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"Una sciocca storia irlandese che non avrebbe fruttato un centesimo."

È così che i produttori di Hollywood liquidano il regista John Ford quando presenta loro l’idea di Un uomo tranquillo. Eppure quel film, fatto di pioggia sottile, cieli bassi e sentimenti taciuti, diventa uno dei più amati dal pubblico. E, non a caso, il suo preferito.
Pochi registi hanno saputo raccontare il sogno americano e i valori della frontiera con la stessa profondità di Ford.
Dovete sapere che, pur non essendo una grande fan del western, Ombre rosse ha un posto speciale nel mio cuore. L’ho amato anche grazie a chi me l’ha fatto conoscere: un professore capace di svelarne le sfumature più nascoste, la complessità dei personaggi, il loro ruolo nella società. Un racconto che mi ha fatto vedere oltre il genere, e mi ha conquistata.
Poi ho visto un altro film dello stesso regista, Ford, che però non è un western: Un uomo tranquillo. E lì è scattato qualcosa di diverso. Non si trattava solo di apprezzare un grande film, ma di sentirlo vibrare dentro. Una storia che sa di ritorno, di terra bagnata, di promesse sussurrate. Un’Irlanda che non è solo un luogo, ma uno stato d’animo.
Questo film non compare quasi mai nelle classifiche ufficiali dei capolavori fordiani. La critica gli preferisce Sentieri selvaggi o la trilogia della cavalleria. Ma il pubblico non ha mai smesso di amarlo.
Ford stesso lo considera il suo film più personale, e anche il più sensuale. Una sensualità fatta di attese, di sguardi che durano troppo a lungo, di emozioni sospese. Tutto si gioca nei non detti, nei gesti misurati.
E poi c’è lei, quella forza della natura di Maureen O’Hara. 

 

Fiera, intensa, magnetica. Una donna che sa reggere lo sguardo di John Wayne, che lo sfida e lo accompagna, senza mai farsi da parte. Come ha detto il figlio di Wayne, Michael, “lei poteva tenergli testa bacio per bacio, pugno per pugno, passo per passo”.
Ancora oggi Un uomo tranquillo continua a essere amato in tutto il mondo. I luoghi dove è stato girato, in Irlanda, sono diventati meta di pellegrinaggi affezionati. E c’è un ponte, in particolare, che ti resta dentro. Fatto di sassi irregolari, curvo come un abbraccio. Ma se lo vedi una volta, lo riconosci tra mille. Sembra uscito da un libro di favole. Ti culla. Ti chiama. Ti fa desiderare di attraversarlo.
Ecco perché oggi voglio portarvi dietro le quinte di questa storia.
Per raccontarvi com’è nata, chi l’ha resa possibile e perché, anche se può sembrare solo una tranquilla storia irlandese, continua a parlarci ancora adesso.
Perché certe storie, anche le più semplici, sono quelle che durano di più.

Il titolo originale è The quiet man ed è un film del 1952 diretto da John Ford con protagonisti John Wayne e Maureen O'Hara.

 

La trama in breve: Sean Thornton, ex pugile americano dal passato doloroso, torna nella natia Irlanda con il desiderio di lasciarsi alle spalle la violenza e iniziare una nuova vita. Si stabilisce a Inisfree, un piccolo villaggio immerso nel verde, dove acquista la casa della sua infanzia e si innamora di Mary Kate Danaher, una donna fiera e passionale. Ma il loro amore incontra l’ostilità del fratello di lei, un uomo autoritario e orgoglioso che si oppone al matrimonio e si rifiuta di concedere la dote.

Alcune scene del film

Foto promozionali

Alla fine della Seconda guerra mondiale, Hollywood è ancora una macchina ben oliata.
Il sistema degli Studios funziona, le sale sono piene, e il cinema è il grande rito collettivo di un’America che ha bisogno di sognare.
I generi più amati sono quelli che promettono certezze: il melodramma, il noir, il musical, il western.
Storie di eroi, passioni forti, finali risolutivi. Tutto torna al suo posto, almeno sullo schermo.
Ma intanto il mondo sta cambiando.
I soldati rientrano a casa, le donne che avevano preso il loro posto nelle fabbriche cercano di capire che ruolo avranno. La voglia di leggerezza convive con quella di capire cosa c’è stato davvero, cosa ha lasciato la guerra, cosa resterà. E anche il cinema, piano piano, comincia a farsi domande nuove.
Si aprono spiragli. Piccoli, incerti. Ma ci sono. È un momento di passaggio, anche se ancora non lo sa nessuno. La macchina dello spettacolo continua a girare, ma l’aria è diversa.
C’è bisogno di racconti più intimi, di storie radicate nei luoghi, nei sentimenti, nei legami. E proprio in questa America che si riorganizza — tra luci abbaglianti e zone d’ombra — una storia diversa comincia a bussare. Non fa rumore. Ma è pronta a farsi sentire. 

Prima ancora che fosse un film, The Quiet Man è stato un racconto. E prima ancora che diventasse un racconto, è stato un luogo.
Un posto preciso, nell’Irlanda del sud-ovest, tra pascoli, vento e tetti di paglia: Ballydonoghue, poco fuori Listowel, nella contea di Kerry. È lì che nel 1879 nasce Maurice Walsh, terzo di dieci figli, cresciuto in una casa di tre stanze con il tetto di paglia, tra libri, cavalli e racconti tramandati a voce.
Suo padre non era un grande contadino, ma sapeva raccontare storie. E questo, forse, è stato il dono più grande che ha lasciato al figlio.

Quel mondo rurale, fatto di gesti antichi, orgoglio, silenzi e riti comunitari, sarebbe diventato il cuore pulsante della scrittura di Walsh.
Nelle sue pagine, l’Irlanda non è mai sfondo: è personaggio. Ha memoria, ha umore, ha radici. E i nomi non sono inventati. Il celebre Paddy Bawn Enright, protagonista di The Quiet Man, era davvero un bracciante che lavorava nella loro fattoria, ed è stato lui a ispirare quel personaggio taciturno, massiccio, che preferisce la pace allo scontro, ma che conosce bene il significato dell’onore.
Dopo aver studiato a Listowel e lavorato per il governo britannico nelle Highlands scozzesi, Maurice Walsh comincia a scrivere. All’inizio racconti sparsi, poi il primo vero romanzo, The Key Above the Door, scritto durante un periodo doloroso, separato dalla sua famiglia nel caos della guerra civile irlandese.
Quel libro, grazie anche a una lettera entusiasta di J.M. Barrie (l’autore di Peter Pan), gli apre le porte del mondo editoriale.
Ma è solo nel 1933, dopo il pensionamento, che la sua carriera cambia direzione.
Walsh invia un racconto breve al Saturday Evening Post, la prestigiosa rivista americana. Il racconto si intitola The Quiet Man. È una storia semplice e asciutta, dove il vero conflitto è interiore, e la battaglia più importante si gioca tra orgoglio, amore e senso dell’onore. Ambientato in un’Irlanda mitica ma autentica, radicata nella memoria popolare, quel racconto colpisce subito chi lo legge.
Tra questi, c’è anche un certo John Ford. Forse non è un caso se proprio questo racconto — tra i tanti letti in una vita — ha saputo risuonare così fortemente nell’anima di questo regista.

Figlio di immigrati irlandesi della contea di Galway e di Inis Mór, cresciuto nel Maine in una famiglia numerosa dove si parlava ancora gaelico, Ford aveva sempre guardato all’Irlanda come a un luogo mitico e irrisolto, mai del tutto perduto, mai davvero raggiunto.
Il suo vero nome era John Martin Feeney, ma Hollywood lo avrebbe conosciuto come John Ford, nome ereditato dal fratello maggiore Francis, che lo introdusse giovanissimo nei set della Universal.
All’inizio fa di tutto: comparsa, trovarobe, controfigura. Poi, in breve tempo, regista. E non uno qualunque. 
Già dalle prime pellicole mute si riconosce in lui una voce personale, capace di raccontare le grandi epopee collettive (la frontiera, la guerra, la ferrovia) con uno sguardo intimo e umano.
I suoi film parlano spesso di famiglia, comunità, tradizioni, eredità, e dietro quell’epica americana si intravede sempre il respiro profondo delle sue radici irlandesi.

Fin dagli anni ’20 Ford aveva cercato più volte di raccontare l’Irlanda al cinema — in modo diverso, affettuoso, quasi nostalgico. Con The Quiet Man, quel desiderio prende forma. Quando legge il racconto di Walsh, Ford se ne innamora subito. Nel 1936 acquista i diritti per dieci dollari. E da quel momento, inizia a inseguirne la trasposizione cinematografica. Ma l’industria non gli semplifica la vita.
Una commedia romantica ambientata in un villaggio irlandese, con pecore, doti e risse al pub, sembra l’opposto di ciò che Hollywood cerca in quegli anni. Ancora meno appetibile è l’idea — testarda — di Ford di girare tutto in esterni, sul posto. Nessuno è disposto a finanziarlo. Il progetto rimane lì, tra le sue carte, come una promessa rimandata.
Nel 1944 coinvolge informalmente quattro attori con cui ha un rapporto speciale: John Wayne, Maureen O’Hara, Barry Fitzgerald e Victor McLaglen.
O’Hara in particolare diventa parte attiva nel processo creativo.
Ogni estate, quando passa del tempo con la famiglia Ford, prende appunti mentre navigano con il regista sulla sua barca. Parlano di dialoghi, scene, intuizioni. Il film è già lì, anche se nessuno ha ancora acceso una macchina da presa.
La prima bozza della sceneggiatura viene affidata a Richard Llewellyn, ma non convince.
Ford allora si rivolge a Frank S. Nugent, ex critico del New York Times e sceneggiatore con cui aveva già collaborato.
Nugent conosce il tono che Ford cerca: intimo, ma con spazio per l’umorismo.
“Abbiamo tracciato la storia con cura,” dirà Ford, “ma lasciando sempre spazio alla possibilità di inserire la comicità, se fosse emersa naturalmente.”
Nugent fa molto più di un semplice adattamento.
Cambia il nome del protagonista da Paddy Bawn Enright a Sean Thornton. Introduce Feeney, il servitore burbero, usando il cognome della famiglia Ford. E soprattutto aggiunge un elemento fondamentale: nel racconto originale, il protagonista non combatte per la dote semplicemente perché non gli interessa.
Nella versione di Nugent, Sean è un ex pugile che ha accidentalmente ucciso un uomo sul ring. Un uomo che ha smesso di combattere per sempre. Questo dettaglio cambia tutto: rende la sua riluttanza più profonda, più tragica. A quel punto, ogni gesto trattenuto acquista un peso nuovo.
Nel 1946 Ford fonda, insieme a Merian C. Cooper, la Argosy Pictures. Il primo progetto dovrebbe essere proprio questo. Scrive all’amico irlandese Michael Killanin per sondare il terreno. Si parla perfino di un coinvolgimento del produttore britannico Alexander Korda. Ma anche questa volta, tutto sfuma.
“Ogni estate ci tenevamo liberi,” ricorda Maureen O’Hara, “e ogni estate non succedeva nulla. A un certo punto andammo da Ford e gli dicemmo:  ‘Se non vi sbrigate, io dovrò interpretare la vedova, e John la parte di Victor McLaglen!’”
Alla fine degli anni ’40, è proprio John Wayne a forzare la mano. Sotto contratto con la Republic Pictures, sfrutta la sua influenza per sostenere il progetto.

Il capo dello studio, Herbert Yates, fiuta l’occasione di avere Ford nel suo catalogo, ma è diffidente.
Pone una condizione: Ford dovrà prima dimostrare il suo valore commerciale con un altro film. Così nasce Rio Grande (1950), girato con lo stesso cast e parte della stessa troupe. Il film funziona, incassa, e a quel punto Yates è costretto a cedere. Con riluttanza, approva The Quiet Man.
Ma continua a non crederci. A primavera del 1951 definisce il progetto “un film d’essai finto” e tenta persino di dissuadere Wayne, dicendogli che quel ruolo lo rovinerà.
Per placarlo, Ford accetta di limare il budget: Wayne e O’Hara lavorano a cifre inferiori al loro standard. Yates insiste anche per cambiare il titolo in The Prizefighter and the Colleen (il pugile e la fanciulla irlandese). Ford non ci pensa nemmeno: “Svela troppo,” dice.  E questa volta, vince lui.

Quando lo si guarda in Un uomo tranquillo, con quella presenza solida ma guardinga, viene difficile pensare che John Wayne sia stato un giorno un ragazzo con un sogno da quarterback.

E invece tutto comincia lì, nei corridoi della University of Southern California, dove Wayne è una promessa del football e si fa notare per fisico, carisma e presenza scenica.
A Hollywood ci arriva quasi per caso: Tom Mix, star dei western muti, gli propone un lavoretto estivo come assistente di scena in cambio di biglietti per le partite. Sul set conosce John Ford. E la sua vita cambia per sempre. Tra i due nasce un legame che va ben oltre la collaborazione professionale: è una vera alleanza creativa, spesso ruvida, a volte aspra, ma cementata da rispetto reciproco.
Wayne recita per anni in pellicole minori, accumulando più di 70 film di serie B, quasi tutti western, prima che Ford decida di “promuoverlo” a protagonista. Con Ombre rosse (1939), Wayne diventa una stella. Da lì in avanti, i due firmeranno insieme 23 film in oltre 30 anni, tra cui la trilogia della cavalleria (Fort Apache, I cavalieri del Nord Ovest, Rio Grande), Sentieri selvaggi e I dannati e gli eroi.
Wayne prende il suo soprannome, Duke, dal suo cane di quando era bambino.
Ma Ford, nel tempo, gli insegna a essere qualcosa di più di un “duro” dallo sguardo fisso. Lo trasforma. Lo complica. In Un uomo tranquillo, questo percorso arriva al suo punto più sottile.
Il Sean Thornton interpretato da Wayne non è un uomo remissivo, ma non è nemmeno il classico maschio dominante che il pubblico si aspetta.
Non è un cowboy col cappello calato sugli occhi, ma un uomo ferito, che cerca di ricominciare da capo.
Viene in Irlanda con un passato pesante, con qualcosa che ha lasciato sul ring e che non può più cambiare. E in questo paese “di sassi e poesia”, tra gesti antichi e orgoglio popolare, trova una donna — e una terra — che non lo sfidano, ma lo mettono alla prova.
In una scena che ancora oggi sorprende per delicatezza, Sean sfonda la porta della loro camera da letto dopo che Mary Kate, la moglie, si è rifiutata di consumare il matrimonio. Ma non è la scena da melodramma maschilista che ci aspetteremmo. Lui la prende, sì, ma solo per portarla sul letto, guardarala negli occhi e poi uscire. Passerà la notte da solo, nel suo sacco a pelo. Il gesto più forte è quello che non compie.
E ancora: quando le compra il carro e il cavallo, la lascia guidare. Sembra poco. Ma non lo è.
In quell’Irlanda filtrata dall’affetto e dalla nostalgia di Ford, e nella Hollywood del 1952, una donna che guida un carro da sola è un’immagine rivoluzionaria.
Sean Thornton non si redime attraverso la forza, ma attraverso la scelta di rallentare, ascoltare, appartarsi, in un mondo dove l’onore si misura con il silenzio e con la pazienza.
E John Wayne, sotto la direzione di Ford, lo fa senza rinunciare alla sua presenza scenica, ma sfumandola, dosandola. Per una volta, è l’eroe che impara a non combattere.

Per raccontare l’Irlanda sognata e idealizzata che John Ford aveva in mente, non poteva che esserci Maureen O’Hara.

 

Nata a Ranelagh, sobborgo di Dublino, comincia a recitare da giovanissima. A soli 14 anni vince premi nei festival teatrali, debutta con gli Abbey Players — lo stesso gruppo che avrebbe formato attori come Barry Fitzgerald — e poi approda a Londra, dove Alfred Hitchcock la nota e la scrittura per Jamaica Inn (1939). Ma è Charles Laughton a cambiarle la vita: la porta a Hollywood, la vuole come Esmeralda nel suo Hunchback of Notre Dame, e le apre le porte del cinema americano.
La sua carriera trova una spinta decisiva con Com’era verde la mia valle (1941) di Ford, che la dirigerà più volte negli anni successivi.
Ma è proprio con Un uomo tranquillo che Maureen O’Hara raggiunge una delle sue vette più memorabili. La sua Mary Kate Danaher è tutt’altro che una donnina fragile e devota: è testarda, fiera, passionale, pronta a colpire, a fuggire, a pretendere rispetto. Tiene testa al fratello, al marito, al paese intero. Non accetta che le si neghino la dote e i mobili, non per una questione di denaro, ma perché sono il simbolo della sua identità, della sua autonomia, del diritto a essere riconosciuta e rispettata.
Come osserva la critica Molly Haskell: “In modo tutto americano, lui percepisce la cosa come un attacco alla sua mascolinità… finché lei non gli fa capire che non sono i soldi, ma ciò che rappresentano.”
È uno dei rari ruoli femminili degli anni ’50 in cui la donna non aspetta di essere salvata, ma mette alla prova l’uomo. E O’Hara, con la sua bellezza fiera e il temperamento da fuoco, dà al personaggio una verità che ancora oggi incanta.
O’Hara e Wayne formano una delle coppie romantiche più forti del cinema classico, anche se la critica le ha spesso riservato un’attenzione minore rispetto ad altre.
Recitano insieme in cinque film, tre dei quali diretti da Ford (Rio Grande, The Quiet Man, The Wings of Eagles) e due realizzati in seguito (McLintock! e Big Jake), quando il loro affiatamento era già leggenda.

E ora veniamo a Barry Fitzgerald che interpreta Michelino Flynn, una delle anime più vivaci del film. 

 

È la voce ironica e popolare, un misto di saggezza contadina, malizia e poesia, che contribuisce a costruire quell’Irlanda da fiaba che Ford voleva evocare. Michelino sa tutto, vede tutto, e a volte, quando serve davvero, dice anche la verità. È lui a guidare Sean Thornton attraverso le regole non scritte del villaggio, tra antiche consuetudini e ostinazioni familiari. Ma non è mai una macchietta: con i suoi occhi furbi, la parlantina svelta e quel modo tutto suo di restare incantato davanti a un bacio, diventa la vera bussola del film, sempre pronto a cogliere la poesia anche nei gesti più quotidiani. Dietro quei brindisi, le carrozze scassate e le frasi fulminanti, c’è un personaggio costruito con cura e affetto.
Fitzgerald, nato William Joseph Shields, è cresciuto tra le assi dell’Abbey Theatre di Dublino, dove si era già distinto nei testi di Sean O’Casey. Non aveva l’aspetto dell’eroe hollywoodiano – basso, voce roca, volto segnato – ma proprio per questo ha lasciato il segno. Dopo il debutto cinematografico con L’aratro e le stelle diretto da Ford, si è specializzato in ruoli di saggi, sacerdoti, vecchi marinai e uomini del popolo, sempre con un’umanità palpabile. La sua carriera lo ha portato fino all’Oscar con La mia via (1944), ma per molti spettatori resterà sempre Michelino, con quel bicchiere sempre mezzo pieno, un cavallo testardo da domare e lo sguardo incantato di chi, forse, alla favola un po’ ci crede davvero. Se volete scoprire qualcosa in più sulla sua vita, l’ho raccontata in un altro articolo a lui dedicato.

Victor McLaglen, nei panni dell’irascibile Will Danaher, è forse uno dei personaggi più iconici di Un uomo tranquillo, e non a caso. 

Con Ford aveva già costruito un sodalizio di lunga data: insieme avevano girato dodici film, sei dei quali con John Wayne. Ma prima ancora del cinema, McLaglen aveva vissuto una vita che sembrava uscita da un romanzo d’avventura. Nato in Gran Bretagna, aveva fatto il pugile in Canada e per un periodo era stato presentato come la “grande speranza bianca” destinata a sconfiggere Jack Johnson, il leggendario campione afroamericano dei pesi massimi. Lo scontro fu molto pubblicizzato, ma McLaglen perse al sesto round. Fu però proprio quella fisicità ruvida e quel passato combattuto a renderlo perfetto per certi ruoli, come quello che nel 1935 gli valse l’Oscar con The Informer, sempre sotto la direzione di Ford. Quando arrivano le riprese di Un uomo tranquillo, però, l’attore ha 64 anni ed è in condizioni di salute fragili. Il grande combattimento finale con Wayne, tra colpi, rincorse e birre rubate, deve essere coreografato con grande attenzione, spezzato in più giorni e inquadrature, ma il risultato è di una comicità irresistibile.
E mentre la rissa si allarga per tutto il villaggio, tra chi prende parte e chi corre solo a guardare, c’è un vecchio dai capelli bianchi che si alza dal letto di morte per non perdersi lo spettacolo. È Dan Tobin, uno dei personaggi più teneri del film. Ma nella realtà è Francis Ford, fratello maggiore del regista e figura importante del cinema muto, attore e regista a sua volta, che qui torna sullo schermo per un ultimo, affettuoso cameo. Morirà due anni dopo. E non è l’unico legame familiare sul set: Charles B. Fitzsimons, che interpreta Hugh Forbes, e James O’Hara, Padre Paul, sono i fratelli minori di Maureen O’Hara. 

Voglio aggiungere un’ultima chicca per chi, come me, ama le caratteriste indimenticabili. Tra le presenze più deliziose del cast c’è Mildred Natwick, attrice di teatro e cinema dalla classe impareggiabile, di cui ho raccontato la vita in un altro articolo (qui). Interpreta Sarah Tillane, la “vedova” del villaggio, corteggiata con cauta insistenza dal fratello di Mary Kate. È un ruolo piccolo, ma Mildred riesce comunque a renderlo memorabile grazie alla sua mimica facciale e a quell’eleganza ironica che la distingueva sempre.

Nata a Baltimora nel 1905, da una famiglia colta e benestante, Mildred aveva iniziato a recitare giovanissima prima di approdare a Broadway, dove venne notata proprio da John Ford. Fu lui a offrirle il primo ruolo cinematografico in Lungo viaggio di ritorno (1940), e la diresse poi in altri due western: In nome di Dio e I cavalieri del Nord Ovest. In Un uomo tranquillo, il loro sodalizio trova un’altra, tenera sfumatura: la vedova Tillane è uno dei pochi personaggi femminili maturi ad avere un suo spazio, e lo occupa con garbo, ironia e una sottile malinconia. Negli anni successivi la Natwick continuerà a brillare sullo schermo, fino a conquistare una candidatura all’Oscar per un ruolo diventato memorabile: la madre di Jane Fonda in A piedi nudi nel parco (1967), dove la sua comicità misurata e il suo tempismo perfetto la consacrano definitivamente nel cuore del pubblico.

Le riprese di Un uomo tranquillo cominciano nel giugno del 1951 (si concluderanno in agosto) e si trasformano subito in un’impresa collettiva, quasi familiare. John Ford porta in Irlanda figli, generi, amici, persino il suo sacerdote di fiducia da Hollywood, padre Stack, che benedice il set e offre qualche consiglio tecnico per rendere credibile il mondo religioso del villaggio. Sua figlia, Barbara Ford, da poco assistente al montaggio per la Argosy, affianca Jack Murray in sala di montaggio, mentre il figlio Patrick viene incaricato di dirigere la seconda unità — accanto a un altro regista d’eccezione: John Wayne.
L’atmosfera sul set è intensa, a tratti tesa, come spesso accadeva con Ford. Il regista ha un modo tutto suo per ottenere quello che vuole dagli attori. Anche se Victor McLaglen è stato un pugile professionista, ha ormai 64 anni e la salute non lo aiuta. Per scuoterlo prima della lunga scena della rissa finale con Wayne, Ford lo provoca pesantemente durante una prova, accusandolo di essere fiacco davanti a suo figlio. McLaglen borbotta per tutta la notte e il giorno dopo si presenta sul set pronto a dare tutto.
Anche per gli attori non è una passeggiata. Maureen O’Hara non usa controfigure, e quando Wayne la trascina attraverso i campi si riempie di lividi. Ma il peggio arriva nella scena in cui Mary Kate, furiosa, dà un pugno a Sean: lei colpisce davvero, lui para con l’avambraccio… e il risultato è che si rompe un osso del polso. Più tardi, con il vento che le sferza i capelli sul viso nel cottage, Ford le urla di aprire gli occhi. Lei, senza perdersi d’animo, risponde: «Che ne sa un figlio di p* calvo di cosa vuol dire avere i capelli negli occhi?».
Wayne non è da meno. Sensibile al trucco, si ritrova con il volto gonfio come un pesce palla dopo essersi affidato — per tagliare i costi — alla truccatrice di O’Hara. Ford richiama subito il suo storico truccatore, Web Overlander. A detta dello stesso Wayne, fu un ruolo difficile: «Per nove settimane ho fatto soltanto da spalla per quei meravigliosi personaggi, e questo è davvero difficile».
Difficile, ma visivamente indimenticabile. Ford insiste per girare in Technicolor — nonostante il capo della Republic Pictures, Herbert Yates, voglia usare il più economico TrueColor — e affida la fotografia a Winton Hoch, maestro del colore. Ma l’Irlanda non collabora: sei settimane di pioggia e cieli nuvolosi, appena sei giorni di sole intermittente. Hoch è costretto a illuminare ogni scena in tre modi diversi, uno per il sole, uno per le nuvole, uno per la pioggia. Ma il risultato è quello che Ford voleva: un’Irlanda da leggenda.
Nel finale, dopo i titoli di coda, vediamo Mary Kate e Sean nel giardino che salutano. Maureen O’Hara si volta verso Wayne e gli sussurra qualcosa all’orecchio, provocando una reazione impagabile. Cosa abbia detto rimane un mistero: lo sanno solo lei, Wayne e Ford. Secondo le sue memorie, Maureen non voleva pronunciare quella frase — «non potevo proprio dirglielo a Duke» — ma Ford insisteva: voleva una reazione autentica. Gliela diede, a patto che nessuno ne svelasse mai il contenuto.
E poi c’è l’aneddoto del montaggio finale. Il primo cut di Ford dura 129 minuti. Ma alla Republic hanno una regola ferrea: nessun film sopra le due ore. Ford insiste che non c’è nulla da tagliare, ma si vede costretto a cedere. Torna dopo qualche giorno dicendo che la copia definitiva è pronta. La proiezione inizia… e al minuto 120, proprio nel mezzo della scena della rissa, lo schermo diventa bianco, le luci si accendono e in sala cala un silenzio gelido. Ford si alza e dice: «Come potete vedere, non c’è più nulla da tagliare. Ora siete voi a chiedermi gli ultimi nove minuti. Pensate davvero che il pubblico sarà diverso?». Ha vinto. Ottiene la versione integrale. E noi abbiamo Un uomo tranquillo esattamente com’era stato pensato.

 

Location

L’Irlanda, in Un uomo tranquillo, non è solo lo sfondo. È parte del racconto, quasi un personaggio. Ma non è l’Irlanda dei libri di storia, né quella dei telegiornali. È un’Irlanda reinventata, vista con gli occhi di chi l’ha sempre sognata più che vissuta. E in questo Sean Thornton e John Ford si somigliano: uno torna, l’altro arriva, ma entrambi inseguono qualcosa che assomiglia più a un ricordo o a un desiderio che a un luogo vero.
All’inizio Ford ha pensato di stabilirsi a Spiddal, il paese d’origine di suo padre. Ma si è reso subito conto che sarebbe stato impossibile trovare alloggio per tutta la troupe. Così la scelta è ricaduta su Cong, un piccolo villaggio al confine tra le contee di Mayo e Galway, dove il vicino Ashford Castle ha offerto abbastanza stanze per ospitare tutta la produzione. All’epoca Cong non aveva ancora nemmeno l’elettricità. Ma con l’arrivo dei generatori, dei camion e del fermento del set, il cinema ha portato anche la luce. Per la gente del posto è stata una festa, ma anche una sfida: molti hanno lavorato come comparse o tecnici, ma finivano spesso nelle inquadrature per sbaglio, complicando la continuità delle scene.
Molti luoghi attorno a Cong sono stati trasformati per diventare Inisfree, il villaggio immaginario in cui si svolge la storia. Il negozio di alimentari è diventato il pub di Pat Cohan e, alla fine delle riprese, il proprietario ha deciso di lasciare l’insegna. Oggi quel locale è un vero pub, dove si proiettano ancora ogni giorno spezzoni del film.

 

Ma non c’è fan di Un uomo tranquillo che non abbia sognato almeno una volta quel ponte di pietra, con i suoi sassi consumati e la curva dolce che sembra accoglierti come in una fiaba. Si trova lungo la R345, poco fuori Cong, e oggi è indicato come The Quiet Man Bridge, segnalato anche sulla N59.

In una delle scene più memorabili del film, Michaleen mostra a Sean “la casa dei vecchi Flynn”. In realtà, quel luogo incantato è uno dei monasteri medievali meglio conservati d’Irlanda: il Ross Errilly Friary, a pochi chilometri da Headford. Fondato nel XIV secolo e immerso nella campagna, oggi è disabitato. Ma sullo schermo, Ford lo trasforma in qualcosa che va oltre lo spazio e il tempo: un legame con le radici, un senso di spiritualità e di memoria collettiva.

Per la stazione ferroviaria si è usata quella di Ballyglunin, che è diventata la fittizia Castletown. Alcune scene degli interni sono state invece ricostruite a Hollywood, negli studi Republic, verso la fine di luglio.

Ultima, ma non per importanza, la St Mary’s Church of Ireland di Cong, protagonista anche di una piccola polemica all’epoca delle riprese. Nel film è qui che Sean porge a Mary Kate l’acqua santa all’uscita dalla messa, ma le cose sono un po’ più complesse. L’edificio in questione è infatti una chiesa anglicana, mentre l’acquasantiera — quel gesto tanto cattolico e così carico di implicazioni romantiche — proviene dalla vicina chiesa cattolica di St Mary of the Rosary. La commistione tra i due spazi sacri non passò inosservata: il vescovo anglicano protestò ufficialmente contro l’uso cinematografico della chiesa, che nel film veniva trasformata in una sorta di parrocchia “ibrida”, con vetrate, elementi liturgici e simboli appartenenti a entrambe le tradizioni. Ma non si tratta di un errore. È una scelta precisa. Per Ford, l’Irlanda di Un uomo tranquillo non conosce confini confessionali. È un luogo di rito e identità collettiva, dove ogni gesto — anche quello apparentemente più piccolo, come un dito nell’acqua santa — può contenere tutto il desiderio, l’ironia e la tenerezza di una storia d’amore.

L’Irlanda di Un uomo tranquillo è sì idealizzata, ma non ingenua. Ford gioca con gli stereotipi, ma li sfuma con tenerezza e ironia. Anche il fratello burbero di Mary Kate ha i suoi momenti di dolcezza, anche il paesaggio più da cartolina si alterna al fango delle strade sterrate. È un mondo immaginato, certo, ma pieno di verità emotive. E forse, in fondo, questo basta per renderlo reale.

Per i costumi, Ford si è rivolto alla storica sartoria Ó’Maille di Galway, chiedendo abiti che riflettessero l’epoca ma anche l’identità contadina del posto. 

Colonna sonora 

Tra i fili che tengono insieme Un uomo tranquillo, la musica è uno dei più sottili ma resistenti. A firmarla è Victor Young, uno dei compositori più versatili e prolifici della Hollywood classica, che aveva già collaborato con Ford in altre due occasioni. Se volete conoscere la sua storia, ve l’ho raccontata in un altro articolo, dedicato a La porta d’oro. Qui ci basta dire che Young sapeva adattare il suo talento a qualsiasi tono, atmosfera, ambientazione.

Per questo film, costruisce una partitura che mescola brani originali e motivi tradizionali, dando voce a quell’Irlanda sognata e nostalgica che è il cuore emotivo del racconto. Il suo lavoro è in equilibrio perfetto tra lirismo e leggerezza, tra sentimento e ironia. La musica accompagna, non sovrasta. Sottolinea il tono favolistico del villaggio, rafforza la tenerezza tra i protagonisti, dà ritmo alle scene corali, e si ritrae con pudore nei momenti più intimi.
Young inserisce nella partitura diversi canti popolari irlandesi (tra cui The Rakes of Mallow, The Isle of Innisfree e Galway Bay), legandoli con armonie fluide e raffinate. La più celebre resta proprio The Isle of Innisfree, che apre il film e ritorna come leitmotiv ogni volta che Sean Thornton guarda la sua terra con occhi colmi di memoria. Fu John Ford in persona a chiedere che il tema di Innisfree diventasse il cuore musicale del film.
Young non vinse l’Oscar per questa colonna sonora — sebbene lo meritasse — ma in compenso contribuì a rendere eterno il paesaggio emotivo di Un uomo tranquillo. Le sue note, come la regia di Ford, non raccontano un luogo reale, ma uno stato d’animo. E continuano a risuonare ogni volta che pensiamo a quel villaggio senza tempo in cui tutti, almeno una volta, abbiamo desiderato rifugiarci. 

La première mondiale di Un uomo tranquillo si tiene il 6 giugno 1952, simultaneamente a Londra e a Dublino, all’Adelphi Cinema della capitale irlandese. Ford insiste perché sia proprio lì: è il luogo dove i suoi genitori si sono conosciuti, e l’omaggio non può che essere affettuoso e simbolico. In sala ci sono il presidente Seán T. O’Kelly e Maurice Walsh, autore del racconto da cui il film è tratto. L’evento viene descritto come affollatissimo: migliaia di persone fanno la fila per ottenere un biglietto, e centinaia restano fuori per mancanza di posti.
Il gestore dell’Adelphi invia un telegramma alla Republic Pictures: “Successo enorme. Acclamato da ogni parte del pubblico. Descritto come una ventata d’aria fresca persino nella verde isola d’Eire.” Per chi non è riuscito a entrare, Radio Éireann trasmette un programma speciale con interviste a ospiti e spettatori.
Il film resta in sala per altre sette settimane, battendo ogni record del cinema, perfino durante l’ondata di caldo di quell’estate. Prodotto con un budget di circa 1,75 milioni di dollari, Un uomo tranquillo incassa circa 7,6 milioni nella sua prima distribuzione: un risultato notevole per l’epoca, che lo consacra anche come successo commerciale.

Un uomo tranquillo diventa subito un fenomeno, anche grazie al legame emotivo con la cultura irlandese, alla popolarità di John Wayne e al ruolo del cinema nella vita quotidiana: nel 1952, in assenza della televisione, si registrano 49 milioni di ingressi in sala solo nella Repubblica d’Irlanda.
La première americana si tiene a New York il 21 agosto 1952.
Dopo il successo caloroso al botteghino e l’entusiasmo del pubblico, Un uomo tranquillo prosegue il suo viaggio anche nella stagione dei premi. E lo fa in grande stile.
La sera del 19 marzo 1953, al RKO Pantages Theatre di Hollywood, va in scena la 25ª edizione degli Academy Awards, presentata da Bob Hope. Tra le pellicole più attese c’è anche il film di John Ford, che si presenta con sette nomination: miglior film, miglior regia, miglior sceneggiatura non originale, miglior fotografia a colori, miglior attore non protagonista (Victor McLaglen), miglior sonoro e miglior direzione artistica.
John Ford, debilitato da problemi di salute, non è presente in sala. A ritirare l’Oscar per la miglior regia sale sul palco John Wayne, in un gesto che sembra chiudere simbolicamente il cerchio tra il regista e il suo attore feticcio. È il quarto Oscar alla regia per Ford — un record mai superato — e l’unico premio importante vinto dal film quella sera.

L’altra statuetta va alla fotografia a colori di Winton C. Hoch e Archie Stout, premiata per aver saputo cogliere la luce e l’anima dell’Irlanda con una grazia quasi pittorica. Nonostante Un uomo tranquillo non porti a casa il premio per il miglior film, lascia una traccia profonda nella memoria di quella serata. Un film “piccolo” rispetto ad altri titoli in gara, ma destinato a durare.
Negli anni, Un uomo tranquillo ha smesso di essere solo un film. È diventato un luogo dell’immaginario, un punto di riferimento emotivo per migliaia di spettatori che ancora oggi continuano a visitare quei luoghi, come se volessero verificare che esistano davvero.
A Cong, il villaggio dove si sono svolte le riprese in esterni, è stato creato un museo dedicato al film, con visite guidate giornaliere e tour che ricostruiscono fedelmente le scene più celebri. Alcuni edifici, come quello trasformato nel pub di Cohan, conservano ancora oggi insegne e dettagli del set. Le guide raccontano aneddoti, mostrano scorci che appaiono nel film, e condividono con i visitatori l’atmosfera sospesa che ancora aleggia tra quelle strade.
Anche molti dei miei lettori mi hanno scritto per raccontarmi della loro esperienza lì: di aver percorso gli stessi sentieri di Sean e Mary Kate, di essersi affacciati al ponte in pietra e aver scattato una foto, quasi a suggellare un sogno a lungo coltivato. Alcuni mi hanno detto di aver riconosciuto ogni inquadratura come si riconosce una poesia imparata a memoria, ma mai dimenticata.
E a proposito di memoria, vi racconto un episodio che rappresenta quanto questo film sia rimasto nel cuore del pubblico anche molti anni dopo.
Nel 1986, la moglie di un giovane poliziotto di New York, rimasto paralizzato durante il servizio, raccontò ai giornalisti che The Quiet Man era il film preferito di suo marito, e che lui adorava Maureen O’Hara.
Dopo aver letto la notizia, O’Hara volò a New York e si presentò al suo capezzale per offrirgli conforto. Lo accompagnò durante la riabilitazione, partecipò al battesimo del loro bambino e sfilò in una parata in suo onore.

Un gesto che forse dice tutto: quello che un film può lasciare, anche quando la sala si svuota, i titoli scorrono e la vita va avanti.

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Ci sono film con cui tanti di noi sono cresciuti, anche senza accorgercene.
Sono quei titoli che sembravano spuntare in TV ogni volta che si stava a casa da scuola, che si guardavano con i cugini durante le vacanze, che ci facevano sentire un po’ americani anche noi, anche solo per il tempo di una merenda.
Ecco, Il cowboy col velo da sposa è uno di quei film, nonostante quel titolo della versione italiana così assurdo che ogni volta mi fa alzare gli occhi al cielo. Perchè non c’è nessun cowboy, e la sposa, al massimo, indossa una veletta microscopica. Chissà chi ha avuto l’idea che potesse avere senso. Ma tant’è, il mistero resta.

Ma ora arriva il colpo di scena. Io, questo film, non l’ho visto da bambina.

Anzi, devo proprio fare un mea culpa: io sono cresciuta con Genitori in trappola, quello del 1998, con Lindsay Lohan (nella sua fase d’oro), Dennis Quaid e Natasha Richardson — e ogni volta che penso alla sua tragica scomparsa, mi viene un nodo alla gola.

Quindi immaginate la mia sorpresa quando, a metà anni Duemila, m’ imbatto ne Il cowboy col velo da sposa.
E capisco che quella storia che conoscevo già a memoria… era una versione nuova di qualcosa di molto più vecchio. E che nella versione originale, la protagonista era la mia adorata Hayley Mills — sì, proprio lei, la Pollyanna con cui sono cresciuta fin da piccola (se non avete ancora visto il mio articolo su quel film lo trovate qui).
Ma non solo: in quel film c’era pure quel vecchietto furbo e dolcissimo che avevo già visto nei panni del veterinario in Quattro bassotti per un danese, per non parlare della nonna di Cary Grant in Un amore splendido — due volti che per me erano pura casa.
E poi vogliamo parlare delle voci? La direttrice del campeggio è una super divertente di Lydia Simoneschi, qui davvero in versione Maga Magò in vacanza. Ma anche il resto del cast è il fior fiore del nostro doppiaggio italiano.
Dal momento in cui ho scoperto Il cowboy col velo da sposa, non ne sono più uscita.
Anzi, è entrato nel mio cuore con prepotenza, come solo i grandi classici sanno fare quando ti sorprendono da adulta, e ti fanno sentire, per un attimo, di nuovo una bambina.
Ecco perché oggi voglio portarvi dietro le quinte di questo piccolo grande film: raccontarvi le sue origini inaspettate, gli effetti speciali pionieristici, il cast straordinario, gli incidenti sul set, e il modo in cui la Disney ha scelto di raccontare, con leggerezza e rispetto, un tema delicatissimo per l’epoca: il divorzio, mettendo finalmente al centro lo sguardo dei figli. 
Se pensate di conoscere Il cowboy col velo da sposa, aspettate di leggere tutto il resto. Perché — e ve lo dico col cuore — c’è molto, molto di più. 

Il titolo originale è The parent trap, ed è un film del 1961 diretto da David Swift con protagonisti Hayley Mills, Maureen O'Hara e Brian Keith.  

La trama in breve: Susan e Sharon si incontrano per caso in un campo estivo e scoprono, con sgomento e meraviglia, di essere sorelle gemelle. Separate alla nascita dopo il divorzio dei genitori, decidono di scambiarsi di posto: Susan va a vivere con la madre a Boston, Sharon col padre in California. L’obiettivo? Conoscere il genitore “mancante”… e magari, far riunire la famiglia. Ma tra imprevisti, travestimenti e una futura matrigna in agguato, le due ragazze dovranno mettere in campo tutta la loro astuzia per far trionfare l’amore.

Alcune scene del film

All’inizio degli anni Sessanta l’America si sta scrollando di dosso il perbenismo dell’era Eisenhower e si affaccia a un decennio che cambierà tutto: i costumi, la musica, la famiglia, persino l’idea stessa di infanzia. È un’epoca di grandi contraddizioni: da un lato il boom economico, il mito della famiglia perfetta, i quartieri residenziali con la staccionata bianca. Dall’altro, il fermento culturale e sociale che inizia a premere da sotto la superficie.
Nel cinema, la Disney è ancora sinonimo di sicurezza, di mondi incantati, di intrattenimento familiare senza spigoli. Ma anche in casa Disney si avverte che qualcosa sta cambiando.
Il pubblico non è più composto solo da bambini accompagnati dai genitori: i film devono parlare anche agli adulti, e possibilmente a quelle famiglie che non sono più così perfette come vengono rappresentate nelle pubblicità..  
    
Non è una storia nata a Hollywood, e forse è proprio questo il suo segreto. 
Tutto comincia nel 1949, in un’Europa ancora scossa dalla guerra. Lo scrittore austriaco Erich Kästner, noto per i suoi romanzi per ragazzi che mischiano delicatezza, ironia e un tocco malinconico, pubblica un libro destinato a restare nel cuore di moltissimi lettori: Das doppelte Lottchen.

La trama, semplice solo in apparenza, racconta di due gemelle identiche, Luise e Lotte, cresciute una a Vienna e l’altra a Monaco, che si incontrano per caso in un campeggio estivo. Scoprono di essere sorelle, separate dai genitori dopo il divorzio, e decidono di scambiarsi la vita: Luise va con la madre, Lotte col padre. Non per capriccio, ma con l’idea (geniale e disperata, come solo i bambini sanno avere) di rimettere insieme la famiglia.
Il tono è lieve, pieno di sfumature. C’è l’umorismo, certo, ma anche la tristezza dei legami spezzati, il senso di perdita e quella resilienza infantile che spinge a credere che tutto si possa aggiustare. Ecco, questo è lo spirito originale.
Il libro è un successo immediato e, appena un anno dopo, diventa anche un film: Das doppelte Lottchen, diretto da Josef von Báky, con vere gemelle nel ruolo delle protagoniste. È una trasposizione molto fedele, girata in Germania, e viene addirittura presentata alla Mostra del Cinema di Venezia nel 1951.
Quello che forse non tutti sanno è che prima ancora del libro, Kästner aveva immaginato questa storia come sceneggiatura per il cinema. Ma il progetto fu accantonato a causa della guerra, e solo in seguito prese forma come romanzo. Come dire: certe storie sanno aspettare il momento giusto.
Quel momento, per la Disney, arriva grazie all’occhio attento di Bill Dover, story editor dello studio, che qualche anno dopo ne propone l’adattamento come veicolo perfetto per Hayley Mills. Ma questa è un’altra pagina della storia, e ci arriviamo tra pochissimo…
Il film viene pensato fin da subito come un nuovo veicolo per Hayley Mills, reduce dal trionfo di Pollyanna, che le è valso un Oscar giovanile e l’affetto del pubblico di mezzo mondo. Ma di lei vi parlo meglio tra poco.
Per dare vita a questa nuova storia — brillante, tenera e con due protagoniste in una — viene richiamato David Swift, già regista e sceneggiatore di Pollyanna. 

È lui a scrivere la sceneggiatura e a immaginare i tempi comici, le battute, le situazioni assurde ma credibili. Swift ha un talento particolare: sa raccontare l’infanzia senza infantilizzarla, sa muoversi tra emozione e leggerezza con quella grazia che pochi altri riescono a imitare.
Sotto la sua penna, la storia prende nuova forma: il tono si fa più americano, più moderno, ma conserva l’anima tenera e scanzonata del racconto originale. E soprattutto mette al centro le bambine. Sono loro, fin dal primo momento, le vere protagoniste del film, non semplici pedine in balia degli adulti, ma motore attivo della narrazione.
Il titolo di lavorazione cambia diverse volte: si parte con His and Hers, si passa a Petticoats and Blue Jeans — che ha l’aria di una canzone country — e si arriva infine a The Parent Trap, semplice, ironico, accattivante. Un titolo che gioca sul doppio senso della “trappola” per genitori e su quello, più affettuoso, della riconciliazione.
Prima ancora di diventare le gemelle Sharon e Susan, Hayley Mills è già un volto amatissimo dal pubblico. 

 

Figlia dell’attore inglese Sir John Mills e della scrittrice e sceneggiatrice Mary Hayley Bell, respira cinema e teatro fin da bambina. Il suo debutto sul grande schermo arriva nel 1959, in Questione di vita o di morte, un film britannico in cui recita accanto alla madre: piccola parte, ma primo segno di un talento fuori dal comune.
Il vero colpo di fortuna, però, arriva quando Walt Disney la nota e decide di puntare tutto su di lei per un ruolo che richiede dolcezza, caparbietà e una bella dose di luce interiore: quello della protagonista in Pollyanna. Il film è un successo immediato e Hayley conquista il pubblico americano con il suo sorriso limpido e lo sguardo intelligente. Per quella interpretazione, riceve uno special Oscar giovanile che la consacra come una delle stelle emergenti del cinema familiare dell’epoca.
Disney non perde tempo: firma con lei un contratto di cinque film in cinque anni, uno ogni estate, e mette in cantiere subito un nuovo progetto pensato su misura per lei. Qui Hayley si trova a interpretare due personaggi contemporaneamente: una sfida notevole, soprattutto considerando le differenze sottili ma importanti che deve restituire. Le due gemelle parlano infatti con accenti differenti — bostoniano e californiano — e Hayley riesce a cogliere queste sfumature con una precisione sorprendente.
Per aiutarla, sul set arriva anche Susan Henning, giovane attrice che si presta come controfigura per tutte le inquadrature di spalle. Ma di questo — e dei trucchetti tecnici geniali usati dalla Disney per far sembrare reali le due gemelle — vi racconterò meglio nella sezione dedicata alle riprese.
Quello che è certo è che Hayley non si limita a “dividersi” in due: dà vita a due personalità, credibili e ben distinte, e lo fa con una freschezza che ancora oggi conquista intere generazioni.

Maureen O’Hara non ha bisogno di presentazioni. È la rossa dagli occhi verdi che ha incantato Hollywood, la musa ribelle di John Ford, la partner ideale di John Wayne. Per due decenni ha interpretato donne forti, passionali, dallo sguardo fiero e dal temperamento indomabile.

Negli anni Cinquanta era una star affermata, ma la sua carriera subisce una battuta d’arresto dopo uno scandalo montato ad arte dalla famigerata rivista Confidential — sì, la stessa finita anche al centro della vicenda di Dorothy Dandridge, ve ne ho parlato in un altro articolo. O’Hara fa causa, dimostra la falsità dell’articolo, e vince. Ma intanto Hollywood, come spesso accade, le volta le spalle.
Quando arriva la proposta della Disney per Il cowboy col velo da sposa, Maureen accetta con entusiasmo: ama la sceneggiatura, il tono familiare, il ruolo di madre intelligente e affettuosa. Ottiene anche il compenso che ritiene giusto — ma non riesce a spuntarla sulla questione più spinosa: i titoli di testa.
Il suo status da protagonista avrebbe dovuto garantirle la posizione principale, ma la Disney decide di puntare tutto sulla popolarità di Hayley Mills, fresca del successo di Pollyanna. Risultato? In alto, a caratteri cubitali, campeggia “Hayley Mills & Hayley Mills”. O’Hara (insieme a Keith) resta in seconda linea.
È un colpo che non prende bene. E anche se evita di trasformare lo scontro in una causa, decide che quella sarà la sua ultima collaborazione con lo studio.
Una scelta netta, orgogliosa, coerente con la donna che era. Perché Maureen non era solo una leggenda del cinema, ma anche una professionista integerrima, con una dignità che non scendeva mai a compromessi.

Brian Keith è uno di quegli attori che ti trasmettono fiducia al primo sguardo. Ha la voce roca, l’aria solida, lo sguardo affettuoso ma un po’ spaesato, perfetto per il ruolo del padre che si ritrova due figlie in casa… quando pensava di averne una.

Fino a quel momento, però, il suo volto era stato associato a ruoli molto diversi: poliziotti, cowboy, uomini d’azione. Era una presenza frequente in film e serie tv che avevano poco a che fare con le commedie familiari. E invece Il cowboy col velo da sposa cambia tutto. È il suo primo ruolo da protagonista in una romantic comedy — e sarà l’inizio di una nuova fase della carriera: più leggera, più domestica, più sorridente.
Keith aveva alle spalle un vissuto intenso, e non solo sullo schermo. Dal 1942 al 1945 combatte nei Marines come artigliere, durante la Seconda guerra mondiale. Viene decorato con l’Air Medal, segno di coraggio e valore. E nel suo passato c’è anche una nota tragica: la sua matrigna fu Peg Entwistle, attrice di Broadway che si tolse la vita gettandosi dalla “H” della famosa scritta di Hollywood. Un episodio che, pur non legato a lui direttamente, è rimasto scolpito nella memoria collettiva.
Dopo la guerra, Keith si afferma come attore versatile: recita in teatro, in decine di serie tv — tra cui Alfred Hitchcock Presents — e poi approda al cinema. Con The Parent Trap dimostra di saper essere anche dolce, paterno, e persino un po’ goffo, ma nel modo giusto. Il pubblico lo adora.
Negli anni seguenti continua su questa strada: sarà il protagonista della serie di grande successo Tre nipoti e un maggiordomo (Family Affair), in cui interpreta un tutore affettuoso ma confuso, e poi di Hardcastle & McCormick, diventando uno dei volti più familiari della televisione americana.
Ma la sua vita non è tutta sorrisi e ciak. Negli ultimi anni soffre di enfisema e viene colpito da un tumore ai polmoni, nonostante avesse smesso di fumare da tempo. La perdita della figlia Daisy, suicida nel 1997, lo colpisce in modo devastante. Due mesi dopo, anche Brian Keith si toglie la vita, nella sua casa di Malibu.
Un uomo complesso, segnato da lutti e successi, ma che nel cuore di chi ha amato Il cowboy col velo da sposa resta il papà perfetto: un po’ disorientato, ma sempre pronto ad accogliere con calore — anche due figlie alla volta.
Joanna Barnes è la classica attrice che non ha bisogno di molte scene per lasciare il segno. Nel film interpreta Vicky, la nuova fidanzata del padre: elegante, ambiziosa, perfettamente calcolatrice. Il tipo di donna che i bambini fiutano subito come una minaccia. E hanno ragione.
La sua performance è così incisiva che nel remake del 1998 — Genitori in trappola, con Lindsay Lohan — le viene affidato un cameo perfetto: interpreta la madre della nuova fidanzata, che guarda caso si chiama ancora Vicky. Un bel gioco di specchi che fa l’occhiolino agli spettatori più nostalgici.
Ma Joanna Barnes non è solo Vicky. Nel 1958 ottiene una nomination al Golden Globe come “New Star of the Year” per il ruolo di Gloria Upson nella commedia La signora mia zia, dove brilla in un altro personaggio snob e superbamente antipatico. L’anno successivo diventa la 13ª attrice a interpretare Jane in un film di Tarzan (Tarzan, the Ape Man, 1959). E in Spartacus (1960) è una delle due aristocratiche romane che provocano con leggerezza una ribellione di schiavi. Sempre personaggi di carattere, mai banali.
Oltre a recitare, è stata anche scrittrice, giornalista e spesso panelist nel celebre quiz show What’s My Line? (pensate era nel panel quando l’ospite da indovinare era proprio Hayley e non l’ha riconosciuta). Intelligente, ironica, affilata. E Vicky — antipatica quanto si vuole — resta una delle antagoniste più iconiche del cinema Disney. Il suo ingresso in scena in tailleur beige e sorriso di circostanza è ancora oggi un perfetto esempio di “falsa gentilezza” da manuale.

Una Merkel è la tata adorabile, quella che tutti vorremmo avere a casa: saggia, schietta, con una vena di umorismo dolce e quel modo tutto suo di far capire che sì, può sembrare quieta… ma non le sfugge nulla.

Nel film interpreta Verbena, la governante che osserva, ascolta e interviene solo quando davvero serve — e quando lo fa, non sbaglia mai un colpo. Il suo personaggio è un piccolo gioiello di equilibrio: tenero ma non melenso, comico ma mai sopra le righe. Il classico “cuore della casa”.
Ma nella vita, Una Merkel non è una comparsa. È una vera veterana di Hollywood, ha esordito come controfigura di Lillian Gish negli anni Venti, e poi attiva fin dagli anni Trenta, con una carriera che spazia dai musical alle screwball comedies fino ai western. Sempre con quella voce morbida, quell’accento del sud, e una presenza che ti mette a tuo agio solo a guardarla.
Dietro la sua grazia, però, si nasconde una vita segnata da tragedie profonde. Nel 1945, la madre di Una — con cui condivideva un appartamento a New York — si tolse la vita, aprendo tutti i fornelli a gas della cucina. Anche Una fu coinvolta: venne trovata priva di sensi nella sua stanza, intossicata dai fumi, e solo un intervento tempestivo le salvò la vita.
Sette anni dopo, quasi nello stesso periodo dell’anno, Una attraversa un’altra profonda crisi personale e tenta a sua volta il suicidio con un’overdose di sonniferi. Viene salvata in extremis da una domestica che si prendeva cura di lei. Rimane in coma per un giorno intero, ma si risveglia. E — con quella forza silenziosa che l’ha sempre contraddistinta — torna al lavoro.
Forse è proprio questo dolore trasformato in resilienza a rendere la sua Verbena così autentica e capace di toccare il cuore: una donna che ha conosciuto la sofferenza, e l’ha saputa trasformare in gentilezza.
Una delle magie del cinema classico sta anche nei volti familiari che ti fanno sentire a casa, anche se non ricordi subito il nome. Il cowboy col velo da sposa è pieno di questi volti — e in particolare ce ne sono tre che vale la pena celebrare.

Charles Ruggles, per esempio, interpreta il nonno delle gemelle con un affetto burbero e un’ironia pacata che conquista subito. Per chi è cresciuta con i film Disney, è impossibile non ricordarlo anche nei panni del veterinario in Quattro bassotti per un danese — sempre con quell’aria da zio un po’ distratto, ma dal cuore d’oro. In realtà, Ruggles è stato un gigante della commedia americana, con una carriera iniziata addirittura nel cinema muto. Ha lavorato con Ernst Lubitsch, Howard Hawks, Roy Del Ruth, interpretando spesso ufficiali, dottori, miliardari eccentrici. Insomma, un esperto assoluto della commedia sofisticata. La sua vita ve l'ho raccontata nel mio articolo Professione caratterista qui.
Altrettanto memorabile è Cathleen Nesbitt, che qui è la nonna: elegante, tenera, saggia. Ha l’aura di una vera lady — non solo sullo schermo, ma anche nella vita. Laureata alla Sorbona, educata in lingue e letteratura, è stata attrice per tutta la vita, lavorando in ruoli sempre raffinati, spesso nobildonne o figure materne dal cuore grande. Per il pubblico italiano è anche la nonna di Cary Grant in Un amore splendido. Nel 1967 è stata insignita del titolo di Commendatore dell’Impero Britannico per il suo contributo alle arti. E sì, era proprio quel tipo di donna che sembrava nata per indossare un cappello con disinvoltura. La sua vita ve l'ho raccontata nel mio articolo Professione caratterista qui.
Infine, c’è Leo G. Carroll, qui nel ruolo del reverendo deve celebrare il matrimonio. Inglese, elegante, con quella voce profonda da “gentiluomo di altri tempi”, è stato uno degli attori più amati da Alfred Hitchcock, che lo ha voluto in ben sei film — da Il sospetto a Intrigo internazionale. Al cinema e in tv ha sempre incarnato l’autorità con garbo: è stato medici, direttori, scienziati, diplomatici. In questo film, è il tocco finale perfetto: discreto, divertito, impeccabile.
Tre presenze che forse lo spettatore più giovane nota distrattamente… ma che sono l’anima segreta di molte scene indimenticabili.
Le riprese iniziano nell’estate del 1960 e durano poco più di tre mesi. A livello tecnico, il film rappresenta una piccola rivoluzione: bisogna far convivere due gemelle nello stesso fotogramma… ma ce n’è solo una. Il trucco? Due tecniche complementari. La prima è l’uso della controfigura: Susan Henning, bionda, snella, occhi azzurri, recita di spalle o di lato accanto a Hayley Mills. La seconda è lo split screen, in cui la cinepresa espone metà pellicola alla volta e ogni scena viene girata due volte, con Hayley che cambia costume, acconciatura, atteggiamento.
L’effetto finale è sorprendente, grazie anche all’eccellente lavoro del reparto effetti speciali guidato da Ub Iwerks – uno dei geni fondatori dell’animazione Disney – e Bob Broughton, esperto in trucchi ottici. Pare che Walt Disney in persona abbia chiesto che venissero reinseriti nel montaggio alcuni di questi “trick shots” inizialmente ridotti al minimo: gli piaceva stupire con la tecnologia.
Anche fuori campo non manca il divertimento. Durante le pause pranzo, Hayley e Susan – identiche in costume e parrucca – uscivano dagli Studios per andare a mangiare da Bob’s Big Boy, fingendosi vere gemelle. Nessuno se ne accorgeva. Almeno, non subito. Certo, a un occhio attento qualche differenza si notava: Susan aveva le gambe più lunghe, il collo più slanciato… e – dettaglio meno visibile ma piuttosto scomodo – un nasino grazioso e sottile. Talmente diverso da quello di Hayley che per tutta la durata delle riprese fu costretta a indossare una protesi in gomma, modellata per riprodurre fedelmente il profilo della sua collega. Provateci voi a mordere un hamburger respirando da una narice di plastica!
Non mancano, però, alcune scelte scenografiche oggi un po’ datate. La famosa passeggiata di Hayley e Maureen nel parco di Boston, ad esempio, è girata in studio, con uno sfondo proiettato e le attrici che camminano su un tapis roulant. Una soluzione molto in voga all’epoca, ma che oggi risulta visivamente straniante: sembra di assistere a una scena su una passerella mobile, più che a una passeggiata nel verde.

E poi c’è l’aneddoto da set che più di tutti racconta lo spirito del cast. Nella scena in cui Mitch scopre che l’ex moglie si trova in casa sua – proprio mentre sta parlando con Vicky e il reverendo – rimane così sbalordito da inciampare su una sedia e cadere malamente, incrinandosi due costole. Ma decide di non dire nulla per non bloccare le riprese. Si rialza, stringe i denti, e va avanti come se niente fosse.

Alcune foto scattate sul set

Non sono certo i costumi la prima cosa che viene in mente quando pensiamo a Il cowboy col velo da sposa, eppure — come spesso accade con i dettagli ben fatti — è proprio perché non ci si fa caso che funzionano così bene.
A firmarli è Bill Thomas, uno che con ago e filo ci sapeva fare. Classe 1921, compie il suo apprendistato negli anni Quaranta alla Metro Goldwyn Mayer, fianco a fianco con due leggende come Irene e Walter Plunkett (giusto per citare il costumista di Via col vento, tanto per capirci). 

Negli anni Cinquanta diventa capo costumista alla Universal e più tardi collaboratore fisso di casa Disney, dove lavorerà per due decenni. Se avete mai visto Babes in Toyland, Un maggiolino tutto matto o Bedknobs and Broomsticks, avete già incrociato il suo stile.
In Il cowboy col velo da sposa, la sua mano si sente eccome, anche se non grida mai per attirare l’attenzione. I costumi sono semplici, funzionali, coerenti con i personaggi: camicie scozzesi, gonne al ginocchio, vestitini da campo estivo e tailleur da signora perbene. Il suo lavoro è così discreto da passare quasi inosservato, ma è proprio questa la sua forza.
Insomma, niente abiti da Oscar (anche se Thomas ne ha collezionate di nomination, e pure una statuetta per Spartacus), ma un lavoro preciso, coerente, e perfettamente allineato al tono scanzonato e famigliare del film. E anche questo fa parte della magia.

Uno dei motivi per cui Il cowboy col velo da sposa riesce ancora oggi a regalarci quella sensazione di familiarità e calore è anche merito delle sue location. Sì, lo so, non è esattamente realistico pensare che una bambina californiana venga spedita in un campo estivo sulle montagne e si ritrovi la copia identica di se stessa, ma lasciamoci trasportare. In fondo, ci siamo sempre lasciati trasportare.
Le scene del campo estivo sono state girate tra i pini delle San Bernardino Mountains, nei pressi di Big Bear Lake, più precisamente a Bluff Lake Camp e Cedar Lake Camp. Luoghi veri, concreti, dove il silenzio del bosco incontra il rumore delle risate (e dei dispetti) delle ragazze di Camp Inch. I nomi sono cambiati negli anni — oggi questi spazi sono gestiti da organizzazioni diverse — ma lo spirito da avventura anni '60 resta tutto.

E poi, come dimenticare Pebble Beach, il campo da golf da sogno dove il papà delle gemelle si concede una partita. Non è solo una delle location più eleganti e iconiche della California, è anche il luogo del cameo segreto di papà John Mills, l’attore e padre di Hayley, che si fa dare una comparsata… per poter giocare gratis tutto il giorno. 

 

Le scene ambientate a Monterey, dove vive il personaggio di Brian Keith, sono state girate in parte in esterni veri, nella zona di Carmel e Pacific Grove, ma soprattutto sul set ricreato negli studi Disney, nello storico Golden Oak Ranch a Placerita Canyon. Ed è proprio lì che prende forma la casa perfetta: elegante, luminosa, con la scalinata scenografica e il soggiorno da rivista. Non esiste davvero, ovviamente — è un set costruito ad hoc — ma ha lasciato un’impressione tale nel pubblico che ancora oggi il dipartimento archivio Disney riceve richieste per avere la piantina di quella casa. Un sogno domestico, con vista mare e happy ending incorporato.

Con Il cowboy col velo da sposa prende il via uno dei sodalizi più fortunati nella storia della Disney: quello tra Walt Disney e i fratelli Sherman, Richard e Robert. 

È grazie a Annette Funicello — ex stellina del Mickey Mouse Club e volto amatissimo dal pubblico giovanile — che Walt si accorge di loro. Avevano scritto per lei Tall Paul, un brano che aveva fatto il botto tra i teenager americani. E a quel punto, Disney chiede: “Chi sono quei due che scrivono i pezzi per Annette? Voglio conoscerli.”
L’incontro avviene. E da lì parte tutto.
Per questo film i due fratelli scrivono tre canzoni: una lenta, una media, e una più vivace, con l’idea che possano rappresentare le diverse sfumature emotive della storia. Ed è proprio tra queste che nasce Let’s Get Together, pensata come se fossero le stesse gemelle a cantarla. Il brano è semplice, diretto, irresistibilmente contagioso. Lo interpreta Haley Mills, in doppia versione. Non ha una voce tecnica, ma ci mette tutta la sua personalità: il risultato è genuino, fresco, e perfettamente in linea con il tono del film.
Il successo è immediato. Let’s Get Together viene pubblicato come singolo, e diventa una hit da jukebox, amata da bambini e adolescenti. Non male per una “non cantante” come Haley!

Gli Sherman firmano anche una ballata romantica, For Now, For Always, pensata per raccontare il passato dei genitori delle gemelle. È una canzone dal sapore anni ’40, scritta proprio per sembrare l’inno d’amore di un’epoca lontana — quella in cui, idealmente, Maureen O’Hara e Brian Keith si erano conosciuti.
Il regista David Swift, ascoltandola per la prima volta, confessa di aver sentito brividi lungo la schiena. La emozione che cercava era tutta lì. Ed è così che la canzone trova casa in una delle scene più toccanti del film: quella in cui, nel (finto) parco di Boston, la madre racconta a una delle figlie — o meglio, alla gemella che si finge l’altra — come ha conosciuto il padre. Una scena che non ha bisogno di troppe parole: For Now, For Always le dice tutte, con malinconia e grazia.

 

La title track del film, The Parent Trap, è cantata da Annette Funicello e Tommy Sands. Entrambi erano già impegnati in quegli anni sul set di Babes in Toyland (1961), proprio nei Disney Studios, e quindi perfetti per registrare il brano velocemente e “in casa”.

Questa canzone accompagna l’inizio del film, con una sequenza animata realizzata in stop motion da Bill Justice e Xavier Atencio, due artisti di punta del reparto animazione Disney. Il tono è scanzonato, leggero e swingante, perfetto per introdurre il film con quel mix di modernità e spensieratezza che Walt cercava.

Dal punto di vista musicale, il pezzo si ispira allo stile easy listening dei primi anni ’60, con un ritmo che strizza l’occhio al jazz leggero e ai vocal group dell’epoca. Gli Sherman avevano inizialmente pensato di scrivere una canzone dal titolo “Parent Trap” solo perché Walt lo aveva chiesto espressamente, ma poi hanno trovato il modo di renderla efficace… anche se il titolo non era proprio “musicale” da cantare!

Eppure, il risultato funziona: “The Parent Trap” diventa una sigla orecchiabile e allegra, perfetta per introdurre subito lo spirito giocoso e un po’ irriverente del film.

Infine, una chicca per i più attenti: quando le ragazze camminano verso la capanna dell’isolamento, tutte le altre le seguono fischiettando la Colonel Bogey March, la stessa del film Il ponte sul fiume Kwai (1957), usata lì per accompagnare l’ingresso dei soldati nel campo di prigionia. Un riferimento sottilissimo, ma irresistibile per i cinefili.

La sera del 21 giugno 1961, l'elegante Capitol Theatre di New York apre le sue porte per la premiere de Il cowboy col velo da sposa. È un evento in grande stile, con Walt Disney che punta tutto su Hayley Mills e sulla magia del suo doppio ruolo. E il pubblico? Ricambia con entusiasmo. Il film si trasforma subito in un successo clamoroso, incassando oltre 25 milioni di dollari negli Stati Uniti e arrivando a sfiorare i 30 milioni in tutto il mondo. Una cifra che lo consacra tra i titoli di punta della stagione, dietro solo a giganti come West Side Story.
Anche la critica risponde positivamente. Lodi per la regia di David Swift, per i personaggi vivaci e – ovviamente – per la straordinaria performance sdoppiata di Hayley. Non mancano neppure i riconoscimenti ufficiali: arrivano due nomination agli Oscar, per il miglior montaggio e il miglior sonoro, e il film si aggiudica anche un Eddie Award da parte dell’American Cinema Editors per il lavoro di montaggio.
Ma, come spesso accade, non tutto è oro. Hayley Mills racconta nella sua autobiografia che, per lei, quel trionfo fu anche un piccolo disastro economico. Dopo aver pagato le tasse negli Stati Uniti, il padre trasferisce il resto dei guadagni in Inghilterra, dove subiscono una tassazione del 91%. Una volta sottratte le commissioni, resta ben poco. E a peggiorare il tutto, nessun diritto residuale: nonostante le continue repliche e il successo nel tempo, Hayley non ha mai ricevuto alcun compenso extra.
Il cowboy col velo da sposa non è solo una commedia per famiglie perfettamente confezionata. È uno di quei film che, anche a distanza di decenni, riesce ancora a far sorridere, commuovere e – perché no – far venire un piccolo nodo alla gola. Un racconto leggero solo in apparenza, che parla di separazioni e riconciliazioni, di genitori imperfetti ma sinceri, e soprattutto di bambini capaci di sognare una famiglia, anche quando sembra ormai impossibile.
Forse è anche per questo che, nel 1998, la Disney ha deciso di riproporlo con un nuovo cast e una nuova estetica. Il remake con Lindsay Lohan (al suo debutto), Dennis Quaid e Natasha Richardson ha fatto centro, portando la storia a una nuova generazione, con tutto l’incanto degli anni Novanta e una colonna sonora da far ballare anche i più nostalgici. 

Eppure, chi è cresciuta con Hayley Mills che si specchia nel lago, con quella casa che sembra uscita da una rivista di sogni, con il vestito tagliato e l’aria furbetta delle gemelle... sa bene che il primo amore cinematografico non si scorda mai.
Questo film è, per molte di noi, un rifugio dell’anima. Un luogo sicuro dove tornare, anche solo per il tempo di una canzone. E chissà, magari anche voi – mentre rivedrete Il cowboy col velo da sposa – sentirete quella piccola scintilla. Quella che accende i ricordi e li trasforma in qualcosa di ancora più prezioso. 

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