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C’è un nome che compare nei titoli di coda di oltre 1.500 film hollywoodiani: Cedric Gibbons. 

Un genio silenzioso, sempre dietro le quinte, ma il cui impatto ha definito un’epoca. Non solo ha trasformato la scenografia in arte, ma ha anche portato lo stile Art Deco attraverso il grande schermo nelle case degli americani. Alla MGM, lo studio che incarnava il lusso e la raffinatezza, Gibbons ha creato un’estetica inconfondibile, diventata il marchio di fabbrica di un’intera industria.
Visionario, pragmatico e con una sensibilità innata per il design, Gibbons non si limitava a progettare set cinematografici: costruiva sogni. 

Le sue creazioni, come quelle per film iconici quali Grand Hotel e Pranzo alle otto, non erano semplici ambientazioni, ma vere e proprie opere d’arte che ridefinivano l’immaginario collettivo. Il suo talento non si fermava ai set, ma si estendeva anche alla sua vita privata, come dimostra la celebre casa Art Deco progettata per lui e per la sua prima moglie, la star Dolores Del Río. Quella dimora, con il suo design rivoluzionario e il fascino irresistibile, divenne il simbolo del glamour hollywoodiano: teatro di feste leggendarie e ritrovo per le più grandi stelle del cinema.

E sapete cosa ha disegnato durante una riunione un po’ noiosa? Uno schizzo su un tovagliolo, destinato a diventare la statuetta più famosa al mondo: l’Oscar. Perché Gibbons non si limitava a seguire l’estetica del cinema, ma ne definiva i simboli. Ne porterà a casa ben 11 a fronte di 28 nomination.
Non sorprende che il regista Elia Kazan abbia detto: “A guidare la MGM non era Louis B. Mayer, ma l’uomo che plasmava ogni dettaglio visivo: Cedric Gibbons.”
Pronti a scoprire la sua storia straordinaria?

Luck of the Irish - La fortuna degli irlandesi

Cedric Gibbons nasce il 23 marzo 1890 a Brooklyn, New York. Ma per comprendere davvero le sue radici, dobbiamo fare un salto indietro nel tempo, a vent’anni prima, quando suo nonno Patrick Gibbons lascia l’Irlanda in cerca di una vita migliore. Durante la grande diaspora causata dalla carestia delle patate, Patrick emigra negli Stati Uniti insieme alla sua famiglia. Non è un contadino, come molti altri emigranti irlandesi, ma un costruttore esperto, e questo mestiere gli permette di inserirsi in un’America da ricostruire, in pieno boom edilizio dopo la Guerra Civile.
Appena arrivato a New York, Patrick trova lavoro in uno dei progetti più ambiziosi dell’epoca: la costruzione della cattedrale di St. Patrick, un’imponente opera neogotica situata sulla Quinta Strada. I lavori, iniziati nel 1858, erano stati interrotti durante la Guerra Civile, ma riprendono nel 1869. Lavorare proprio in una cattedrale dedicata a San Patrizio, il santo protettore dell’Irlanda, sembra quasi un segno del destino. Per Patrick, che aveva lasciato tutto alle spalle per ricominciare in America, questa opportunità rappresentava una svolta.
In quel periodo, si usava spesso l’espressione “Luck of the Irish” (la fortuna dell’irlandese) per indicare una fortuna inattesa, quasi come quella del principiante nel gioco. Applicata spesso con ironia, questa frase sottintendeva che il successo degli irlandesi fosse più dovuto al caso che all’impegno o alla competenza. Ma per Patrick, questo incarico non era solo fortuna: era il risultato del suo mestiere di costruttore e della sua capacità di cogliere l’occasione in un paese in rapida trasformazione. La cattedrale diventa così il simbolo di un nuovo inizio per lui e per la sua famiglia.
Al suo fianco, spesso, c’è il giovane Austin, suo figlio, che lo segue nei cantieri e impara sul campo i segreti del mestiere.
In appena vent’anni, New York vive una straordinaria trasformazione. Nuovi ponti come il Williamsburg e il Manhattan Bridge collegano i distretti in espansione, mentre le prime linee di metropolitana iniziano a ridefinire la mobilità urbana. La città, sempre più dinamica, cresce rapidamente per accogliere le ondate di immigrati e la classe media in ascesa, che cerca case funzionali e moderne.
Austin, cresciuto tra i cantieri, sfrutta questa opportunità per avviare una propria attività. Si specializza nella costruzione di case modeste e nella ristrutturazione di abitazioni per una popolazione sempre più attenta alle comodità moderne, come elettricità, telefono e impianti idraulici interni. Questi progetti, benché semplici rispetto ai grattacieli che iniziano a cambiare lo skyline di Manhattan, rispondono alle esigenze pratiche di una città in continua evoluzione. Con il tempo, Austin si costruisce una solida reputazione come costruttore affidabile e capace, garantendo alla sua famiglia un futuro migliore.

Grazie al successo della sua attività, Austin riesce a trasferirsi con la moglie Veronica Fitzpatrick e i loro tre figli—Cedric, il primogenito, seguito da Veronica ed Eliot—in una casa a schiera su Hooper Street, a Brooklyn. Cedric cresce in questo contesto di laboriosità e trasformazione. Educato in casa dalla madre, passa molto tempo nei cantieri con il padre, dove osserva con curiosità come un progetto prenda forma. “Era magico vedere un edificio sorgere da un buco nel terreno,” ricorderà anni dopo. Queste esperienze non solo alimentano la sua immaginazione, ma gli insegnano anche disciplina e attenzione ai dettagli, caratteristiche che avrebbero definito tutta la sua carriera.

Rimboccarsi le maniche

Nel 1910, però, una tragedia segna profondamente la famiglia Gibbons. Veronica, la madre di Cedric, muore improvvisamente dopo una breve malattia. Il dolore è devastante e spinge Austin ad abbandonare la famiglia, lasciando Cedric, appena ventenne, a prendersi cura dei suoi fratelli più piccoli e dei nonni anziani.
A vent’anni, Cedric Gibbons è costretto a chiudere il cassetto in cui custodiva il sogno di studiare architettura all’università, si dedica al lavoro per sostenere la sua famiglia. Seguendo le orme del padre e del nonno, si sposta da un cantiere all’altro, applicando ciò che ha imparato nei primi anni al fianco del padre. Con un fisico robusto e una determinazione incrollabile, si adatta rapidamente alle esigenze di un mestiere che richiede resistenza, precisione e ingegno. Questo periodo di sacrifici forgia il suo carattere e lo prepara ad affrontare le sfide future.
Nel 1912, però, si apre uno spiraglio inaspettato. Cedric riesce a iscriversi part-time alla Art Students League di New York, una scuola d’arte rinomata per la sua filosofia inclusiva e per l’atmosfera creativa. Fin dalla sua fondazione, la League ha offerto programmi flessibili e accessibili sia ai professionisti che agli amatori, senza corsi di laurea né voti, favorendo la sperimentazione artistica. Durante il suo periodo alla League, Cedric riesce a fondere la sua esperienza lavorativa con la formazione artistica, trasformando non solo il suo senso estetico, ma anche la comprensione di come un’impresa creativa possa essere organizzata e realizzata. Tra i suoi insegnanti c’è Hugo Ballin, affermato scenografo e regista, che tiene lezioni ispiranti, trasmettendo ai suoi studenti l’amore per il cinema e per il potere visivo della narrazione. Cedric rimane affascinato dalla passione e dal talento di Ballin, trovando in lui un mentore che avrebbe segnato la sua carriera.

Parallelamente, Cedric trova lavoro presso la J. Walter Thompson Advertising Agency, una delle prime e più innovative agenzie pubblicitarie al mondo. Qui entra in contatto con un approccio metodico e innovativo al design. Sotto la guida di Stanley Resor, impara a combinare creatività e logica, bilanciando ispirazione artistica e strategia. Ogni progetto pubblicitario si basa su un rigoroso processo di analisi, in cui domande fondamentali—chi, cosa, dove, quando e perché—guidano la pianificazione. Questo rigore metodico arricchisce ulteriormente la sua formazione, preparando Cedric a un approccio equilibrato tra tecnica e creatività, che sarebbe diventato il marchio distintivo del suo lavoro.

C'è un anno, il 1939, che spicca nella storia di Hollywood per aver prodotto alcuni dei film più iconici di tutti i tempi. In quei 12 mesi, mai prima né dopo, sono stati realizzati così tanti capolavori del cinema: "Via col vento" (di cui vi ho parlato qui), "Il mago di Oz" (trovate qui il mio articolo), "Ombre rosse" (ve ne ho parlato qui), "Mr. Smith va a Washington", "Donne", "Cime tempestose", "Notre-Dame", "Avventurieri dell’aria" e "Ninotchka" (straordinario film con Greta Garbo, trovate il mio articolo qui).
C'è un attore, Thomas Mitchell, che tra le tante stelle di Hollywood, è comparso in ben cinque di questi leggendari film in un solo anno. Una presenza straordinaria che testimonia il suo talento e la sua versatilità sul grande schermo.
Se questo vi sembra impossibile, mettetevi comodi, perché oggi vi racconto la storia dell’uomo che ha dato vita ad alcuni dei personaggi più indimenticabili della storia del cinema. La sua carriera, che spazia dal giornalismo al teatro, e dai film ai primi giorni della televisione, è un viaggio affascinante che merita di essere scoperto.

Un mancato reporter

Thomas John Mitchell nasce l'11 luglio 1892 a Elizabeth, New Jersey, come ultimo di sette figli di James e Mary Mitchell, due immigrati irlandesi. In famiglia viene chiamato affettuosamente Tommy. Cresce in un ambiente in cui il giornalismo è una tradizione di famiglia: sia il padre che il fratello maggiore, John, sono giornalisti. Dopo la morte del padre, Thomas segue le orme dei suoi cari e inizia a lavorare per il Newark Journal, dove suo fratello è caporedattore.
Sebbene collabori con diverse testate giornalistiche e trovi inizialmente soddisfazione nel mestiere, Tommy si rende presto conto che il suo vero talento risiede altrove. Nel tempo libero, si dedica a scrivere e interpretare sketch comici per il teatro vaudeville, scoprendo una passione profonda per la recitazione. Questa passione lo spinge a dedicare sempre più tempo ed energie al teatro, fino a quando decide di abbandonare il giornalismo per seguire il suo sogno di diventare attore.
Nel 1913, Thomas compie il grande passo e si unisce alla compagnia itinerante "The Coburn Players" di Charles Coburn, accettando qualsiasi ruolo pur di migliorare le sue capacità attoriali. Questo periodo è cruciale per lui, poiché gli permette di accumulare esperienza e di dimostrare una versatilità che sarà determinante per la sua futura carriera. Il vero debutto a Broadway avviene nell'ottobre del 1916 con lo spettacolo "Under Sentence", dove recita insieme a due futuri giganti di Hollywood, Frank Morgan ed Edward G. Robinson. Il successo a Broadway gli consente di ottenere ruoli sempre più importanti fino al 1926, quando interpreta il protagonista in "The Wisdom Tooth".
Nonostante un primo approccio al cinema nel 1923 con il film muto "Six Cylinder Love", Mitchell decide di concentrarsi sul teatro fino alla metà degli anni '30. La sua dedizione al palcoscenico gli permette di affinare ulteriormente il suo talento, preparandolo per il grande salto verso Hollywood.

Il Debutto a Hollywood

Dopo anni di successi teatrali, la metà degli anni '30 segna per Thomas Mitchell il passaggio definitivo al cinema. Nel 1936, la Columbia Pictures gli offre un contratto vantaggioso, che accetta soprattutto a causa delle difficoltà economiche derivanti dalla Grande Depressione che hanno colpito duramente il teatro di Broadway.
Nei suoi primi tre film, Mitchell ha ruoli minori, ma significativi: è in "Craig’s Wife" accanto a Rosalind Russell, Billie Burke e Jane Darwell, in "Adventure in Manhattan" con Jean Arthur e Joel McCrea, e in "Theodora Goes Wild" con Irene Dunne e Melvyn Douglas, tutti usciti nel 1936. Tuttavia, il suo vero debutto avviene nel 1937 con due dei più grandi registi di Hollywood: Frank Capra, nel film Orizzonte perduto, e John Ford, in Uragano. Con Capra, Mitchell interpreta Henry Barnard, un uomo d'affari imbroglione, mentre nel film di Ford veste i panni del dottor Kersaint, una performance che gli vale la nomination all'Oscar come Migliore attore non protagonista.
Il 1937 è anche l'anno in cui Thomas si sposa con Rachel Hartzell, con la quale avrà una figlia di nome Anne. Sebbene il matrimonio duri solo due anni, la nascita della figlia rappresenta un periodo importante nella vita personale di Mitchell.
Un altro film significativo del 1937 è Cupo tramonto di Leo McCarey. In questo commovente dramma, Mitchell interpreta uno dei cinque figli di una coppia di anziani costretti a separarsi dopo aver perso la loro casa a causa di un debito non pagato. La situazione diventa insostenibile, portando alla decisione di mettere la madre in un ospizio e di mandare il padre in California da un'altra figlia. Il film è un ritratto struggente delle difficoltà della vecchiaia e delle dinamiche familiari.
Il 1938 vede Mitchell in Crociera d'amore, un film che, pur non essendo memorabile, apre la strada al 1939, l'anno che non solo sarà ricordato come l'anno d'oro del cinema, ma che diventerà anche l'anno d'oro di Thomas Mitchell.

L'anno del trionfo

Ma perché il 1939 viene considerato l'anno d'oro del cinema? Non solo per i film straordinari che ha prodotto, ma per ciò che rappresentano nel loro insieme – il mito di Hollywood e un momento unico nella cultura di massa americana. Quest'anno ha visto la nascita di film iconici come "Gone With the Wind" e "The Wizard of Oz", che hanno stabilito standard insuperabili nei loro generi. Era l'epoca d'oro del sistema degli studi di Hollywood, dove la collaborazione tra grandi star, registi di talento e artigiani esperti ha prodotto autentiche magie cinematografiche. Questo sistema permetteva una produzione di qualità eccelsa, con film che sapevano catturare l'immaginazione del pubblico come mai prima.
In quel periodo, il cinema era il principale mezzo di intrattenimento di massa, unendo milioni di persone in un’esperienza condivisa. Questo ha permesso ai film di quell'anno di avere un impatto culturale profondo e duraturo. Inoltre, segnava la ripresa economica dopo la Grande Depressione e rappresentava un periodo di trasformazione per l'industria cinematografica.
I film di quest'anno hanno contribuito a creare e perpetuare la mitologia di Hollywood come "fabbrica dei sogni". Scene e citazioni di questi film sono diventate parte integrante dell'immaginario collettivo. Hanno stimolato conversazioni culturali e politiche complesse, riflettendo sulle dinamiche sociali dell'epoca e cementando il 1939 come un periodo insuperabile nella storia del cinema, un momento in cui l'industria cinematografica ha operato al massimo delle sue capacità per creare esperienze teatrali indimenticabili.
Per Thomas Mitchell, il 1939 rappresenta l'apice della sua carriera. Questo anno lo vede coinvolto in cinque dei più grandi film di tutti i tempi, dimostrando la sua straordinaria versatilità e talento.
Uno degli aspetti più straordinari della partecipazione di Mitchell a questi film è il fatto che sia riuscito a prendere parte a tutti essendo le riprese praticamente in contemporanea:  Ombre rosse è stato girato dal novembre del ’38 al 7 gennaio del ’39, Avventurieri dell’aria dal 20 dicembre 1938 al 24 marzo 1939, Via col vento dal 26 gennaio del ‘39 all’11 novembre del ’39, Mr. Smith va a Washington dal 3 aprile ’39 al 7 luglio ’39 e Notre Dame dal 10 luglio 1939 al 28 ottobre dello stesso anno.

Ombre rosse, diretto da John Ford, rappresenta una delle pietre miliari del genere Western nonchè un punto di riferimento per l’intera cinematografia per le tecniche di ripresa molto innovative per l’epoca. A caratterizzare questo film oltre ad un eccellente cast composto da John Wayne, Claire Trevor, John Carradine e Andy Devine, è la valenza simbolica della diligenza che trasporta i passeggeri dall’Arizona a Lordsburg sotto la minaccia di un attacco indiano: trasportando persone appartenenti a due diverse categorie sociali, i benestanti e gli emarginati, rappresenta una metafora della società stessa. Il Dottor Josiah Boone, interpretato da Thomas Mitchell, rientra nella seconda categoria ed è un medico dedito all’alcol e malvisto da tutti perché considerato inaffidabile. Nella prima parte del film Mitchell evidenzia l’aspetto comico dell’accanito bevitore, come quando cerca di scroccare da bere nel saloon o quando prova ad ingraziarsi Peacock il commesso viaggiatore rappresentante di liquori. A metà della storia però si verifica la trasformazione del personaggio: un improvviso parto richiede il suo intervento ed a quel punto il Dott. Boone si ricompone e mantenendo la lucidità riesce a salvare due vite, riscattando la propria rispettabilità. Grazie alla sua performance in questo film Mitchell conquista l’Oscar come Migliore attore non protagonista e queste sono le sue parole quando nel 1940 riceve da Spencer Tracy l’ambita statuetta: “Non credevo di essere stato così bravo. Non ho preparato nessun discorso… sono troppo sconclusionato”.   

Il secondo film di Mitchell quell’anno è Avventurieri dell’aria di Howard Hawks, nel cui cast troviamo Cary Grant, Jean Arthur e Rita Hayworth. Al porto di Barranca, nell’America meridionale,  il pilota Geoff Carter insieme ad altri 4 colleghi si occupa del servizio postale. Un giorno Bonnie una ballerina in tournèe conosce i piloti e si rende ben presto conto della pericolosità del loro mestiere. Il collega di Geoff, nonché suo migliore amico, Kid (Thomas Mitchell), è un pilota con alle spalle una lunga esperienza che però ultimamente ha problemi alla vista che compromettono le sue capacità di volo. Il porto sarà teatro di amori, tragedie, sensi di colpa ma anche redenzione. Il ritratto che propone Mitchell di Kid è quello di un uomo burbero ma fondamentalmente buono, un amico leale che seppur non voglia rinunciare a combattere le proprie battaglie, è pronto a sacrificarsi per i compagni.

Uno dei ruoli sicuramente più famosi di Thomas Mitchell è quello di Gerald O'Hara, padre di Rossella, in Via col vento. Gerald è un uomo di mezza età di origine irlandese (e in questo Mitchell riesce ad essere molto convincente perchè può attingere alle origini irlandesi dei propri genitori), perfettamente integrato nella Georgia del Sud dove vive una vita tranquilla come proprietario piantagioni nelle quali lavorano i neri come schiavi. All’inizio della storia è un uomo che difende i propri ideali con orgoglio sprezzante, ma con il prefigurarsi della disfatta del Sud e un grave lutto che colpisce la sua famiglia, Gerald perde la ragione e trascorre le giornate a bere. Rispetto agli altri film nei quali spesso il personaggio di Mitchell ha un’evoluzione dal negativo al positivo, qui abbiamo invece un uomo forte che viene lentamente distrutto, salvo poi riscattarsi per salvare la cosa a cui tiene di più, la propria casa, pagando però un prezzo altissimo. 

Sempre in quel periodo Mitchell prende parte al film Mr. Smith va a Washington di Frank Capra. Il soggetto del film è una storia inedita di Lewis R. Foster intitolata “The Gentleman from Montana” e racconta di un giovane pieno di ideali che si scontra con la corruzione che vige nel Senato Americano. Capra inizialmente vorrebbe farne un sequel per È arrivata la felicità del ’36 con Gary Cooper, ma non essendo l’attore disponibile deve “ripiegare”, facendo una scelta vincente, sulla coppia James Stewart e Jean (che ha già diretto nel ’36 in L’eterna illusione). In questo film Thomas Mitchell, che ritrova Jean Arthur dopo Avventurieri dell’aria,  interpreta il giornalista Diz Moore, e sebbene il suo sia un ruolo secondario Mitchell riesce a presentare in maniera convincente l’evoluzione del suo personaggio: all’inizio è un reporter cinico che al pari dei suoi colleghi non esita a sbeffeggiare Smith considerandolo una pedina in mano al partito, ma con il procedere della storia si rende conto della buona fede dell’uomo e sposa la sua causa anche quando tutta la stampa viene messa a tacere dai potenti. Diz è innamorato di Clarissa, la segretaria del senatore, alla quale ha più volte chiesto di sposarlo e quando lei, innamorata di Smith, si ubriaca con lui e decide di accettare la sua proposta, inizialmente è contento ma poi realizza i veri sentimenti della donna e si fa da parte.  

Il quinto e ultimo film a cui prende parte Mitchell nel 1939 è Notre Dame del regista William Dieterle, trasposizione del romanzo “Notre-Dame de Paris” di Victor Hugo. È la storia della zingara Esmeralda (Maureen O’Hara) che per evitare l’arresto chiede asilo rifugiandosi dentro la cattedrale di Notre Dame, aiutata dal deforme campanaro Quasimodo (Charles Laughton). Thomas Mitchell interpreta Clopin, l’ambiguo capo dei gitani (che inizialmente cela la propria identità), patrigno di Esmeralda, che con coraggio guida i propri compagni a insorgere contro lo strapotere e le ingiustizie perpetrate dalla nobiltà, ed è disposto a sacrificare la propria vita per difendere ciò in cui crede.

 

Un successo dopo l’altro

Dopo l’intenso 1939 Mitchell continua a lavorare, prendendo parte a film come La nostra città del 1940 diretto da Sam Wood, Lungo viaggio di ritorno dov’è insieme a John Wayne diretto da John Ford, e nel 1941 è protagonista di Fuori dalla nebbia di Anatole Litvak. Il 1941 è anche l’anno del suo secondo matrimonio: il 30 giugno si sposa con Anne Stuard Breswer con la quale rimarrà per tutta la sua vita.
Nel 1942 prende parte al film d’avventura sui pirati Il cigno nero di Henry King insieme a Tyrone Power e Maureen O’Hara e al film a episodi di Julien Duvivier Destino sulla storia di uno smoking sfortunato, nel cui cast troviamo Star del calibro di Charleys Boyer, Henry Fonda, Charles Laughton, Ginger Rogers e Rita Hayworth: Mitchell è nel primo episodio insieme Boyer e la Hayworth
Nel 1944 è il patriarca nel film La famiglia Sullivan, una storia drammatica che racconta le vicende di 5 fratelli arruolati in guerra, e riprende i panni del dottore (indossati in Ombre rosse) per il film drammatico Le chiavi del Paradiso con protagonista Gregory Peck sulla vita di un missionario. Nel 1945 Mitchell è il protagonista de Gli ammutinati di Sing Sing nel quale interpreta un severissimo giudice. L’anno 1946 lo vede come personaggio secondario in due grandi successi, Lo specchio scuro con Olivia De Havilland che interpreta un difficile doppio ruolo di due gemelle, e La vita è meravigliosa di Frank Capra insieme a James Stewart e Donna Reed. In questa favola morale di Capra Thomas Mitchell  interpreta lo Zio Billy, il fratello del padre di George Bailey (Stewart) che presenta caratteristiche buffe come il fatto di dimenticarsi sempre le cose o di circondarsi di vari animali come corvi e scoiattoli, ma nei momenti drammatici sa presentare perfettamente il ritratto dell’uomo disperato sull’orlo del baratro.

Nel febbraio del 1949 Mitchell torna a teatro partecipando alla tournèe nazionale dello spettacolo "Morte di un commesso viaggiatore" di Arthur Miller, mentre nel 1952 viene scelto per interpretare il Sindaco cittadina di Hadleyville Jonas Henderson nel film western di Fred Zinnemann Mezzogiorno di fuoco con Gary Cooper e Grace Kelly.

Un nuovo inizio in TV e il ritorno a teatro

Durante gli anni ’50 Mitchell mostra la sua grande versatilità sapendosi adattare al nuovo mezzo di comunicazione in ascesa: la televisione. Dal ’51 infatti prende parte ai primi show televisivi come Studio One, Lux Video Theater e The O. Henry Playhouse, e questo fa sì che arrivi ad essere amato anche dalle nuove generazioni.  Il 5 febbraio del 1953 durante la cerimonia degli Emmy Awards gli viene assegnato il Premio come Migliore attore  (nella sua carriera avrà altre 2 nomination agli Emmy). Tra il 1954 e il 1955 sarà protagonista in uno show tutto suo chiamato Mayor of the town, costituito da 39 episodi.
Il 1953 è l’anno che riporta Mitchell al suo primo amore, il teatro, grazie al musical “Hazel Flagg”, basato sul film del 1937 Nulla sul serio con Carole Lombard. Grazie alla sua interpretazione il 29 marzo dello stesso anno Mitchell vincerà il Tony Award come Migliore attore in un Musical, diventando il primo in assoluto a vincere la “Tripla Corona della Recitazione”, per aver conquistato rispettivamente i tre maggiori riconoscimenti per un attore, Oscar, Tony ed Emmy.

Gli ultimi anni

Nel ’54 torna sul grande schermo: è l’acerrimo nemico di Charlton Heston nel film d’avventura Il segreto degli Incas, uno dei primi che la Paramount gira realmente presso degli scavi archeologici in Perù, e di nuovo interpreta l’ubriacone nel western La storia di Tom Destry diretto da George Marshall.
Nel ’56 è diretto da Fritz Lang Quando la città dorme, trasposizione del romanzo di Charles Einstein sugli omicidi perpetrati negli anni ’40 da William Heirens, soprannominato il “killer del rossetto” perché lasciava sulla scena del delitto un messaggio scritto appunto con il rossetto. Il film vuole essere una critica al potere dei media e la sete di potere e qui Mitchell interpreta uno dei 3 giornalisti che deve scoprire l’identità dell’assassino per poter ottenere la promozione a direttore esecutivo. Insieme a lui in questo film ci sono Dana Andrews, George Sanders e Vincent Price.
La carriera cinematografica di Mitchell si conclude nel 1961, anno in cui è in Ossessione amorosa di John Sturges e soprattutto in un’altra delle favole morali di Frank Capra, Angeli con la pistola, un film che ha un posto speciale nel mio cuore. Si tratta del remake di un altro film dello stesso Capra girato agli inizi della sua carriera, Signora per un giorno. È la storia di Dave “lo sciccoso” un gangster di New York che decide di aiutare Annie una povera venditrice di mele a fingersi una gran signora perché sua figlia Louise, che ha vissuto fino a quel momento in Spagna dove la madre a fatica l’ha mantenuta in un collegio, sta venendo a trovarla insieme al fidanzato e suo padre, un Conte spagnolo. Nella versione del ’61 c’è un cast eccezionale: Bette Davis nei panni di Annie, Glenn Ford in quelli di Dave, Hope Lange è Regina Martin, Peter Falk è lo scagnozzo Carmelo, Edward Everett Horton è il maggiordomo e Ann-Margret è Louise. A loro si aggiunge Thomas Mitchell che interpreta il giudice (truffatore) Henry Blake che si finge il marito di Annie. Come ne La vita è meravigliosa anche qui Mitchell sfoggia tutto il suo repertorio da caratterista: dall’aria truffaldina quando raggira il suo avversario durante una partita a biliardo, a quando finge di essere il patrigno affettuoso per Louise, a quando consola Annie nel momento della disperazione.

Il titolo originale è "Marty" ed è un film del 1955 diretto da Delbert Mann con protagonisti Ernest Borgnine e Betsy Blair.
 

La trama in breve: Marty Piletti, trentacinque anni, italoamericano, lavora come macellaio e vive con la madre anziana. I suoi fratelli e sorelle si sono sposati da tempo e hanno lasciato il nido familiare. Uomo di corporatura robusta e di indole timida, Marty teme di non riuscire mai a trovare una donna disposta a sposarlo, una preoccupazione che lo rende oggetto delle continue pressioni da parte della madre. Tuttavia, un giorno Marty incontra una giovane donna con cui scopre di avere molte affinità, un incontro che trasforma la sua vita. Nonostante questo cambiamento positivo, sia la madre che gli amici lo rimpiangono per come era prima.

Alcune scene del film

Foto promozionali

Burt Lancaster decide di apparire nel trailer del film perché riteneva che avrebbe avuto difficoltà a promuovere il film a causa della sua mancanza di star.

Nel corso degli anni '50, la televisione si afferma come un medium rivoluzionario, offrendo drammi più intimi e realistici rispetto alle opere cinematografiche dell'epoca, spesso caratterizzate da una spettacolarizzazione estrema. Questa nuova forma di intrattenimento inizia a conquistare un posto stabile nelle case degli americani, influenzando profondamente la cultura popolare.

La storia origina da una piece televisiva di Paddy Chayefsky andata in onda nella serie antologica della NBC The Phlico Television Playhouse nel 1953. Noto per la sua capacità di catturare le sfumature della vita quotidiana americana, Paddy ha trova ispirazione per la storia di "Marty" durante le prove di un'altra sua opera al salone da ballo dell'Abbey Hotel a New York. Qui, un cartello che invita le ragazze a ballare con chi le ha invitate, sottolineando che "anche gli uomini hanno sentimenti", cattura la sua attenzione. Questo episodio ispira Chayefsky a concepire un dramma che esplori le sfide emotive e sociali delle persone i comuni. Chayefsky ha pensato alla storia come a un veicolo per il suo amico, l'attore/regista Martin Ritt, dando anche il nome al protagonista in suo onore. Tuttavia, a causa delle tensioni politiche dell'epoca, con Ritt inserito nella lista nera durante il maccartismo, il ruolo principale nella produzione televisiva va a Rod Steiger. Chayefsky aveva vissuto nell'area del Bronx dove è ambientato "Marty" e ha utilizzato la sua conoscenza del luogo durante la stesura della sceneggiatura. La regia viene affidata a Delbert Mann.

Ad acquistare i diritti cinematografici di "Marty" nel luglio del 1953 è la Hecht-Hill-Lancaster Questa casa di produzione è frutto della collaborazione tra Burt Lancaster, il produttore sceneggiatore James Hill e l’agente teatrale Harold Hecht, lo stesso che aveva scoperto Lancaster grazie ad un incontro fortuito in un ascensore nel 1945 e che scritturandolo per un ruolo a Broadway gli avrebbe dato l’opportunità che lo avrebbe lanciato come stella del cinema.
Dopo aver raggiunto il successo, Lancaster dimostra un eccellente acume imprenditoriale e decide di fondare una casa di produzione caratterizzata da uno spirito innovativo e anticonformista. Questa nuova impresa è incline a investire in progetti che si distaccano dai consueti veicoli cinematografici costruiti attorno alla sua figura.

 

La decisione di scommettere su "Marty" nasce dalla visione condivisa tra Hecht e Lancaster, che riconoscono il potenziale dell'opera fin dalla sua prima trasmissione televisiva. Hecht, in particolare, apprezza profondamente il valore della sceneggiatura di Chayefsky, convinto della qualità unica di "Marty" e del suo potenziale di coinvolgere il pubblico con una storia umana e realistica, e insiste per portare questo progetto sul grande schermo, nonostante le resistenze iniziali degli studi cinematografici.
La produzione di "Marty" segna quindi un punto di svolta significativo per la Hecht-Lancaster Productions, orientandola verso una strategia produttiva che valorizza il cinema indipendente a basso budget e progetti di profonda rilevanza umana e sociale. Chayefsky pone condizioni rivoluzionarie per la vendita dei diritti, esigendo controllo totale sulle revisioni del copione, piena consultazione sul casting e il diritto di nominare il regista originale della versione televisiva, Delbert Mann, per la regia del film. Queste richieste, tutte accettate, mostrano il forte impegno a mantenere l'integrità artistica del progetto.
Nel febbraio del 1954, viene firmato l'accordo per la distribuzione con United Artists e si può iniziare a pensare al cast. Nel pieno rispetto di questo genere, che assumerà il nome di Neorealismo all'Americana, Hecht e Lancaster decidono di distaccarsi dai soliti nomi riconoscibili di Hollywood e dal glamour tipico della grande schermata, assegnando i ruoli a volti relativamente sconosciuti. Questa scelta è guidata dalla convinzione che il film debba esprimere un'autenticità e una sincerità profonda, riflettendo le sfide e le gioie della vita quotidiana.

Rod Steiger, che aveva originariamente interpretato Marty nella produzione televisiva del 1953, si vede offrire il ruolo per il film. Tuttavia, rifiuta a causa di un contratto proposto dalla Hecht-Lancaster Productions che lo avrebbe legato per sette anni, una condizione troppo restrittiva per lui. Contemporaneamente, Hecht e Lancaster optano per non scegliere Steiger, credendo che il pubblico non sia disposto a pagare per vedere lo stesso attore già apparso gratuitamente in TV.

United Artists, interessata a rendere il film più commerciale, spinge per la scelta di Marlon Brando per il ruolo principale. Credendo che la sua notorietà avrebbe attirato un pubblico più ampio, lo studio vede in Brando una stella riconoscibile. Tuttavia, Hecht e Lancaster resistono a questa pressione, insistendo sulla scelta di un cast meno noto per preservare l'autenticità del progetto.
La ricerca del nuovo Marty porta il regista Delbert Mann a consultarsi con l'amico Robert Aldrich, che aveva diretto "Vera Cruz", un film della casa produttrice di Lancaster e interpretato dallo stesso Lancaster. Aldrich suggerisce Ernest Borgnine, con cui ha lavorato in Vera Cruz,  vedendo le sue potenzialità nonostante fino a quel momento sia stato relegato a ruoli di caratteristi antagonisti, come il sadico sergente Judson in "Da qui all'eternità". La sua stazza, i lineamenti massicci, il naso schiacciato e i denti separati lo rendevano il villain per cui nessuno avrebbe simpatizzato.
Figlio di immigrati italiani, Ernest Borgnine dopo aver prestato servizio nella Marina inizia la carriera d’attore frequentando Randall School of Drama di Hartford Connecticut. Nel 1949 debutta a Broadway con la commedia Harvey (di cui vi ho parlato qui) interpretando l’infermiere del manicomio, e nello stesso periodo inizia a lavorare anche in televisione.
Borgnine si reca al provino con indosso il costume western e la barba lunga, funzionali al film che sta girando con Spencer Tracy Giorno maledetto. Dopo aver terminato la lettura della parte, Borgnine scopre di aver commosso regista e sceneggiatore fino alle lacrime. Lui stesso dirà È stata la sensazione più meravigliosa della mia vita, pensare di aver realizzato qualcosa che potesse commuovere le persone in questo modo.
Ora che Marty è stato scelto, bisogna trovare la sua Clara, un personaggio che rappresenta la classica "Plain Jane", ovvero una figura percepita come ordinaria o poco appariscente. Inizialmente, i produttori considerano Nancy Marchand, che aveva interpretato il personaggio nella produzione televisiva. Tuttavia, proprio come per Rod Steiger, anche Marchand viene scartata perché si desidera introdurre nuovi volti per la versione cinematografica, con l'intento di attirare il pubblico presentando interpreti inediti e diversi da quelli già apparsi in TV.
In questo contesto interviene Gene Kelly, marito di Betsy Blair, la cui carriera era stata gravemente compromessa dalla blacklist di Hollywood. Tutte le sue offerte cinematografiche si erano esaurite agli inizi degli anni '50 a causa delle accuse di simpatie comuniste. Determinato a supportare sua moglie, Kelly esercita una forte pressione per farle ottenere il ruolo di Clara. Durante quel periodo, Kelly sta lavorando al film della MGM È sempre bel tempo e minaccia di interrompere le riprese se non viene consentito a sua moglie di lavorare nonostante la blacklist. Per assicurare la partecipazione di Blair, Kelly si rivolge a Dore Schary, chiedendogli di intervenire presso la commissione di Washington.
Betsy Blair aveva iniziato la sua carriera nell'intrattenimento all'età di otto anni, lavorando inizialmente come ballerina amatoriale. Nel 1940, incontra Gene Kelly mentre lavora nel coro del Billy Rose's Diamond Horseshoe, dove Kelly era impiegato come coreografo. La loro collaborazione professionale si trasforma presto in una relazione personale, culminando nel matrimonio nell'ottobre 1941. Blair era apparsa in film come in Doppia vita e La fossa dei serpenti. Nonostante il successo di Marty, la sua carriera non riuscirà a riscattarsi.
 

Mentre la scelta dei due protagonisti ha comportato un cambiamento significativo rispetto alla produzione televisiva, per altri personaggi di "Marty" si è deciso di mantenere la continuità con la versione originale trasmessa nel 1953. Questa decisione ha contribuito a preservare l'autenticità e la coerenza del film, sfruttando le già acclamate interpretazioni degli attori coinvolti.
Esther Minciotti riprende il suo ruolo di Mrs. Piletti, la madre premurosa e talvolta soffocante di Marty. La sua performance nella versione televisiva aveva già catturato l'attenzione di pubblico e critica, rendendola la scelta naturale per portare lo stesso calore e profondità emotiva al personaggio anche sul grande schermo.
Accanto a lei, Augusta Ciolli ritorna nei panni di Zia Catherine, un altro personaggio chiave che aggiunge un ulteriore strato di familiarità e realismo alla narrazione. La sua abilità nel rendere vivi i dettagli quotidiani della vita familiare italiana-americana è stata un elemento fondamentale sia nella produzione televisiva che in quella cinematografica.
Joe Mantell, che aveva interpretato Angie, il migliore amico di Marty, nella versione televisiva, viene anch'esso confermato per il film. La sua chimica con Borgnine e la capacità di catturare la complessità delle dinamiche di amicizia maschile hanno reso la sua performance estremamente popolare e hanno convinto i produttori a mantenerlo nel ruolo.

La lavorazione di "Marty, vita di un timido" è iniziata nell'ottobre del 1954, con le riprese che si sono svolte principalmente nel Bronx, un'area ricca di location autentiche che hanno contribuito all'atmosfera realistica del film. Tra i luoghi iconici utilizzati ci sono il Grand Concourse e l'IRT Third Avenue El, elementi distintivi del paesaggio urbano di questa zona di New York. Una scena memorabile dietro i titoli di testa è stata girata su Arthur Avenue, di fronte all'Arthur Avenue Retail Market, luogo simbolico per la comunità italo-americana del Bronx.

Dopo aver completato le riprese esterne, la produzione si è spostata a West Hollywood nei Samuel Goldwyn Studios situati su Santa Monica Blvd. Qui, a dicembre, sono stati girati gli interni del film. Questo cambiamento di location ha permesso alla produzione di controllare meglio l'ambiente e di lavorare con maggiore flessibilità rispetto alle variabili esterne.
Una curiosità interessante riguarda la scelta dei nomi dei luoghi nel film: il nome reale del Waverly Ballroom è stato cambiato in Stardust Ballroom nella sceneggiatura, un dettaglio che aggiunge un tocco di magia e unicità al contesto della storia.
Il processo di ripresa del film è stato notevolmente efficiente, concludendosi in soli 18 giorni.

Una chicca: lo sceneggiatore Paddy Chayefsky ha recitato in un cameo nel film. Con una solida esperienza come attore teatrale alle spalle, Chayefsky ha interpretato il personaggio di Leo, che appare brevemente sul retro dell'auto. Nella scena, gli amici di Marty lo sollecitano a unirsi a loro per "fare numero" con una ragazza che hanno incontrato. Secondo il regista Delbert Mann, la scelta di Chayefsky per questo ruolo marginalmente visibile è stata dettata principalmente dalla volontà di risparmiare tempo e denaro che sarebbero stati impiegati per ingaggiare un comparsa. Curiosamente, per recitare queste tre battute, Chayefsky ha dovuto rinnovare la sua iscrizione al sindacato degli attori, versando $140, mentre il compenso per il ruolo ammontava a soli $67, risultando così in una perdita netta per lui.
La produzione di "Marty" inizia con un budget modesto di soli 343.000 dollari. Harold Hecht e Burt Lancaster, investendo una cifra limitata, hanno attuato una strategia finanziaria che avrebbe garantito vantaggi fiscali, indipendentemente dal successo del film. Il progetto era originariamente concepito come una "tax write-off" grazie a una legge fiscale in vigore in quel periodo, permettendo ai produttori di includere il costo del film come una spesa che riduce il loro reddito imponibile, abbassando così le tasse sui loro altri guadagni anche in caso di insuccesso commerciale.
Contrariamente alle aspettative, "Marty" si rivela un successo sia di critica che di pubblico.
La United Artis è intenzionata a relegare il film a una distribuzione secondaria, ma Paddy Chayefsky insiste affinchè abbia una prima uscita di tutto rispetto. ed è così che l’11 aprile il film debutta al Sutton Theatre di New York, una sala tipicamente riservata a film d'autore.
Il capo della pubblicità di New York di Hecht-Lancaster, Bernie Kamber, conduce una campagna personale per il film, organizzando proiezioni private e convincendo i principali organi di stampa a presentarlo positivamente. Uno dei maggiori sostenitori di "Marty" è stato il famoso giornalista Walter Winchell, che ha promosso il film ampiamente nella sua colonna e il cui impegno ha generato una crescente attenzione mediatica che ha contribuito al successo del film.
Il film viene accolto positivamente dai primi spettatori e cattura la benevolenza della critica. Ernest Borgnine, interpretando il ruolo del macellaio Marty Piletti, riceve elogi significativi, inclusa la rivista "Time" che lo nomina l'Amleto dei macellai".

Il punto di svolta arriva quando "Marty" diventa la prima opera americana a vincere il prestigioso premio Palma d'Oro all'8ª edizione del Festival di Cannes, che si è tenuta dal 26 aprile al 10 maggio 1955 (qui Betsy Blair con Gene Kelly a Cannes).

Grace Kelly annuncia il Miglior attore e, dopo la proclamazione, un entusiasta Ernest Borgnine bacia la moglie e consegna a Jerry Lewis un calzino rosso contenente 1 dollaro e 41 centesimi, tutto in monetine, come pegno di una scommessa persa. Borgnine, commosso, afferma: “A costo di sembrare ripetitivo, voglio ringraziare mia madre per avermi spinto a questo, mio padre per la sua risolutezza e la mia adorabile moglie per avermi aiutato.”

Audrey Hepburn è incaricata di annunciare il vincitore nella categoria Miglior film. "Marty" compete contro "L'amore è una cosa meravigliosa", "La nave matta di Mister Roberts", "Picnic" e "La rosa tatuata". Prima di rivelare il vincitore, Audrey tributa un riconoscimento a Lewis per la conduzione della serata con un bacio sulla guancia. Infine annuncia che il vincitore è "Marty", e Harold Hecht sale sul palco per ritirare il premio. Nel suo discorso, Hecht afferma: "È una fortuna vivere in un paese dove qualsiasi uomo, non importa quanto umili siano le sue origini, può diventare Presidente, e fare parte di un’industria dove ogni film, non importa quanto basso sia il suo budget, può vincere un Oscar."

 

Nel dietro le quinte vengono scattate queste foto splendide a Audrey Hepburn e Grace Kelly.

Marty otterrà altri riconoscimenti tra il 1955 e il 1956, tra cui il Golden Globe e il BAFTA per il Miglior attore a Ernest Borgnine. Il film ha anche vinto premi per il Miglior film al National Board of Review e al New York Film Critics Circle, mentre Delbert Mann ha ricevuto il Bodil Award per il Miglior film e il Directors Guild of America Award per la Migliore regia. Paddy Chayefsky ha ottenuto il Writers Guild of America Award per la Migliore sceneggiatura.

 

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