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Se avete visto Un amore splendido, sapete che è un film che non lascia indifferenti. Anzi, diciamolo chiaramente: scioglie anche i cuori di ghiaccio. Cary Grant, Deborah Kerr, una traversata in mare, la promessa di un appuntamento all’Empire State Building, “il posto più vicino al cielo”, e poi quella musica pazzesca che sembra toccare direttamente le emozioni (di questo film ve ne ho parlato qui).
Ecco, c’è un film che riunisce di nuovo quei due volti, quelle due voci (Lydia Simoneschi e Gualtiero De Angelis), ma lo fa con un tono completamente diverso.
I protagonisti sono ancora Cary Grant e Deborah Kerr, e questa volta sono già sposati.
L’erba del vicino è sempre più verde è una commedia brillante e sofisticata, dove l’humour inglese regna sovrano, dove tutto è suggerito più che mostrato, e le emozioni si nascondono dietro il velluto di una battuta ben piazzata. Nessun melodramma, niente lacrime: qui si gioca. Con il linguaggio, con la seduzione, con le apparenze. E quel gioco è così ben calibrato da rendere il film un piccolo gioiello di eleganza narrativa. 

Una commedia da camera travestita da favola borghese, con quattro attori in stato di grazia che si scambiano le parti, si provocano, si studiano con garbo e ironia.
A rendere tutto ancora più seducente, ci pensano i costumi di Christian Dior, i saloni nobiliari pieni di ritratti austeri, i giardini curati con la precisione dell’aristocrazia decadente. Se amate l’estetica di Downton Abbey, vi sentirete subito a casa. 

Non è un caso che ve ne parli proprio oggi, lunedì: domani sera andrà in onda in televisione (ore 21 su TV2000), e questa è l’occasione perfetta per (ri)scoprirlo.
E se ve lo perdete? Niente paura: è disponibile gratuitamente su YouTube, lo trovate in fondo all'articolo.
Un film che aveva tutte le carte in regola: un cast straordinario, la regia di Stanley Donen, l'estetica, dialoghi affilati, humour brillante. Eppure, alla sua uscita, la critica lo ha demolito. Fortunatamente, il pubblico ha saputo vederci altro. Lo ha salvato, amato, fatto suo.
E pensare che questo film era nato sotto la buona stella del numero tre – e, come dicono gli inglesi, third time’s the charm (la terza volta è quella buona). Vi racconterò perchè.
Ora è il momento di andare a scoprire com’è cominciato tutto.

Il titolo originale è The grass is greener ed è un film del 1960 diretto da Stanley Donen con protagonisti Cary Grant e Deborah Kerr.

Alcune scene del film

Foto promozionali

Anche la commedia romantica si evolve. Abbandonata la frenesia delle screwball comedy degli anni ’30 e ’40, si fa più matura, più sottile. I rapporti tra uomini e donne vengono esplorati con eleganza, con uno humour spesso trattenuto ma affilato, più vicino alla conversazione da salotto che allo slapstick. E non è un caso che molte di queste storie si spostino fisicamente e simbolicamente in Europa — in particolare in Inghilterra — dove la classe, la misura e una certa nostalgia dell’aristocrazia sembrano offrire il palcoscenico perfetto per raccontare le sfumature dell’amore con grazia e ironia. 

È in questo clima che, nel 1956, debutta al St. Martin’s Theatre di Londra una commedia in due atti dal titolo The Grass is Greener, scritta da Hugh e Margaret Williams. 

La pièce rispecchia perfettamente il gusto del tempo: raffinata, ironica, con un tocco di eccentricità tutta britannica, ambientata in una grande casa nobiliare aperta ai turisti per esigenze economiche — una pratica che proprio in quegli anni cominciava a diventare sorprendentemente diffusa.

Lauren Bacall, Vivien Leigh e Kay Kendall dopo aver visto lo spettacolo

La messa in scena è un successo e si colloca idealmente nel nuovo filone di storie sentimentali che giocano con le convenzioni del matrimonio, dell’amicizia e dell’attrazione, ma sempre con discrezione, spirito e (molto) humour. E non passerà molto tempo prima che qualcuno, a Hollywood, se ne accorga.
A notare questa storia così british e brillante è Cary Grant che la propone a Stanley Donen come prossimo progetto da produrre insieme. 

I due avevano fondato nel 1958 una propria casa di produzione indipendente, la Grandon Productions, nata sotto il segno di un’eleganza tutta internazionale. Il loro primo titolo, Indiscreto, era stato un successo, e il desiderio di proseguire lungo quella linea – commedie raffinate, ironiche, pensate su misura per Grant – si fa subito concreto (di questo film ve ne ho parlato qui).
Così nel 1959, decidono di acquistare i diritti della commedia The Grass Is Greener e di portarla sullo schermo mantenendone intatta l’atmosfera: aristocratica, leggera, profondamente inglese. La propongono alla Universal, che accetta di distribuire il film, e scelgono di girarlo in Inghilterra, appoggiandosi agli Shepperton Studios.
Cary Grant è all’apice della sua carriera: ha il potere di scegliere, e sceglie di tornare a quei ruoli sofisticati e affascinanti che lo hanno reso celebre. Si coinvolge attivamente nella produzione, supervisiona ogni fase del progetto, e ottiene il controllo finale sul cast. Donen, da parte sua, accetta con entusiasmo di dirigerlo: è un regista abituato alla precisione, al ritmo, al controllo del dettaglio, e anche lontano dal musical sa costruire scene in cui l’equilibrio dei tempi comici è orchestrato con maestria.
Per la sceneggiatura, Grant decide di affidarsi direttamente agli autori della storia, Hugh e Margaret Williams. È la loro prima volta al cinema, ma nessuno meglio di loro conosce quel tono rarefatto, ironico, intessuto di non detti e situazioni in bilico tra romanticismo e parodia. Il risultato è una commedia che conserva il suo spirito originale, ma lo adatta con misura a un linguaggio filmico più elegante e sottile.

Nel 1959 Cary Grant è reduce da grandi successi: Intrigo internazionale e Operazione sottoveste, lo consacrano, uno dopo l’altro, tra le figure più iconiche del cinema dell’epoca. I copioni si accumulano sulla sua scrivania: da Lolita a Tender Is the Night, fino a Lawrence of Arabia. Ma nonostante l’abbondanza di offerte, Grant resta indeciso. Rifiuta, rimanda, accarezza l’idea di nuovi progetti con Ingrid Bergman o di adattare un libro appena acquistato dalla sua casa di produzione. Poi, a un certo punto, sceglie la sicurezza: una commedia raffinata, prodotta da sé, scritta con intelligenza, girata in Inghilterra. L'erba del vicino è sempre più verde gli sembra il porto perfetto in cui attraccare. Ma non per recitarci da protagonista. 

Quando propone il film a Stanley Donen, Grant ha in mente per sé un ruolo defilato ma gustoso: quello dell’americano, lo straniero seducente e irriverente che rompe gli equilibri. La parte centrale — quella del conte inglese e di sua moglie — dovrebbe andare a una coppia formidabile nella vita e sullo schermo: Rex Harrison e Kay Kendall.

Kendall è brillante, spiritosa, aristocratica quanto basta. Aveva appena terminato Ancora una volta con sentimento, sempre diretta da Donen, e sembrava pronta a dare un tono di levità e profondità perfettamente in linea con il film. Eppure, dietro il sorriso, qualcosa non va.

Kay Kendall è malata di leucemia ma non lo sa. Harrison d'accordo con i medici sceglie di non dirglielo. Durante la pre-produzione, la salute di Kay si aggrava visibilmente. Harrison, sopraffatto dalla situazione, abbandona il progetto per prendersi cura di lei. Il 6 settembre 1959, Kay Kendall muore. Harrison non si riprenderà mai del tutto da quella perdita.

La produzione resta sospesa. E a quel punto, è Grant a rimettere insieme i pezzi. Per rispetto verso l’amico, per senso di responsabilità, e forse anche per istinto professionale, decide di assumere lui il ruolo di Victor Rhyall, il conte inglese. 

Con l’uscita di scena di Rex Harrison, anche il ruolo della protagonista femminile torna in discussione. In un primo momento si pensa a Ingrid Bergman, ma l’idea viene presto accantonata: troppo simile a Indiscreto, e il rischio di ripetersi è concreto. Si cerca qualcosa di diverso. Qualcuno che possa dare al pubblico una variazione sul tema — con lo stesso charme, ma una luce nuova. E così entra in gioco Deborah Kerr.

Scozzese, classe 1921, Deborah Kerr è diventata negli anni '50 il volto dell’eleganza e della disciplina britannica. Educata in teatro e poi passata al cinema con grande successo, ha lavorato con registi del calibro di Michael Powell, John Huston e Fred Zinnemann. Ma per molto tempo è rimasta prigioniera di ruoli “da signora”: eteree, compassate, moralmente irreprensibili. Solo a partire da Da qui all’eternità (1953), dove sorprende in una celebre scena sulla spiaggia accanto a Burt Lancaster, Kerr riesce a spostare l’immagine pubblica verso personaggi più complessi, sensuali, e finalmente imperfetti. Con Tavole separate (1958), porta in scena la fragilità e la repressione di una donna timida e infelice — e conquista definitivamente il pubblico americano.
Dopo essersi scrollata di dosso i ruoli da “duchessa inglese glaciale”, Kerr torna a interpretare una nobildonna. Ma questa volta il personaggio è diverso: Hilary Rhyall è elegante, certo, ma anche ironica, viva, perfettamente consapevole del proprio fascino — e non immune alla tentazione.
È la terza volta che divide lo schermo con Cary Grant, dopo La sposa sognata e Un amore splendido. Qui non c’è melodramma né destino tragico, ma una complicità sottile, fatta di sguardi, silenzi e battute taglienti. Il tono è più leggero, ma la chimica tra i due rimane intatta.
Nel 1960 Kerr è in pieno momento d’oro: I nomadi le ha appena regalato la sua sesta nomination all’Oscar. E qui, nel ruolo di una contessa che guida visite turistiche nella sua stessa casa, dimostra di saper portare l’autoironia con la stessa grazia con cui indossa i costumi più raffinati. 

Per il ruolo del miliardario americano, in un primo momento i produttori pensano a Charlton Heston. Lui, entusiasta, era pronto ad accettare. Nella sua autobiografia dirà: “Avrei fatto qualsiasi cosa per lavorare con Cary Grant. Anche raccogliere le sue briciole.” Ma un impegno teatrale con Laurence Olivier lo costringe a rinunciare.  
Così Robert Mitchum entra nel progetto, e lo fa con il passo tranquillo di chi non ha niente da dimostrare. 

 

È una scelta tardiva per il ruolo dell’americano Charles Delacro, ma una volta sul set, non ci sono più dubbi: con quella voce bassa, l’aria disincantata e il fascino indolente, è perfetto.
È appena uscito da I nomadi, dove ha recitato con Deborah Kerr — e dove, ironia della sorte, aveva accettato che il nome di lei apparisse per primo, pensando che suonasse meglio sulla locandina. Solo dopo capì che, nei meccanismi dei crediti, significava rinunciare al ruolo di “stella principale”. Una sottigliezza da studio legale hollywoodiano più che da attore, ma a lui non importa. Qui scende al terzo posto nei titoli di testa dopo oltre un decennio, e non fa una piega. Non è mai stato uno da gerarchie.
Nato a Bridgeport, Connecticut, nel 1917, Mitchum non ha nulla del divo costruito a tavolino. Orfano di padre a due anni, cresciuto tra fughe, lavori improvvisati e arresti, scappa di casa da adolescente e si costruisce una vita da vagabondo — prima di arrivare, quasi per caso, sul set. Il successo arriva nel 1945 con I forzati della gloria, che gli vale una nomination all’Oscar. Da lì, diventa l’uomo nuovo del cinema americano: poco loquace, distante, ma capace di bruciare lo schermo con un solo sguardo.
Durante le riprese de L’erba del vicino è sempre più verde, un giornalista gli chiede se si senta ricco. «Amico,» risponde, «l’unica cosa che mi importa davvero è avere abbastanza soldi per un drink o un pacchetto di sigarette». È il duro con l’anima gentile, quello che odia la violenza (“Chiedetelo a mia moglie”, dirà), che ama la famiglia, e che ha sempre vissuto con una regola sola: fare come gli pare, senza far male a nessuno.
Sul set, non ha mai cercato di rubare la scena. Ma quando entrava nell’inquadratura, il tono cambiava. E in questa commedia sofisticata, piena di dialoghi taglienti e situazioni eccentriche, Mitchum non solo tiene il passo: aggiunge profondità, leggerezza, e quella strana alchimia che non si può spiegare, ma solo riconoscere.
A completare il cast c’è Jean Simmons, che interpreta Hattie, l’amica di lunga data del personaggio di Cary Grant — figura sofisticata, brillante, e potenzialmente destabilizzante per l’equilibrio matrimoniale del conte. 

 

Nata a Londra nel 1929, Simmons ha iniziato a recitare giovanissima durante la guerra, e in pochi anni è diventata uno dei volti più amati del cinema britannico. La sua interpretazione in Amleto (1948) le vale una candidatura all’Oscar e la consacrazione anche a Hollywood, dove alterna ruoli in grandi classici come Black Narcissus e Spartacus a personaggi più moderni e sfaccettati.
Con questo film Simmons accetta un ruolo secondario pur di cimentarsi con una commedia sofisticata e leggera, desiderosa di ampliare il proprio repertorio e lasciarsi alle spalle, almeno in parte, l’etichetta di attrice drammatica. Sul set ritrova vecchie conoscenze: ha già lavorato con Robert Mitchum in Seduzione mortale e Bella ma pericolosa, mentre con Deborah Kerr e Cary Grant condivide non solo l’accento ma anche quella misura elegante che rende credibile ogni sfumatura emotiva.
Poco dopo la fine delle riprese, Jean Simmons vive un cambiamento anche nella vita privata: divorzia dall’attore Stewart Granger, con cui è stata sposata per dieci anni, e sposa il regista Richard Brooks. È l’inizio di un nuovo capitolo — personale e professionale.
Negli anni successivi, Simmons si dedica con crescente successo anche alla televisione, confermandosi una presenza raffinata e carismatica sul piccolo schermo. Il culmine arriva nel 1983 con Uccelli di rovo (The Thorn Birds), dove interpreta Fiona Cleary, ruolo che le vale un Emmy Award e fa scoprire il suo talento a una nuova generazione di spettatori. Un ritorno in grande stile, per un’attrice che non ha mai perso grazia né profondità.
Dulcis in fundo c’è Moray Watson, nei panni di Trevor Sellers, il maggiordomo dalla compostezza impeccabile e dal tempismo comico sottile. Curiosamente, in fase iniziale di produzione si era considerato addirittura Noël Coward per il ruolo. Scrittore, drammaturgo, attore e vera istituzione del teatro inglese, Coward avrebbe sicuramente dato un tocco eccentrico e sofisticato alla parte, ma alla fine la scelta è ricaduta su qualcuno di ben più legato al testo.
Watson, infatti, aveva già interpretato Sellers a teatro durante la fortunata messa in scena londinese, ed è l’unico interprete a passare dalla pièce originale al grande schermo. Nato nel 1928 a Sunningdale, nel Berkshire, e formato alla prestigiosa Webber Douglas Academy of Dramatic Art, L'erba del vicino è sempre più verde segna il suo debutto cinematografico, dopo alcune esperienze in teatro e televisione.
Nonostante il ruolo secondario, la sua presenza è tutt’altro che marginale: il suo Sellers osserva, ascolta, interviene sempre con la battuta giusta – o con un silenzio perfettamente dosato. È la quintessenza dell’umorismo inglese al servizio della commedia da salotto, e contribuisce a mantenere l’equilibrio tra i toni romantici, brillanti e malinconici della storia.

Curiosamente, il numero tre ritorna ovunque, come una specie di portafortuna. In inglese si dice “third time’s the charm”, e qui sembra esserlo davvero. È la terza collaborazione tra Grant e Donen, la terza tra Grant e Kerr, la terza anche tra Kerr e Mitchum, tra Kerr e Jean Simmons, e perfino tra Simmons e Mitchum.  Una combinazione quasi magica che dà al film un’energia speciale, quella delle alchimie che si formano solo con il tempo, e che funzionano perché non devono più dimostrare nulla.
Peccato che quella fortuna, almeno in apparenza, non sembrerà accompagnare né il set né l’uscita del film.

Le riprese iniziano il 4 aprile 1960 agli Shepperton Studios, alle porte di Londra, e si concludono nel corso dell’estate. Il clima, per gran parte del tempo, è professionale ma non privo di sfumature. Quattro star sul set significano quattro sensibilità diverse, e l’equilibrio si raggiunge con garbo — non senza qualche frizione.
Cary Grant, come sempre, è il centro silenzioso attorno a cui tutto ruota. Arriva presto, controlla ogni dettaglio, studia le scene con precisione maniacale. “Sembrava avere venticinque anni invece di cinquantacinque,” ricorda lo scrittore Richard Gehman. Deborah Kerr lo descrive come un compagno di scena generoso e rigoroso: “Non ho mai conosciuto un uomo che prendesse il lavoro con tanta serietà. Era un genio assoluto nel tempismo comico.” Per lei, rubargli una scena è impossibile — ma Grant non bara mai, e questo fa la differenza.
Jean Simmons, che entra nel cast per esplorare nuovi registri, inizialmente si sente spiazzata dalla sua precisione: “Tutto doveva essere esattamente come voleva lui,” racconta. Ma poi riconosce l’efficacia del metodo: ogni scena, alla fine, funziona alla perfezione.
Robert Mitchum, con il suo aplomb da duro gentile, osserva tutto con distacco. Dice che Grant è “molto cortese e gentile, ma con un umorismo da music hall”. Tra i due nasce una rivalità silenziosa, più di stile che di sostanza. Mitchum scherza sul fatto di fare da spalla, Grant teme di risultare troppo elegante accanto alla sua disinvoltura. 

Per girare il loro duello, Stanley Donen pubblica un annuncio sul London Times alla ricerca di “esperti pratici in materia di duelli”. È una provocazione. Ma sorprendentemente, arrivano risposte vere: undici su sedici si dichiarano praticanti, tre allegano anche fotografie. Donen prende nota, divertito. In fondo, anche l’ironia può essere documentata.
Molto più complessa — almeno dal punto di vista tecnico — è la lunga scena telefonica girata con lo split screen. Grant e Simmons da una parte, Kerr e Mitchum dall’altra, ognuno su un set distinto, ognuno ripreso da una troupe diversa. Quattro pagine di dialogo da recitare senza sentire l’altro gruppo, mantenendo ritmo e sincronia perfetti. Donen dirige come un direttore d’orchestra. Quando la sequenza è completata, si dichiara soddisfatto: l’esperimento ha funzionato.

Ma non è l’unica trovata visiva del film. Per una scena ambientata in stazione, Donen fa montare una macchina da presa Technirama su una locomotiva. La inquadra dal retro, mentre si allontana, lasciando Grant solo sul marciapiede. Un’immagine semplice, poetica, che racconta molto senza dire nulla. Poco dopo, la stessa tecnica viene usata su una barca da pesca costruita per una scena tra Grant e Mitchum. Il cinema sa essere anche artigianato.
Tra le battute del copione spunta un riferimento a “Josh Peters”, un personaggio mai visto, ma citato da entrambi i protagonisti. È una piccola nota personale: si tratta dei nomi dei figli di Donen, Joshua e Peter. 

Anche le auto fanno la loro parte. Charles Delacro guida una Lincoln Continental Mark III Cabriolet del 1958, simbolo di modernità americana in un mondo ancora aristocratico. All’inizio, i bambini salgono su una rarissima Austin A70 Hampshire Countryman del 1951. E in una scena londinese — un ingresso in un tipico mews — fa il suo debutto sul grande schermo la nuova versione del celebre taxi nero britannico, finalmente dotato di portiera anteriore. Un dettaglio, ma un dettaglio racconta un’epoca.

In un’altra scena, Victor serve a Hattie un elegante Burnt Pink Gin, una variante flambé del classico pink gin, resa celebre da Cedric Charles Dickens, pronipote del romanziere. Gin, Angostura, fiamma e un tocco di scena: la ricetta perfetta per un dialogo brillante.

Quanto alla morale, questo film gioca con i limiti della censura, senza mai forzarli. Le allusioni ci sono, ma restano eleganti: gli amanti non ballano, non fanno picnic, non vanno a teatro. La vera prova è una porta che si chiude. Tanto basta.
Non tutti, però, apprezzano la trasparenza con cui la produzione svela i propri trucchi. Una foto pubblicitaria mostra Deborah Kerr nella vasca da bagno con Grant che si china verso di lei. Accanto, una seconda immagine ne rivela il costume da bagno. La reazione di un esercente scozzese è furiosa: “Il pubblico vuole essere emozionato, non disilluso.” Anche l’illusione, sembra dirci, ha le sue regole.

Costumi

Gli abiti del film portano la firma di due icone della moda del tempo: Christian Dior (con la direzione creativa del giovanissimo Yves Saint Laurent) per Jean Simmons, e Hardy Amies per Deborah Kerr. A vestire Cary Grant e Robert Mitchum è il reparto sartoria britannico, che accompagna i due uomini con impeccabile rigore in una sobrietà aristocratica che non ha bisogno di ostentazione.
Siamo nel 1960, e Dior propone linee strutturate, colori audaci e tagli di rottura. Perfetti per Hattie, il personaggio eccentrico e disinvolto interpretato da Simmons. I suoi outfit sono tra gli elementi visivi più memorabili del film: silhouette couture, tagli architettonici e accessori teatrali. Simmons, incantata dal guardaroba, fa inserire nel contratto che potrà tenere tutti gli abiti Dior indossati nel film. «Non ho mai indossato abiti così, nemmeno nella vita reale. Ma ora cambierà tutto».

Il primo look è un’esplosione di arancione intenso. Simmons entra in scena avvolta in un cappotto cocoon in bouclé di lana, con maniche a tre quarti, chiusura doppiopetto e grandi bottoni rivestiti tono su tono. La linea a uovo, morbida e scultorea, è tipica del post–New Look. Sotto, un abito coordinato in cotone compatto, con gonna svasata e corpetto essenziale. Il tutto è completato da un cappello conico in paglia rigida bianca, decorato da un fiore arancio, guanti candidi e una parure in corallo che riprende il trucco audace: eyeliner grafico e sopracciglia scolpite, mentre le labbra restano neutre.

Il secondo ensemble è un perfetto esempio di eleganza costruita: un abito in shantung di seta verde smeraldo, con silhouette a trapezio e maniche a tre quarti. Il punto focale è il doppiopetto con maxi bottoni tono su tono, che slancia la figura e aggiunge profondità. Il copricapo drappeggiato nello stesso tessuto richiama l’haute couture più raffinata, mentre gli accessori — guanti chiari e orecchini scuri — creano un gioco cromatico deciso. Il make-up, coerente con il look, punta su un ombretto verde brillante, mentre il rossetto resta discreto.

 

Il terzo look è quello del ritorno a casa di Hilary: un abito in shantung azzurro pastello, con linea ad impero e fiocco ton sur ton impreziosito da un'applicazione gioiello dorata. L’effetto è civettuolo ma calibrato, tra ironia e grazia. L’acconciatura raccolta e gli orecchini pendenti completano il tono mondano del personaggio.

Infine, il più sorprendente: un ensemble da sera ibrido, composto da gonna ampia in taffetà stampato e pantaloni coordinati – un’idea sartoriale ardita per il 1960. Il tessuto, rigido e brillante, è decorato da un motivo floreale macro nei toni del corallo, arancio e rosa cipria, con accenti crema e oro pallido. La gonna è a pieghe profonde, costruita da vita alta; sotto, i pantaloni affusolati si rivelano solo in movimento. Ai piedi, pumps rivestite nello stesso tessuto, e tra i capelli una fascia gioiello argentata. Il trucco punta tutto sugli occhi da gatta e labbra corallo, in armonia con l’abito.

Per Deborah Kerr, Hardy Amies disegna una serie di look che riflettono l’eleganza sobria e il controllo emotivo di Hilary Rhyall, nobile inglese raffinata ma non impermeabile al desiderio.

Il primo outfit è un completo da giorno che incarna alla perfezione l’understatement britannico: pullover in maglia leggera color giallo burro, su una camicia con motivi giallo e azzurro, e pantaloni color sabbia dalla linea morbida e impeccabile. A interrompere la palette neutra, calze gialle e mocassini bordeaux lucidissimi: un contrasto elegante e giocoso, che racconta molto del personaggio. I capelli sono sciolti, le onde naturali. Hilary, anche davanti al camino, è impeccabile senza mai risultare costruita. 

All’uscita dalla messa, Kerr indossa un tailleur tortora in lana pettinata, con giacca strutturata e gonna al ginocchio. La camicetta in seta avorio con fiocco e gli accessori tono su tono — guanti, cappello floreale e borsa rigida — ne completano l’immagine. Ma c’è un dettaglio impercettibile e potentissimo: le scarpe spaiate, una beige e una grigia. Un errore voluto che riflette con finezza la confusione interiore della protagonista, turbata dall’arrivo dell’americano. Un esempio magistrale di come il costume possa farsi racconto. 

Il terzo look è un ensemble blu royal in shantung di seta: giacca con collo rotondo, bottoni rivestiti e gonna dritta. Sotto, una blusa in raso ton sur ton, che Kerr indossa poi anche da sola. Il passaggio da completo a look da giorno-sera è reso ancora più elegante da una spilla gioiello e tre fili di perle. Gli accessori — guanti avorio, borsa in coccodrillo e cappellino con fiori rossi — introducono una nota civettuola e suggeriscono la nascente attrazione per Mitchum..

L’abito da sera scelto per il confronto con Jean Simmons è uno dei più memorabili del film: chiffon di seta in sfumature tra il turchese e il verde acqua, drappeggiato a mano sul décolleté. Lo scollo a V sulla schiena e la gonna lunga in voile sovrapposti creano un effetto “liquido”, etereo. A completarlo, una parure di perle e diamanti e l’acconciatura raccolta con onde morbide. Raffinato ma fragile, proprio come Hilary in quel momento del racconto.

Infine, l’abito da casa che appare in due scene chiave è una vestaglia in crêpe di lana ciclamino, con profili bianchi grafici e cintura ton sur ton. Taglio semplice ma netto, maniche a tre quarti, scollo a revers. Un capo intimo che dice molto: anche nella vulnerabilità, Hilary non perde mai la compostezza. Ed è proprio in quei momenti che la sua eleganza si fa più autentica.

Cary Grant, nei panni del Conte Victor Rhyall, indossa capi che riflettono il suo status — ma senza mai ostentare. Fin dalla prima scena, il tono è chiaro: cardigan in lana verde muschio, con grandi bottoni marrone scuro, camicia bianca e cravatta regimental bordeaux e blu. I pantaloni in flanella grigia e le scarpe in suede marrone opaco completano il look, che riesce a essere tanto rilassato quanto impeccabile. È il perfetto equilibrio tra casa e rappresentanza, tra comfort e rigore: l’eleganza di chi non ha bisogno di dimostrare nulla.

All’uscita dalla chiesa, Grant torna a un completo sartoriale grigio medio, con giacca monopetto e cravatta bordeaux scuro, camicia bianca e fazzoletto da taschino piegato con geometrica precisione. Ai piedi, stringate marrone scuro lucidate: l’immagine del perfetto aristocratico inglese, contenuto ma irreprensibile.

Più rilassato, ma sempre impeccabile, il look della terza scena: giacca in flanella marrone medio, taglio morbido e spalle naturali, con camicia bianca e cravatta scura. I pantaloni grigio-blu mantengono la linea sobria, mentre le scarpe in cuoio marrone — lucidate ma non rigide — sottolineano il tono informale dell’insieme.  

Quando riceve Hattie a casa, Victor abbassa ulteriormente la formalità, ma senza rinunciare allo stile: cardigan beige chiaro in lana leggera, camicia bianca e cravatta nera sottile, con pantaloni grigi morbidi. È la versione più “domestica” del suo personaggio, ma sempre sotto controllo.  

Per l’uscita con Hattie e la scena successiva, Grant sfoggia un blazer blu navy con bottoni dorati, camicia bianca e cravatta marrone scuro, su pantaloni in flanella grigia. Le scarpe marrone lucidato, di linea sobria, chiudono un ensemble che riecheggia l’eleganza preppy d’oltremanica, filtrata però da una lente nobile e rassicurante.

Il momento più scenografico arriva con la cena e il duello: smoking doppiopetto con giacca in velluto verde bosco, rever a scialle in seta nera, camicia bianca con petto plissettato e gemelli gioiello, papillon in seta e pantaloni blu notte con bande laterali in raso. Ai piedi, opera pumps in vernice nera: un look teatrale e aristocratico, degno di un personaggio che affronta una sfida sentimentale con eleganza inappuntabile.

Nel finale, Victor abbandona lo smoking per una vestaglia in seta verde oliva punteggiata da piccoli pois rosso scarlatto — il suo capo da relax preferito, elegante anche nella convalescenza. Con Hilary improvvisa una fascia da spalla utilizzando un foulard in seta blu navy a motivo paisley bordeaux e bronzo, che aggiunge un tocco di ironia aristocratica al suo look da "eroe ferito ma impeccabile".

Al contrario, Robert Mitchum porta sullo schermo uno stile sobrio e pratico, perfetto per l’uomo d’affari americano. Charles Delacro predilige completi grigi o blu antracite, camicie bianche o celesti e cravatte regimental, ma con disegni meno audaci di quelli di Grant. Le giacche hanno una costruzione più rigida, con spalle marcate e tagli dritti che riflettono la solidità del suo personaggio. È un guardaroba elegante, ma convenzionale, senza fronzoli.
Per la sera, Charles sceglie un tuxedo nero classico, papillon nero, camicia plissettata bianca. Nulla di eccessivo, nessun tocco da dandy: la sua eleganza è fatta di rigore e misura, a contrasto con l’eccentricità composta del Conte.
Insieme, i due uomini incarnano due mondi stilistici diversi ma complementari: il primo è l’eleganza aristocratica che sa sedurre con ironia; il secondo, la sobrietà americana che punta sull’affidabilità. E forse è proprio da questa differenza — più che dalla rivalità amorosa — che nasce il vero duello del film.

Location

L’erba del vicino è sempre più verde ci porta in una dimora di campagna che sembra uscita da un romanzo inglese: tenuta imponente, giardini curatissimi, e quell’aria di nobiltà un po’ decadente che non chiede attenzione ma la ottiene comunque. 

Per raccontare la casa dei conti di Rhyall, Stanley Donen sceglie Osterley Park House, alle porte di Londra, un vero gioiello del Settecento con stanze perfettamente simmetriche e un equilibrio architettonico che conquista anche senza sfarzi. Gli esterni vengono girati proprio lì, mentre per gli interni si torna negli studi di Shepperton, dove la produzione ricostruisce ogni dettaglio con estrema fedeltà. Al punto che, quando Cary Grant li vede per la prima volta, li trova troppo fedeli: le stanze sembrano fin troppo grandi, e chiede che vengano rimpicciolite. “Rischiamo che la scenografia reciti più degli attori,” avrebbe detto con un sorriso.
Una curiosità da dietro le quinte: Osterley era appartenuta al Conte di Jersey, secondo marito di Virginia Cherrill, che era stata la prima moglie di Grant. Un cerchio che si chiude.
Altre location reali punteggiano la storia con sobrietà. La chiesetta di Little Marlow, nel Buckinghamshire. Il momento malinconico della partenza in treno viene girato alla Baynards Station nel Surrey, mentre le scene sulla barca trovano il loro set tra le acque tranquille della Bray Marina, nel Berkshire.
A Londra, Donen ricostruisce con minuzia gli ambienti del Savoy Hotel, ottenendo dal celebre albergo il permesso di duplicarne fedelmente atrio e suite. Il set è così accurato che perfino le comparse indossano uniformi originali, e un assistente della direzione viene inviato a sorvegliare il comportamento sul set.

Colonna sonora

Per le musiche di L’erba del vicino è sempre più verde, Stanley Donen prende una decisione fuori dagli schemi — ma perfettamente in linea con lo spirito del film. Niente partitura orchestrale tradizionale, nessun tema sinfonico pensato da zero. Stavolta, le note arrivano direttamente dal repertorio brillante, ironico e irresistibilmente british di Noël Coward.
“All’inizio avevamo pensato a un compositore classico,” dirà poi Donen, “ma più leggevo la sceneggiatura, più mi sembrava che tutto gridasse Coward.” E così è stato. Non solo una sua canzone diventa il filo conduttore del film, ma è l’intero universo musicale di Coward a prendere il posto di una colonna sonora convenzionale.
Il brano che apre e chiude il cerchio è “The Stately Homes of England” — una sorta di inno (ironico) alle dimore nobiliari britanniche, che accompagna perfettamente l’idea dei conti Rhyall trasformati in custodi museali di se stessi. Donen racconta che, quando Coward gli propose la lista delle canzoni da usare, sembrava quasi che fossero state scritte apposta per il film. In tutto, ce ne sono otto, tra cui “Mad About the Boy”, “The Party’s Over Now”, “Sigh No More”, “Poor Little Rich Girl”, “Room With a View” — piccoli gioielli che, inseriti con misura e intelligenza, diventano parte integrante del tono del racconto.

Titoli di testa

Quelli di L’erba del vicino è sempre più verde mi hanno conquistato fin dalla prima visione, e ancora oggi li considero tra i più deliziosi e sorprendenti che il cinema ci abbia regalato. Bastano pochi secondi per capire che non siamo davanti alla solita commedia elegante — ma a qualcosa di più scanzonato, intelligente e pieno di spirito.
Al posto delle consuete scritte in sovrimpressione su paesaggi o fondali grafici, il film si apre su un prato assolato, dove un gruppo di bambini — serissimi e impegnatissimi — si “calano nei ruoli” della troupe tecnica. Quando compaiono i nomi degli sceneggiatori, uno digita a macchina con aria concentrata; alla voce “colonna sonora”, un altro si piazza al pianoforte giocattolo; e a ogni nuova figura professionale corrisponde una piccola gag che mescola ironia e tenerezza con una precisione tutta coreografica.
E poi, proprio alla fine, arriva il tocco geniale: il nome di Stanley Donen compare in scena mentre uno dei bambini spalanca la bocca in un gigantesco sbadiglio. Un momento di autoironia irresistibile — è come se il regista ci salutasse con un sorriso sornione, prima ancora che il film cominci davvero.
L’idea di questo siparietto è firmata da Maurice Binder, che di lì a poco entrerà nella storia del cinema per i celeberrimi titoli di testa di James Bond.

L’erba del vicino è sempre più verde esce nelle sale britanniche nell’autunno del 1960, mentre negli Stati Uniti debutta a fine anno, in piena stagione natalizia. O almeno, questa era l’intenzione iniziale. Ironia della sorte, proprio il tema dell’infedeltà — trattato con leggerezza e umorismo — finisce per penalizzare la distribuzione americana: il prestigioso Radio City Music Hall di New York, da sempre considerato la vetrina ideale per le grandi uscite natalizie, decide di rifiutare il film ritenendolo "poco adatto allo spirito delle feste".
Al suo posto, viene scelto I nomadi, più in linea con la tradizione familiare e rassicurante. Una decisione che ha un impatto notevole. Al Radio City, I nomadi incassa 200.000 dollari nella prima settimana, triplicando gli introiti del film di Donen, relegato alla più piccola e meno influente sala dell’Astor Theatre
Nonostante questi ostacoli, il film ottiene una buona accoglienza in patria, dove il pubblico apprezza la sua eleganza leggera e lo humour squisitamente british. Negli Stati Uniti invece, dove la commedia sofisticata stava iniziando a lasciare il posto a toni più irriverenti e realistici, L'erba del vicino è sempre più verde appare forse un po’ fuori tempo. Le recensioni sono rispettose ma non entusiaste, e il film fatica a imporsi al botteghino come previsto, soprattutto rispetto agli standard altissimi delle commedie con Cary Grant.
Con il tempo, però, quella che sembrava una piccola commedia in tono minore ha guadagnato estimatori silenziosi. Merito di una sceneggiatura spiritosa, di un cast in stato di grazia, e di quella regia leggera e precisa che solo Stanley Donen sapeva orchestrare con tale naturalezza.
L’erba del vicino è sempre più verde ti conquista con calma, con intelligenza, con quello humour sottile che non ha bisogno di alzare la voce.
È un film elegante, spiritoso, sorprendentemente moderno. Da riscoprire con piacere, magari in un pomeriggio piovoso, con una tazza di tè e zero fretta.
Perché certi film, come certe case inglesi, hanno fascino da vendere. Basta solo varcare la soglia.

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Alla fine degli anni ’50, Cary Grant è una leggenda vivente, un’icona di eleganza e carisma che sembra non conoscere crisi. Mentre molti attori della sua generazione faticano a rimanere rilevanti, lui continua a dominare il grande schermo con una sicurezza che appare assoluta. In quel periodo alterna thriller raffinati come Caccia al ladro (1955) a commedie romantiche di grande successo come Un amore splendido (1957), consolidando la sua immagine di uomo sofisticato, ironico, inarrivabile.
Eppure, dietro quella perfezione impeccabile, la sua vita privata è tutt’altro che serena. Il suo matrimonio con Betsy Drake, la terza moglie, è ormai alla fine. Intellettuale e indipendente, Betsy è stata forse l’unica donna a non lasciarsi incantare dal mito di Cary Grant, cercando di spingerlo verso una vita più stabile e lontana dai riflettori. Ma Grant non è mai stato pronto a separarsi dal suo personaggio pubblico, e il loro rapporto si è progressivamente deteriorato.
La crisi esplode quando, durante le riprese di Orgoglio e passione (1957), si innamora perdutamente di Sophia Loren, arrivando persino a chiederle di sposarlo più volte. Ma Loren è legata a Carlo Ponti, e il loro rapporto si consuma in un’altalena di emozioni e indecisioni. Quando il film finisce, Grant spera ancora che lei possa scegliere lui, e accetta di recitare al suo fianco in un’altra commedia romantica: Un marito per Cinzia.
Il film, girato a Los Angeles, dovrebbe essere l’occasione per riallacciare il rapporto con Sophia. Ma proprio durante un weekend libero dalle riprese, Loren vola in Messico e sposa Carlo Ponti per procura. La notizia, diffusa dalla giornalista Louella Parsons, è un colpo devastante per Grant. Quando torna sul set, deve girare la scena del matrimonio con Sophia Loren, un momento che ora ha un sapore amarissimo.
Grant non perde tempo e si butta subito in un nuovo progetto: Baciala per me, una commedia romantica a sfondo militare, diretta da Stanley Donen. Il film non sarà uno dei suoi successi più memorabili—e, considerando il suo stato d’animo in quel periodo, non sorprende.
Ma è proprio durante le riprese che Donen propone a Grant il suo nuovo progetto: l’adattamento cinematografico di Kind Sir. L’attore è interessato, ma ciò che lo convince davvero è un altro aspetto: le riprese si svolgeranno in Inghilterra, lontano da Beverly Hills, dove Sophia Loren e Carlo Ponti si sono ormai stabiliti. Accettare significa prendere le distanze, fisicamente e mentalmente, da una situazione che ancora lo tormenta.
A quel punto, Donen ha un’intuizione: dato che il film sarà girato lì, perché non spostare anche l’ambientazione a Londra? Il cambiamento darà alla storia un tocco più sofisticato e renderà il progetto ancora più adatto a Grant. Così, in due settimane, lui e Krasna riscrivono il trattamento e lo sottopongono all’attore.
Grant lo legge immediatamente e la sua risposta arriva senza esitazioni. Donen dirà di lui:
“Non era come quegli attori di cui senti spesso parlare. Se gli mandavo un trattamento o una sceneggiatura, la leggeva lo stesso giorno e mi dava una risposta entro quella sera o al massimo il mattino dopo. Non aveva uno staff, non aveva nulla, solo se stesso. E in generale, se guardi la sua carriera, fece sempre buone scelte riguardo ai film in cui voleva recitare.”

Grant accetta, ma pone un’unica condizione: se deve interpretarlo, vuole Ingrid Bergman come co-protagonista. Stanley Donen capisce subito che ottenere Bergman non sarà facile. Hollywood l’ha messa al bando da quasi un decennio, e tutti pensano che la sua carriera americana sia finita per sempre.
Solo pochi anni prima, Ingrid Bergman era stata una delle attrici più amate al mondo. La sua interpretazione in Notorious (1946), proprio accanto a Grant, l’aveva consacrata come un’icona del cinema romantico e del thriller, capace di fondere vulnerabilità e intensità con una naturalezza ineguagliabile. Ma nel 1949 tutto cambia. La sua relazione extraconiugale con il regista Roberto Rossellini non è solo uno scandalo: è un terremoto culturale (vi ho raccontato tutto qui)
L’America, ancora profondamente puritana, non le perdona di aver lasciato il marito, il dottor Peter Lindstrom, e la loro figlia Pia per Rossellini, con cui aspetta un figlio. L’opinione pubblica si scaglia contro di lei con una ferocia che oggi sembra incredibile: viene denunciata sul pavimento del Senato degli Stati Uniti, etichettata come un “cattivo esempio” e bandita dagli studios.
Hollywood la cancella. Per quasi dieci anni Bergman lavora solo in Europa, girando film con Rossellini e recitando a teatro. Il suo ritorno nel cinema americano arriva solo nel 1956, quando vince l’Oscar per Anastasia—senza però essere presente alla cerimonia. È troppo presto per tornare sotto i riflettori, così affida a un amico speciale il compito di ritirare la statuetta al suo posto: Cary Grant.
Ma ora, nel 1957, quando Donen riceve l’ordine di Grant, Bergman è ancora vista come un’incognita per Hollywood. L’industria non sa ancora se concederle un pieno reinserimento, e il suo futuro è tutt’altro che sicuro. Per Donen, la sfida è doppia: convincere Ingrid e dimostrare agli studios che vale ancora la pena scommettere su di lei.
Donen è scettico: “È impossibile,” risponde a Grant. “È in Italia con Rossellini e non fa più film americani.” Ma l’attore non transige: se il film si fa, sarà con Ingrid Bergman.
Così, mentre è ancora sul set di Baciala per me, Donen prende una decisione impulsiva: chiama Bergman direttamente a Roma.
“Non ricordo come rintracciai il suo numero di telefono, ma la chiamai e dissi: ‘Mi piacerebbe fare un film con te e vorrei venire a parlartene. Potrei venire questo fine settimana?’”
Bergman accetta senza esitazioni: “Sì, certo.”
Quella sera stessa, Stanley Donen lascia di nascosto il set della Fox e si imbarca in un viaggio lampo: da Los Angeles vola a New York e poi prosegue per Roma, atterrando a mezzogiorno del sabato. Ad attenderlo in aeroporto, con la sua consueta eleganza disinvolta, c’è proprio Ingrid Bergman. Senza esitazioni, lo accoglie e lo accompagna direttamente nel suo appartamento, una dimora caotica e piena di vita, con bambini che corrono per le stanze e domestiche indaffarate.
Donen è pronto a sfoderare le sue argomentazioni per convincerla ad accettare il film, ma non ne ha bisogno. Bergman lo sorprende con una decisione già presa: farà il film, senza bisogno di trattative. La sua scelta è basata sulla fiducia: ha letto un articolo su Donen su Cahiers du Cinéma, in cui il regista viene elogiato come uno dei più promettenti del momento, e si è confrontata con amici fidati, come Art Cohn, che le hanno parlato benissimo di lui. Ma soprattutto, c’è un motivo che rende la proposta irresistibile: Cary Grant la vuole al suo fianco. Per Ingrid è più che sufficiente. Solo a quel punto, con un sorriso, chiede a Donen di raccontarle di cosa parla il film.
Con il suo sì, Indiscreto diventa ufficialmente il film del grande ritorno di Ingrid Bergman nel cinema internazionale. Dopo anni di esilio, è pronta a ritrovare il pubblico americano, e questa volta lo farà accanto a un amico di vecchia data.
Quando Bergman arriva a Londra per iniziare le riprese, capisce subito che la sua immagine è ancora ingombrante. All’aeroporto di Heathrow viene assalita dai giornalisti, pronti a chiederle se sta per rovinare la sua carriera un’altra volta, questa volta separandosi da Rossellini.
Viene portata nel salone dei passeggeri in transito per una conferenza stampa, ma prima che le domande possano metterla in difficoltà, Cary Grant interviene con la sua inconfondibile ironia.
«Ingrid, aspetta di conoscere i miei problemi!»
La tensione si scioglie immediatamente. Tutti scoppiano a ridere.
Grant continua a scherzare, rivolgendosi direttamente ai giornalisti:
«Andiamo, ragazzi, non è una domanda da fare a una signora! Fatela a me, vedrete cosa vi rispondo. Ah, è così, la mia vita non vi interessa? Ma se è molto più movimentata di quella di Ingrid!»

La storia si regge essenzialmente sui due protagonisti e quattro attori secondari. Per la parte della sorella viene scelta Phyllis Calvert, una di quelle attrici che incarnano alla perfezione la grazia e la raffinatezza tipiche del cinema britannico degli anni ’40 e ’50. Fin da bambina studia danza, ma ben presto si appassiona alla recitazione e si forma nei teatri londinesi, dove affina il suo stile elegante e misurato. Il passaggio al cinema avviene in modo naturale, e in breve tempo diventa una delle più celebri dive britanniche del suo tempo.
Negli anni ’40 si afferma come protagonista in film che valorizzano il suo portamento aristocratico e il suo talento drammatico. Brilla nel biografico Il nemico di Napoleone (1942), accanto a Robert Donat, e soprattutto nel sontuoso L’uomo in grigio (1943), dove recita al fianco di James Mason. Il successo si ripete l’anno successivo con Il mio amore vivrà (1944), ancora con Mason, un melodramma romantico che la consacra come icona del cinema sentimentale britannico.
Nella seconda metà degli anni ’50 torna a dedicarsi principalmente al teatro e si affaccia con successo alla televisione, ottenendo il ruolo della signora March nella serie Little Women. È proprio in questo periodo che viene scelta per Indiscreto, dove interpreta Margaret Munson, la sorella del personaggio di Ingrid Bergman. La sua presenza regala al film un ulteriore tocco di classe, confermando il suo status di attrice capace di portare sullo schermo eleganza e profondità con la massima naturalezza

Ad interpretare il marito di Margaret, è Cecil Parker: con il suo tono di voce inconfondibile e un'aria di naturale autorevolezza, è uno di quei caratteristi inglesi che sembrano nati per incarnare il perfetto gentiluomo britannico. Compostezza impeccabile, humour sottile e un'espressione sempre a metà tra il severo e il divertito fanno di lui un volto riconoscibile e amato del cinema inglese.
Nato nel 1897, combatte nella Prima Guerra Mondiale prima di trovare la sua vera vocazione nel teatro londinese, dove si afferma rapidamente grazie al suo talento per la commedia brillante. Il passaggio al cinema, negli anni ’30, avviene in modo naturale: la sua presenza scenica e il suo perfetto tempismo comico lo rendono un’ottima scelta per ruoli che richiedono un’eleganza un po’ sorniona. Tra le sue prime interpretazioni di spicco c’è quella del sindaco in Patrizia e il dittatore (1939), dove recita accanto a una giovane e già carismatica Vivien Leigh.
Alfred Hitchcock ne intuisce subito il potenziale e lo vuole per La signora scompare (1938), regalando a Parker il primo assaggio di notorietà internazionale. Ma l’attore non si limita al grande schermo: durante gli anni ’40 continua a calcare con successo i palcoscenici del West End, e nel 1941-42 interpreta Charles Condomine nella produzione londinese di Spirito allegro di Noël Coward, un ruolo che a Broadway va a Clifton Webb e che al cinema sarà di Rex Harrison.
Negli anni ’50 Parker perfeziona il suo marchio di fabbrica: l’elegante uomo britannico, serio e impassibile, ma capace di brillare con una punta di irresistibile ironia. Brilla nelle commedie umoristiche come Lo scandalo del vestito bianco (1951), Sposi in rodaggio (1954) e La signora omicidi (1955), dove il suo aplomb impeccabile si scontra con situazioni assurde e grottesche. Anche Hollywood si accorge del suo talento e lo chiama per Il giullare del re (1956), in cui veste i panni di Re Roderico, accanto al vulcanico Danny Kaye.
In Indiscreto, Parker è la scelta perfetta per il ruolo di Sir Alfred Munson, un diplomatico raffinato, austero solo in apparenza, che si inserisce con il giusto equilibrio tra la sofisticata ironia della coppia Grant-Bergman. Il suo humor misurato e il suo impeccabile portamento britannico rendono il personaggio ancora più credibile, confermando ancora una volta la sua capacità di rubare la scena con la massima naturalezza.

A completare il cast di Indiscreto ci sono Megs Jenkins e David Kossoff, nei panni dei domestici di Anna Kalman, rispettivamente Doris Banks e suo marito Carl.

Megs Jenkins è un’attrice caratterista inglese, specializzata in ruoli di cameriere, governanti e infermiere, grazie al suo volto rassicurante e alla sua naturale compostezza. Nel corso della sua carriera interpreta un'infermiera in La storia di Esther Costello (1957), una governante in La voce della calunnia (1960) e una cameriera in Sarabanda tragica (1958) e Ivanhoe (1952). In Indiscreto, veste i panni della domestica di Ingrid Bergman, una figura discreta e solida che si inserisce con naturalezza nell’atmosfera sofisticata del film.
Suo marito Carl, l’autista della protagonista, è interpretato da David Kossoff, attore di origini russe ebraiche. Prima di intraprendere la carriera artistica, lavora come disegnatore tecnico e designer di mobili, per poi dedicarsi al teatro nei primi anni '40. Dopo un periodo nell’esercito durante la Seconda Guerra Mondiale, esordisce sul palco nel 1942 al Unity Theatre, per poi costruire una solida carriera nel cinema e in televisione.
Kossoff ottiene il primo grande riconoscimento con The Young Lovers (1954), che gli vale un BAFTA come miglior esordiente, e prosegue con spesso di personaggi ufficiali sovietici in Domani splenderà il sole (1955), La sottana di ferro (1956), dove recita accanto a Katharine Hepburn e Bob Hope. Successivamente interpreta il Professor Kokintz in Il ruggito del topo (1959), accanto a Peter Sellers, riprendendo il ruolo anche nel sequel, e veste i panni del padre di Sigmund Freud in Passioni segrete (1962), con Montgomery Clift.
In Indiscreto, Kossoff e Jenkins formano un'affiatata coppia di servitù, aggiungendo un tocco di ironia e calore alla vita della protagonista e contribuendo a rendere ancora più vivido il mondo che la circonda.

Cary Grant e Stanley Donen fondano la Grandon Productions, Ltd., unendo i loro nomi e siglando un accordo con la Warner Bros. per finanziare e distribuire il film.
Resta il problema del titolo: Kind Sir richiama il fallimento teatrale e non convince. Jack Warner propone Irresistibile, ma Grant e Donen preferiscono Indiscreto, nonostante sia già stato usato per un cortometraggio di Leo McCarey nel 1931.
La Motion Picture Association of America approva alternative come Meglio che sposati e Buono come sposati, mentre Grant e Donen suggeriscono Non sono sposati!, ma Warner lo scarta: con Ingrid Bergman nel cast, un titolo legato al matrimonio è troppo rischioso.
Solo il 13 novembre 1957, a cinque giorni dall’inizio delle riprese, il film trova il suo titolo definitivo: Indiscreto.

Le riprese iniziano nel novembre del 1957 agli Elstree Studios, poco fuori Londra, e proseguono fino al febbraio del 1958, interrotte solo da una breve pausa natalizia. Sul set si respira un’aria di grande sintonia: Cary Grant e Ingrid Bergman si ritrovano dopo dodici anni da Notorious e lavorare insieme sembra quasi un ritorno a casa.
Bergman, al suo primo ruolo in una commedia dichiarata, si diverte a sperimentare un registro più leggero e sofisticato, lasciandosi guidare dall’ironia di Grant, che con il suo carisma riesce a rendere naturale ogni scambio di battute. L’intesa tra i due è così spontanea e autentica che Donen lascia spesso spazio all’improvvisazione, consapevole che gran parte del fascino del film risiede proprio nella loro complicità.
Ma il clima rilassato non è privo di piccoli contrasti dietro le quinte. Stanley Donen e il direttore della fotografia Freddie Young si trovano più volte in disaccordo, soprattutto su una particolare inquadratura che avrebbe dovuto mostrare il soffitto di una stanza. Young, senza consultare il regista, decide di eliminarla, convinto che non sia necessaria. Quando Donen lo scopre, ordina immediatamente di rifare l’illuminazione da capo. È l’inizio di una tensione sotterranea che durerà per tutta la produzione.

Durante le riprese, Phyllis Calvert, che interpreta la sorella di Ingrid Bergman nel film, subisce una perdita devastante: suo marito, l’attore Peter Murray-Hill, muore improvvisamente. Nonostante il dolore, Calvert continua a lavorare con grande professionalità, portando a termine il suo ruolo con discrezione ed eleganza.

Uno degli elementi più innovativi del film nasce da un’esigenza di censura. In una scena, Grant e Bergman appaiono sdraiati a letto, apparentemente insieme, anche se si trovano in due città diverse, Londra e Parigi. La censura dell’epoca vieta di mostrare uomini e donne non sposati nello stesso letto, ma Donen trova un’idea brillante per aggirare il problema: costruisce due set separati all’interno dello stesso teatro di posa e usa uno split screen perfettamente sincronizzato. Il risultato è un’inquadratura audace e rivoluzionaria, che non solo gioca con la percezione dello spettatore, ma aggiunge un ulteriore tocco di eleganza alla regia (che aprirà la strada a Il letto racconta con Doris Day e Rock Hudson)

Nel frattempo, Grant e Bergman si dedicano alla preparazione dei loro personaggi, affinando nuove abilità per renderli più autentici. Grant prende lezioni di snooker, una variante del biliardo, per apparire perfettamente a suo agio nella scena in cui gioca con disinvoltura. 

Inoltre, si esercita a suonare il violino con la mano sinistra, dimostrando ancora una volta la sua attenzione ai dettagli. Bergman, invece, si allena per eseguire l’Highland Fling, la tradizionale danza scozzese, con la sua consueta grazia ed eleganza (anche se a brillare in quella scena sarà Cary). 

Foto scattate sul set

 

Ad alzare ulteriormente il livello di questo film ci pensano gli abiti, che non a caso portano la firma di Christian Dior. I costumi di Indiscreto appartengono all’ultima collezione ideata interamente da Dior prima della sua prematura scomparsa nell’ottobre 1957. Pochi giorni dopo la sua morte, il testimone passa al suo giovane assistente Yves Saint Laurent, che diventa direttore creativo della maison e ne porta avanti l’eredità.
Uno degli abiti più memorabili del film è senza dubbio il sontuoso modello dorato “Tuileries”, parte della collezione Autunno/Inverno 1957-1958. Questo abito, in broccato dorato dalla luminosità quasi metallica, presenta un corpetto drappeggiato con spalline sottili e una gonna ampia e strutturata, che incarna perfettamente il DNA del New Look di Dior. Il tessuto prezioso riflette la luce, rendendo l’ingresso di Ingrid Bergman nella scena ancora più scenografico.
L’attrice completa il look con lunghi guanti dorati, una collana di perle e un’acconciatura impeccabile, sottolineando l’immagine sofisticata e raffinata del suo personaggio.

Un’altra creazione memorabile è l’abito da sera nero e marrone con corpino in velluto, ampia gonna in taffetà e dettagli in passamaneria con nappine, abbinato a lunghi guanti neri. Questo look, perfetto per una serata formale, esalta la figura slanciata di Bergman e conferisce al suo personaggio un’allure aristocratica.

Infine c’è il look del teatro, composto da un abito bianco con un delicato motivo di piccole rose nere, abbinato a un cappotto dalla silhouette strutturata, con collo e polsini in pelliccia nera.

Ma vogliamo parlare delle vestaglie?

Ora una chicca: nella scena alla toletta dei profumi, tra i flaconi sono riuscita ad individuare Joy di Patou (ve ne ho parlato qui, era anche il preferito di Vivien Leigh).

Location

Indiscreto si apre con un montaggio suggestivo che cattura l’anima elegante e cosmopolita di Londra. La capitale britannica non è solo uno sfondo, ma un elemento narrativo che conferisce alla storia un’aura sofisticata e senza tempo. Le prime inquadrature notturne mostrano il Big Ben, simbolo della città, affiancato dalla maestosa statua della regina Boudicca sulla sua quadriga, situata lungo il Victoria Embankment, nei pressi del Westminster Bridge. Poco dopo, la scena si sposta su Trafalgar Square, con le sue fontane illuminate e le sagome degli edifici che emergono dall’oscurità, stabilendo subito l’ambientazione londinese.
Il film introduce poi la residenza di Anna Kalman, interpretata da Ingrid Bergman: un appartamento di lusso situato al 13 Belgrave Square, nel cuore di Belgravia, uno dei quartieri più esclusivi di Londra. Anche se molte scene d'interno sono state ricostruite negli Elstree Studios, la scelta di una vera location per gli esterni aggiunge autenticità alla storia. 

Uno dei momenti chiave del film si svolge nella Painted Hall dell’Old Royal Naval College a Greenwich, uno degli ambienti più spettacolari di Londra, famoso per gli affreschi barocchi di Sir James Thornhill. Qui, Philip Adams (Cary Grant) tiene una conferenza, circondato dall’imponente architettura e dall’eleganza della sala. Più avanti nel film, la stessa location farà da sfondo anche alla scena del ballo, dove Grant si esibirà in un’irriverente danza scozzese per impressionare Anna.

Dopo una serata trascorsa al prestigioso Garrick Club, che nel film rappresenta il fittizio Players Club, Philip e Anna decidono di concedersi una passeggiata notturna, rinunciando ai biglietti per l’opera al Royal Opera House di Covent Garden. La loro camminata romantica attraversa alcuni dei luoghi più suggestivi di Londra: le arcate che conducono dal Strand al cortile di Somerset House, il lungofiume del Victoria Embankment, fino a fermarsi davanti a Cleopatra’s Needle, l’antico obelisco egizio situato sulle rive del Tamigi, dove Anna viene riconosciuta da alcuni ammiratori che le chiedono un autografo.

Per tutta la serata, senza che loro ci facciano caso, la Rolls-Royce Silver Wraith del 1958 di Philip li segue a distanza con discrezione, guidata dal loro autista Carl. L’auto, la prima prodotta con guida a sinistra per il mercato americano, diventerà un piccolo dettaglio iconico del film: alla fine delle riprese, verrà acquistata da Cary Grant, ormai affezionato al suo stile e alla sua eleganza.
Il percorso della coppia si conclude attraversando Hyde Park Corner, passando sotto uno dei cancelli reali di Green Park, fino ad arrivare nei pressi del Wellington Arch, che fa da scenografico sfondo alla loro ultima tappa prima del rientro.

Colonna sonora

La colonna sonora di Indiscreto è firmata da Richard Rodney Bennett, lo stesso compositore che anni dopo realizzerà le musiche per Assassinio sull’Orient Express (1974). Bennett, noto per la sua versatilità, crea un accompagnamento musicale che enfatizza perfettamente l’atmosfera sofisticata e romantica del film, senza mai risultare invasivo.
Le sue composizioni alternano melodie leggere e raffinate, che accompagnano i momenti più giocosi tra Grant e Bergman, a passaggi orchestrali più intensi, che sottolineano le dinamiche emotive dei protagonisti. La musica diventa così un elemento essenziale nel costruire il tono del film, contribuendo a quell’eleganza senza tempo che caratterizza Indiscreto.

Indiscreto viene realizzato con un budget di 1,5 milioni di dollari, una cifra contenuta rispetto alle grandi produzioni hollywoodiane dell’epoca, ma che permette comunque di garantire un alto livello di eleganza e raffinatezza, grazie alla scelta delle location londinesi e ai costumi firmati Christian Dior.
Il film si rivela un ottimo successo al botteghino, incassando circa 8 milioni di dollari a livello mondiale, una cifra che conferma il fascino senza tempo della coppia Grant-Bergman e la capacità di Stanley Donen di equilibrare romanticismo e sofisticatezza.

A livello di riconoscimenti, Indiscreto ottiene tre candidature ai Golden Globe, tra cui Miglior film commedia o musicale, Miglior attrice in un film commedia o musicale per Ingrid Bergman e Miglior attore in un film commedia o musicale per Cary Grant. Inoltre, riceve una nomination ai BAFTA per Bergman come Miglior attrice straniera.
Pur non vincendo premi, il film si impone come uno dei grandi successi del 1958, consolidando l’icona di Cary Grant e Ingrid Bergman nel genere della commedia romantica sofisticata.
 

Ci sono film che continuano a conquistarmi ogni volta che li riguardo, e Indiscreto è uno di quelli. Sarà per la chimica perfetta tra Cary Grant e Ingrid Bergman, per il fascino di una Londra elegante e senza tempo, o per i costumi di Christian Dior, che trasformano ogni scena in un quadro di raffinatezza. Ma è anche la brillantezza della sceneggiatura, l’intelligenza della regia di Donen, il modo in cui questa commedia gioca con le convenzioni senza mai essere banale.

E poi, scoprire il dietro le quinte rende tutto ancora più interessante. Spero che questo viaggio nella storia del film ve lo faccia apprezzare ancora di più, e magari vi invogli a rivederlo con uno sguardo nuovo. Perché certe pellicole non invecchiano mai, e questa, con il suo mix di glamour e ironia, è una di quelle. 

COME PROMESSO ECCO IL FILM DA VEDERE COMODAMENTE:

 

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