'uomo ombra torna a casa è il responsabile di una galleria d'arte. Nella trasposizione del romanzo di Mark Twain Le avventure di Tom Sawyer è il direttore della scuola, in Sposiamoci in quattro è il giudice officiante, e in L'eterna illusione di Frank Capra, interpreta Mr. Poppins, un inventore fallito ma ottimista. In Jess il bandito è il barone delle ferrovie McCoy, in Vieni a vivere con me, è invece un affabile editore. Il ruolo più famoso di Meek è senza dubbio quello di Mr. Peacock nel classico western di John Ford Ombre rosse, dove interpreta il rappresentante di una ditta di liquori. Meek è protagonista delle poche scene comiche del film, accanto al suo contraltare interpretato magistralmente da Thomas Mitchell.

Il suo ultimo ruolo è quello del braccio destro del ricercatore di mercato James Stewart nel film Città magica, che esce dopo la sua morte. Donald Meek muore il 18 novembre 1946, all'età di 68 anni.

4) Eugene Pallette

Nasce a Winfield, Kansas, l'8 luglio 1889, figlio di una coppia di attori teatrali. Entra giovanissimo in una compagnia teatrale che lo porta in giro per gli Stati Uniti. Nel 1911 Pallette, fa il suo debutto nel cinema muto, ottenendo subito ruoli di primo piano e nel 1916, appare in Intolerance di Griffith (nell'episodio della Notte di San Bartolomeo). Successivamente compare in diversi cortometraggi di Stanlio e Ollio, guadagnandosi l'appellativo di "Faccia da luna piena".

Il suo fisico corpulento, l'espressione sobria e impassibile, e la voce profonda, lo rendono il burbero perfetto, distinguendolo soprattutto nelle screwball, le commedie sofisticate, e nei film di cappa e spada.

Dal 1935, Pallette veste spesso i panni del personaggio ricco americano. Nel film Il fantasma galante, è l'acquirente del vecchio castello scozzese che vuole "smontarlo" per ricostruirlo uguale in America. In L'Impareggiabile Godfrey, è il padrone della casa in cui William Powell va a lavorare in incognito come maggiordomo. In Cin Cin, è il paffuto colonnello della nave su cui s'imbarca clandestinamente Shirley Temple, mentre in La via dell'impossibile è il tormentato detective. Nel 1938, Pallette interpreta l'irresistibile Frate Tuck nel film La leggenda di Robin Hood, rendendo unico e spassoso l'incontro/scontro con il famigerato ladro galantuomo interpretato da Errol Flynn. Vestirà nuovamente i panni di un frate in Il segno di Zorro, accanto a Tyrone Power. Altri suoi ruoli famosi includono quello del magnate della carne in scatola in Il cielo può attendere di Lubitsch (in cui è sposato con la caratterista Marjorie Main), il miliardario padre di Bette Davis in Sposa contro assegno, il magnate della birra padre di Henry Fonda innamorato di Barbara Stanwyck in Lady Eva, e il politico corrotto in Mr. Smith Va a Washington.

Nel 1946, Pallette si ritira dal cinema e muore nel 1954, all'età di 65 anni.

5) Frank Morgan 

Nel 1934, viene scelto per interpretare il Duca Alessandro De' Medici in Gli amori di Benvenuto Cellini, e la sua interpretazione gli fa conquistare la nomination come Migliore Attore accanto a William Powell per L'uomo ombra e Clark Gable per Accadde una notte (sarà quest'ultimo a vincere).

Nel 1936, è il nonno di Shirley Temple in La reginetta dei monelli, ma è grazie ad un'altra ragazzina prodigio di Hollywood che otterrà la fama: nel 1939 è tra i protagonisti de Il Mago di Oz nel quale interpreta più ruoli, il professor Meraviglia, il portiere, l'autista, la guardia e soprattutto il "grande e potente" Mago di Oz, conferendo a tutti un'aura simpatica, tenera e stravagante. La sua popolarità dopo questo film gli fa ottenere dalla M.G.M. la proposta di un contratto a vita. Lubitsch lo toglie dai ruoli buoni e gioviali per fargli interpretare lo sfiduciato proprietario del negozio Matuschek in Scrivimi fermo posta accanto a James Stewart, offrendo anche qui una grande interpretazione. Tra gli altri ruoli per cui viene ricordato, si annoverano: il pastore nel film Il coraggio di Lassie accanto a Elizabeth Taylor, Re Luigi XIII ne I tre moschettieri con Gene Kelly, l'allenatore di Monty Stratton in Il ritorno del campione, film biografico sul giocatore di baseball tornato a giocare dopo un incidente, interpretato da James Stewart. Nel 1949 viene scelto per interpretare Buffalo Bill nel musical Anna prendi il fucile, ma morirà improvvisamente per un infarto il 18 settembre di quell'anno, venendo sostituito da Louis Calhern.

6) Charles Lane

Nasce a San Francisco, California, figlio di Alice Gerstle e Jacob B. Levison. La sua famiglia è di origine ebraica, e suo padre lavora come venditore di mobili. La sua vita cambia drasticamente il 18 aprile 1906, quando la città di San Francisco è devastata dal Grande Terremoto. Charles aveva appena un anno e fu uno dei tanti sfollati da quella catastrofe, ma la sua famiglia riuscirà a superare le difficoltà. Nonostante il parere contrario dei genitori, che vedono la carriera di attore come instabile e incerta, Charles decise di seguire la sua passione. Dopo aver conseguito la laurea presso l'Università della California, Berkeley, Lane si unisce a una compagnia teatrale itinerante e inizia la sua carriera di attore, debuttando nel cinema nel 1931.

Il suo aspetto austero e serio gli conferisce un’aria severa e distante, rendendolo l’interprete perfetto di personaggi scontrosi e un po’ spigolosi come impiegati, avvocati, banchieri, e altri personaggi di autorità, a cui conferisce umanità grazie alla sua eccellente dose di comicità.

È comparso in diversi film di Frank Capra: è l’agente del Fisco Henderson in L'eterna illusione, il reporter in Mr. Smith va a Washington e in Arsenico e vecchi merletti, e l’agente immobiliare in La vita è meravigliosa (1946). Veste i panni del vice-direttore della cronaca nella commedia sul giornalismo 10 in amore con Doris Day e Clark Gable, dell’agente Locke nel film musicale Capobanda e del giudice di gara nel film 4 bassotti per un danese. È l'avvocato Wilson nella commedia 7 giorni di fifa. Negli anni ’50 e ’60 è stato scelto da Lucille Ball in diversi episodi di tutte le sue trasmissioni I Love Lucy, The Lucy-Desi Comedy Hour e The Lucy Show.  Nel 1970 presta la voce all’arzillo avvocato George Hautecourt nel classico di animazione Disney Gli Aristogatti. Il suo ultimo ruolo è nel film Il computer con le scarpe da tennis del 1995, remake dell’omonimo film del 1969.

Morirà a 102 anni nel 2007 con all’attivo una carriera nello spettacolo di 70 anni e la partecipazione a più di 250 film.

In questo lungo e appassionante viaggio nel tempo, abbiamo ritrovato volti familiari, riscoperto attori e personaggi, spesso relegati ai margini, ma fondamentali per dare profondità e vitalità alle storie raccontate. La mia ricerca meticolosa ha probabilmente acceso più di una volta la lampadina del "Ecco dove l'avevo visto!", e se così è, il mio scopo è stato raggiunto.

Sydney Greenstreet, S.Z. Sakall, Donald Meek, Eugene Pallette, Frank Morgan e Charles Lane: questi nomi, forse non sempre al centro della scena, sono stati l'anima vibrante di molte pellicole, riempiendo le sale di risate, lacrime, suspense e meraviglia. Attraverso questo lavoro, spero di aver reso omaggio al loro talento inestimabile, nonchè alle loro storie personali che meritavano di essere raccontante.

Alla prossima!