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C’è un film che ha tutto quello che ci si aspetterebbe da un thriller firmato Alfred Hitchcock: un omicidio misterioso, una trama giocata sull’ambiguità dell’identità, una donna in pericolo (e mai del tutto vittima), figure sinistre che la inseguono ovunque, un protagonista affascinante e sfuggente, dialoghi brillanti, una colonna sonora che si imprime nella memoria e una Parigi che è più di una semplice location: è atmosfera, eleganza, tensione.

Quel film è Sciarada. Eppure, nei titoli di testa, il nome di Hitchcock non c’è.
La regia è di Stanley Donen, maestro del musical che qui si diverte a smontare e reinventare le regole del thriller classico, mescolando suspense, ironia e raffinatezza. Sciarada è insieme omaggio e gioco: un film che finge di seguire la strada nota per poi deviare, che si nutre dei suoi riferimenti ma li piega a un tono tutto suo.
E poi ci sono loro: Audrey Hepburn e Cary Grant. L’unico film in cui hanno recitato insieme. E basta guardarli anche solo per pochi minuti per chiedersi come sia possibile che questo incontro sia avvenuto una volta sola.

Ho incontrato Sciarada da spettatrice distratta, molto prima di sapere cosa stessi guardando davvero. Ero una ragazzina, seduta davanti alla TV con Pretty Woman, quando una scena mi ha colpita all’improvviso: Vivian è sola in albergo, zapping distratto, e sullo schermo passa un film in cui Audrey Hepburn, con il suo viso da bambola intelligente e lo sguardo più incantato del solito, dice: “Oh, I love you… Peter, Alexander, Adam, Brian…”
Una sfilza di nomi pronunciati con dolcezza e ironia, tutti rivolti allo stesso uomo: Cary Grant. Non avevo idea di che film fosse, ma quella scena — straniante, elegante, misteriosa — mi si è incollata alla memoria.

Mi sembrava di aver spiato un frammento raro, un piccolo tesoro da recuperare. Quel tono leggero ma anche assurdo, quell’Audrey così diversa, mi avevano incantata. Solo anni dopo ho scoperto che quel frammento apparteneva a Sciarada. E da allora, il film ha preso il suo posto tra quei titoli che, una volta scoperti, diventano una presenza fissa.
Forse anche voi avete visto Sciarada per caso o forse l’avete sempre sentito nominare, ma non avete mai avuto l’occasione di sedervi davvero a guardarlo.
Qualunque sia il vostro punto di partenza, questo film è un piccolo labirinto elegante che merita di essere percorso: vi farà sorridere, vi terrà col fiato sospeso, vi conquisterà con il suo tono unico, capace di far convivere mistero e romanticismo, leggerezza e tensione.
Ma Sciarada non è solo un film riuscito. È anche il risultato di incastri fortunati, decisioni rischiose, cambi di rotta e intuizioni brillanti.
C’è un progetto salvato in extremis, una sceneggiatura respinta da tutti e poi contesa da sei studi, attori che hanno detto di no prima di dire di sì, riprese sotto la neve, scene improvvisate, abiti impeccabili e colpi di scena anche fuori dal set.
In questo articolo vi porto dietro le quinte di uno dei film più sofisticati degli anni Sessanta.
E la ciliegina sulla torta? Potete vedere direttamente il film, lo trovate in fondo all’articolo.

Il titolo originale è Charade ed è un film del 1963 diretto da Stanley Donen con Cary Grant e Audrey Hepburn. 

 

La trama in breve: Durante una vacanza sulle Alpi, una giovane donna americana riflette sulla possibilità di divorziare dal marito. Ma al suo rientro a Parigi, scopre che l’uomo è stato ucciso e che tutta la sua vita sembra costruita su segreti e menzogne.
Tra misteriose identità, uomini pericolosi che la seguono, e un enigmatico sconosciuto che sembra volerla aiutare (ma forse no), la protagonista si ritrova coinvolta in una fitta rete di inganni e doppi giochi.

Foto promozionali

 All’inizio degli anni Sessanta, il cinema americano attraversa una trasformazione silenziosa ma radicale. Il sistema degli studios, una volta granitico, perde progressivamente il suo controllo sulle produzioni. Le grandi star iniziano a gestire direttamente le proprie carriere, scegliendo con attenzione progetti, partner creativi e soprattutto luoghi: non più solo set costruiti a Hollywood, ma città reali, spazi vivi, che prestano ai film un senso di autenticità nuova.
Il pubblico, più consapevole e meno disposto ad accettare le convenzioni, comincia a riconoscere i trucchi del mestiere. Le inquadrature si fanno più dirette, i dialoghi più spigolosi, le storie meno incasellabili nei generi tradizionali. Le ambientazioni diventano personaggi, la commedia si tinge di suspense, e persino il romanticismo assume sfumature di ambiguità e ironia.
In questo contesto in bilico tra realtà e finzione, tra glamour e disincanto, si colloca la nostra storia: una storia di ombre e doppi giochi, ma anche di stile, leggerezza e seduzione. Una storia dove nulla è davvero come sembra — nemmeno l’amore. 

Ci sono film che nascono da un’illuminazione creativa, altri da incontri fortuiti. Sciarada, invece, prende forma da un rifiuto. Anzi, da una lunga serie di rifiuti. Quando Peter Stone scrive la prima versione della storia, una sceneggiatura intitolata Charade, Hollywood non sa cosa farsene. Troppo brillante per essere un noir, troppo misteriosa per essere solo una commedia romantica. Troppo ibrida, troppo sfuggente. Troppo rischiosa.
A quel punto, Stone è un autore con pochi crediti e molte idee. È sua moglie Mary – insieme all’agente Robbie Lantz – a suggerirgli un’idea che lui inizialmente rifiuta con fastidio: trasformare quella sceneggiatura in un romanzo. “Non ho mai scritto un romanzo e non voglio iniziare adesso”, dice. Ma le pressioni sono tante, e alla fine si lascia convincere.
Il libro viene pubblicato a puntate sulla rivista femminile "Redbook", ma non prima di una piccola e ironica trasformazione. Il titolo Charade viene rimpiazzato da The Unsuspecting Wife, perché – secondo la redazione – per vendere bene, una storia deve contenere nel titolo almeno una di queste parole: cane, moglie, Dio, o Lincoln. 

 

Qualcosa scatta. La storia funziona, il pubblico risponde. E nel giro di sei settimane arrivano sei offerte cinematografiche. Cinque provengono dagli stessi studi che, pochi mesi prima, avevano respinto la sceneggiatura. La sesta, la meno remunerativa, arriva da Stanley Donen.

Riuscite a crederci che Cary Grant, sì, proprio lui, all’inizio ha rifiutato di fare Sciarada?
Quando Stanley Donen gli invia la sceneggiatura, Grant ringrazia con gentilezza, ma declina: non gli piace, non lo convince. È più interessato a un altro progetto con Howard Hawks – Lo sport preferito dagli uomini – anche se la sceneggiatura non è ancora stata scritta. Inoltre ha già rifiutato in passato di essere l'interesse amoroso di Audrey per la differenza d'età (nel film Arianna di cui vi ho parlato qui).
La notizia ha un effetto domino. Audrey Hepburn, appena saputo del rifiuto di Grant, fa sapere che non vuole girare il film senza di lui. A quel punto, Donen cerca un’alternativa e propone alla Columbia la coppia Natalie Wood–Warren Beatty. Ma lo studio non ci crede fino in fondo: abbassa il budget da tre milioni a 2,2 e, di fatto, scarica il progetto, lasciando che la Stanley Donen Productions si sposti alla Universal.
E poi accade l’imprevisto. Una notte, il telefono della suite di Donen al Beverly Hills Hotel squilla. È Grant.
“Hai già scelto il cast?” chiede. 
“No,” risponde Donen.
“Allora facciamo colazione domani?”
Grant si è ricreduto. Ha letto finalmente la sceneggiatura del film con Hawks e ha deciso che non fa per lui. “Se mi vuoi ancora, faccio Sciarada,” dice.
Ma il suo sì non è privo di condizioni. A quasi 59 anni, Grant non vuole più rincorrere donne sullo schermo: ritiene poco credibile e poco dignitoso, a quell’età, interpretare il solito ruolo dell’uomo che conquista. Quando lo sceneggiatore Peter Stone lo incontra per la prima volta nella suite dell’attore al Plaza Hotel di New York (Grant gli apre la porta in asciugamano, appena uscito dalla doccia), cominciano giorni di confronto serrato.
Grant chiede modifiche precise: è Reggie – il personaggio di Audrey – che deve prendere l’iniziativa. Lo spettatore deve avere l’impressione che sia lei a guidare il corteggiamento, non lui. Vuole anche eliminare una scena in cui, per sfuggire all’imbarazzo, si fa una doccia completamente vestito. “È ridicola,” dice. Stone alla fine cede – “Al diavolo, toglila” – ma proprio allora Grant cambia idea. “Aspetta un attimo…” È in quel momento che Stone capisce una cosa importante: Cary Grant vuole sempre avere una via d’uscita. Se una scena non funziona, deve poter dire che non l’aveva voluta lui.
Il risultato? Un film cucito perfettamente sulle sue corde, in cui mescola fascino, mistero, autoironia e classe con una naturalezza che sembra innata. Sciarada non è solo una delle sue performance più riuscite: è anche un film che abbraccia tutte le sue identità cinematografiche, senza costringerlo a inseguire nulla. È lui, semplicemente, ed è questo che lo rende irresistibile.

 

Se oggi siamo abituati a vederlo nei panni del burbero simpatico o del cinico disilluso dal cuore tenero, all’epoca di Sciarada Walter Matthau non aveva ancora trovato quella sua cifra comica che avrebbe fatto scuola. Era, come diceva lui stesso, «non abbastanza bello per fare il protagonista, quindi o facevo il comico o facevo il cattivo». E in effetti, in Sciarada si ritaglia un ruolo fondamentale come uno dei quattro personaggi che orbitano intorno a Audrey Hepburn con intenzioni ambigue e minacciose.
Al suo arrivo sul set parigino, Stanley Donen gli diede il benvenuto con calore: «Spero tu abbia ricevuto la sceneggiatura». Matthau, con la sua tipica schiettezza, rispose: «L’ho ricevuta. Sai qual è il problema? Dovrei essere io a interpretare la parte di Cary Grant». Donen rise… finché non si rese conto che Matthau non stava affatto scherzando. E continuò a ripeterlo anche negli anni a venire: secondo lui, il film avrebbe funzionato meglio con qualcuno che trasmettesse fatica, imperfezione, un passato segnato. «Uno con occhi piccoli, naso bulboso, uno che abbia sofferto. Uno come me». Non Cary Grant, che trovava fin troppo elegante e levigato per un ruolo così ambiguo.
Anche il suo stesso personaggio gli sembrava costruito su un “trucco tremendo”.

[Attenzione: spoiler!] 

Doveva interpretare una figura con una doppia identità, e il salto da tipo svampito a assassino lo lasciava perplesso: «All’inizio mangio yogurt e fiocchi di latte, e poi all’improvviso divento un killer?». Donen cercò di rassicurarlo: «Il pubblico ci arriverà, fidati». E aveva ragione.
Nonostante tutto, Sciarada rimase per Matthau un’esperienza memorabile. Amava far ridere Audrey Hepburn con battute improvvisate e ricordava con affetto le conversazioni con Cary Grant, sempre a caccia di nuove barzellette da collezionare. 

[Fine dello spoiler] 

 

Tra i quattro inquietanti comprimari che ruotano intorno al mistero di Sciarada, spicca James Coburn: alto, affilato, con quel ghigno un po’ beffardo e lo sguardo tagliente che sembrano fatti apposta per il cinema. A inizio anni Sessanta non è ancora una star affermata, ma ha già fatto notare la sua presenza grazie al successo de I magnifici sette (1960), dove recita accanto a Steve McQueen e Yul Brynner. Hollywood ha capito che c’è qualcosa in lui: un’energia magnetica, un misto di coolness e minaccia silenziosa. Donen lo sceglie per il ruolo di Tex Panthollow, uno dei tre “soci” dell’uomo scomparso, tutti in cerca di un bottino misterioso. È un personaggio enigmatico, sempre con la sigaretta in bocca, che usa il suo fisico imponente e il tono calmo per intimorire piuttosto che per sedurre. E Coburn funziona alla perfezione: appare poco, ma ogni volta che entra in scena l’atmosfera cambia. La sua presenza è come una nuvola minacciosa su una giornata altrimenti brillante.
Per Coburn, Sciarada rappresenta un passaggio fondamentale: entra nel mondo del cinema internazionale con due mostri sacri come Grant e Hepburn, dimostrando di poter reggere la scena senza sfigurare. E da lì in poi, la sua carriera prende davvero il volo. Negli anni successivi interpreterà una lunga serie di ruoli da anti-eroe, avventuriero o uomo d’azione dall’ironia secca, costruendo un’immagine di mascolinità alternativa, più cinica e più sottile, che anticipa il cinema degli anni Settanta.

Se James Coburn porta in Sciarada l’eleganza tagliente del pistolero moderno, George Kennedy è invece la forza bruta. Il suo personaggio, Herman Scobie, è forse il più inquietante del trio che perseguita la protagonista: un uomo corpulento, violento, con un solo braccio funzionante, eppure capace di incutere terrore con una naturalezza che lascia il segno. Non a caso, è lui il protagonista di alcune delle scene più spaventose del film – compresa quella nella cabina telefonica, che oggi definiremmo un piccolo cult del thriller. All’epoca Kennedy non è ancora il volto noto che diventerà pochi anni dopo con Nick mano fredda, che gli varrà l’Oscar nel 1967. Ma Donen intuisce il potenziale: sa che ha bisogno di una presenza fisica minacciosa, ma anche di un attore capace di giocare con le sfumature, perché Sciarada non è un noir convenzionale. Serve qualcuno che possa essere spaventoso senza risultare caricaturale. E Kennedy, con il suo fisico massiccio e la voce roca, si rivela una scelta perfetta. La parte è piccola ma incisiva, e Kennedy la sfrutta al massimo. La camicia sudata, lo sguardo torvo, la camminata pesante: ogni dettaglio contribuisce a creare un personaggio che inquieta senza bisogno di grandi gesti. E la sua performance, pur essendo tra le meno parlate del film, resta impressa. Non a caso, dopo Sciarada, Hollywood inizia a offrirgli sempre più ruoli da “duro”, spesso come antagonista, ma sempre con quella patina quasi tragicomica che rende i suoi cattivi molto più umani – e memorabili.

Le riprese di Sciarada iniziano nell’ottobre del 1962 e si protraggono fino a febbraio del ’63. Il set si sposta tra Parigi e Megève, sulle Alpi francesi, dove vengono girate le sequenze dell’incontro iniziale tra i protagonisti e quella conclusiva, ambientata — almeno nella finzione — nell’ufficio del personaggio di Cary Grant. In realtà, per mancanza di un teatro di posa disponibile, Donen è costretto a girare la scena finale in un garage, con arredi e illuminazione trasportati da Parigi. 
Nel frattempo, il mondo osserva col fiato sospeso la crisi dei missili di Cuba. Anche sul set, l’atmosfera si fa tesa. Ogni giorno, cast e troupe seguono i notiziari radiofonici nella mensa dello studio, preoccupati. Donen, esasperato, sbotta:
«Il mondo sta per esplodere e noi stiamo girando un film frivolo. Se saltiamo per aria, è finita. Se non succede, possiamo sempre riprendere da dove eravamo rimasti.»
Ma nonostante tutto, il clima dietro le quinte resta sorprendentemente sereno. Audrey Hepburn e Mel Ferrer vivono in un castello affittato poco fuori città, con servitù in guanti bianchi. Cary Grant risiede all’hotel Raphaël, dove viene spesso raggiunto da Dyan Cannon. Lei, nel frattempo, è impegnata in tournée nazionale con il musical How to Succeed in Business Without Really Trying, che le sta dando grande visibilità a teatro. I due passano insieme alcuni giorni durante le festività natalizie, tra momenti romantici e cene eleganti.
Il 31 dicembre del 1962 tutti si ritrovano per una cena di Capodanno a casa di Audrey e Mel. È una serata memorabile: patate al forno giganti dell’Idaho, panna acida, caviale portato da Cary in una latta gigantesca, champagne a volontà. 

Due giorni dopo, Cannon fa ritorno a New York. Grant, rimasto a Parigi, approfitta di un weekend libero per volare a Bristol e visitare sua madre Elsie, che ha appena compiuto 90 anni. Riesce finalmente a convincerla a trasferirsi in una casa di cura, assicurandole che la loro abitazione resterà sempre a suo nome, nel caso volesse tornarci. Poco prima che lui parta di nuovo, Elsie gli fa una raccomandazione:
«Ti devi tingere i capelli. Sono troppo bianchi. Così non troverai mai una fidanzata adatta.» (Spoiler: 2 anni dopo sposerà proprio Dyan Cannon da cui avrà la sua unica figlia Jennifer).
La produzione, però, non fila liscia su tutti i fronti. Quando il film è quasi completato, i dirigenti della Universal manifestano alcune perplessità sul tono generale: trovano che ci siano troppi omicidi, un’ironia forse troppo esplicita nei confronti della morte (il marito della protagonista viene buttato da un treno, e poco dopo qualcuno infilza un ago nel suo cadavere per assicurarsi che sia davvero morto). Temono che il pubblico possa reagire male e propongono due versioni da testare in anteprima: una con tutte le scene violente e una “ammorbidita”. Stanley Donen e Peter Stone escogitano allora un piccolo trucco: durante la proiezione test, compilano di nascosto più schede del pubblico, per influenzare il risultato. Alla domanda “Qual è la parte che ti è piaciuta di più?”, scrivono: “Quando è violento.” E alla domanda “Come miglioreresti il film?” rispondono: “Più violenza.”
Lo rifanno anche alla seconda anteprima. Lunedì mattina, la Universal prende atto del risultato e comunica agli autori: «Avete ragione. Al pubblico piace la violenza.»
Il film resta quindi intatto, senza tagli, e proprio il suo equilibrio tra mistero, leggerezza e ironia diventerà uno degli ingredienti più apprezzati da chi lo vedrà. Sciarada, del resto, non smette mai di flirtare con i generi, e questo, più che un limite, sarà la sua fortuna.

Foto scattate sul set

Location

Sciarada si apre nel cuore delle Alpi francesi, precisamente a Megève, località sciistica nella regione dell’Alta Savoia. È qui che Regina Lampert (Audrey Hepburn) trascorre una breve vacanza prima di tornare a Parigi. Alcune delle prime sequenze, compresa quella con la piscina all’aperto, sono state girate all’Hôtel du Mont d'Arbois.

Una volta rientrata in città, Reggie scopre che il suo appartamento è stato completamente svuotato. L’edificio utilizzato per la scena è il 5 avenue Velasquez, nel quartiere 8 di Parigi, accanto al Parc Monceau. Oggi ospita il Musée Cernuschi, museo di arti asiatiche. 

L’indagine sulla misteriosa morte del marito la conduce attraverso diversi luoghi simbolici della capitale. Il primo incontro con Peter Joshua (Cary Grant) dopo il loro ritorno a Parigi avviene al Théâtre de Guignol, situato nel Jardin des Champs-Élysées, al Rond Point. Si tratta di un teatrino di marionette ancora oggi attivo.

 

Quando Reggie si incontra con l’agente Bartholomew (Walter Matthau), lo fa all’ex mercato ortofrutticolo di Les Halles, ormai trasferito, ma all’epoca ancora funzionante. 

Più avanti nel film, Reggie inizia a sospettare delle vere intenzioni di Peter Joshua e lo segue fino all’American Express Office in rue Scribe, vicino all’Opéra Garnier. È qui che Peter si scontra fisicamente con Scobie (George Kennedy) sul tetto dell’edificio.

Reggie e Peter si ritrovano lungo la Senna, all’altezza del Pont au Double, proprio di fronte a Notre-Dame, e riflettono su chi possa essere il vero assassino. È anche il punto in cui, ironicamente Reggie dice "Ricorda che Gene Kelly ballava lungo il fiume in Un americano a Parigi?".

L'Hôtel Saint-Jacques, dove Grant prende la famosa doccia vestito, in realtà non esiste e quello usato per le riprese è al 24 rue Censier, nel 5° arrondissement. 

Il mercato dei francobolli, Carré Marigny, è lo sfondo di una scena chiave con un bambino che rivela il valore dei francobolli appartenuti al defunto marito di Reggie. L’area si trova nei pressi dell’Avenue Gabriel, non lontano dagli Champs-Élysées.

 Il climax si svolge all’interno della Comédie Française, in rue de Richelieu, teatro di Stato fondato nel XVII secolo, dove si svolge lo scontro finale e si rivelano le identità dei personaggi.

Alcune delle sequenze notturne più tese si svolgono nella colonnata del Jardin du Palais Royal, luogo di misteriosi inseguimenti e confronti.

Costumi

È impossibile parlare di Sciarada senza soffermarsi su Hubert de Givenchy, che qui firma uno dei guardaroba più iconici del cinema anni ’60. Dopo aver definito lo stile di Audrey Hepburn negli anni ’50 con l’eleganza sognante di Sabrina e Cenerentola a Parigi, Givenchy trova in Sciarada un punto di sintesi più maturo, più urbano. La palette cromatica, tutta giocata su toni autunnali – senape, rosso scuro, arancio bruciato, beige, panna – si fonde perfettamente con la luce calda e dorata della Parigi filmata da Stanley Donen. Il risultato è un’immagine sofisticata ma accessibile, parigina ma mai caricaturale, in perfetto equilibrio tra realismo e glamour.

Nel film, i costumi non sono mai solo estetica: sono costruzione di personaggio. Regina Lampert è una vedova inconsapevole trascinata in una trama da spy-story, ma la sua immagine rimane sempre impeccabile, anche quando è in fuga o sotto interrogatorio. Il suo guardaroba è una sfilata di capi che definiscono un ideale di femminilità anni ’60: cappotti sartoriali in lana spessa, spesso in tinte vivaci come l’arancio o il senape, abiti a tubino dai tagli minimali, maniche a tre quarti, colletti ad imbuto, bottoni oversize, pillbox hats, guanti bianchi o in pelle nera, occhiali da sole oversize e kitten heels – le tipiche décolleté a basso tacco a spillo – sempre con il tocco inconfondibile di Givenchy: rigore nella linea, grazia nell’effetto.

Il film si apre sulle Alpi, dove Regina annuncia il suo imminente divorzio e incontra per la prima volta Peter Joshua (Cary Grant). Hepburn indossa un ensemble da sci perfettamente coordinato: maglione nero a maglia spessa, cappello abbinato, pantaloni e guanti marroni, occhiali da sole oversize e uno spesso strato di pelliccia marrone che la avvolge. È una mise sportiva ma elegantissima, che la distingue nettamente dal resto dei vacanzieri.

Tornata a Parigi, Reggie scopre il suo appartamento svuotato. È vestita con un cappotto di lana panna dai grandi bottoni e un cappello pillbox coordinato. Il look è completato da un foulard bianco, kitten heels chiare e orecchini di perle: l’eleganza della compostezza borghese, mentre il mondo le crolla intorno.

Per il funerale del marito – cui partecipano solo l’ispettore e tre sinistri sconosciuti – Hepburn indossa un cappotto nero di bouclé, un cappello pillbox con veletta, décolleté nere e orecchini di perle. Il trucco marcato sugli occhi rafforza il contrasto tra il lutto e l’ironia del sospetto che aleggia nella scena.

Alla sua prima visita all’ambasciata americana, Regina sfoggia un cappotto di lana rosso aranciato – quasi rosso – con martingala, maniche raglan, grandi tasche e bottoni oversize. Lo abbina a guanti neri, kitten heels nere, orecchini di perle e un cone hat leopardato: un cappello a forma conica, audace e perfettamente in tono con l’allerta narrativa.

A cena, mentre i sospetti la circondano uno dopo l’altro, Reggie indossa un abito da cocktail nero con giacca rifinita da una discreta bordatura di paillettes. Lo accompagna con guanti bianchi lunghi, kitten heels nere e i soliti orecchini di perle. Il vestito è stato battuto all'asta da Christie per 68.000 sterline.

Nel suo goffo tentativo di seguire Peter Joshua, Reggie si veste da “detective”: trench coat chiaro, foulard in testa annodato sotto il mento, occhiali scuri e grandi, stivali neri e guanti in pelle. 

Poi la vediamo, in una scena al massimo della sua vulnerabilità, nella camera d'hotel con tubino panna con cintura nera in vita e scollo a barchetta.  

In una passeggiata lungo la Senna, la vediamo con un altro cappotto rosso con un’aria più romantica grazie agli accessori: guanti bianchi e cappello pillbox bianco. La palette si schiarisce, sottolineando un momento più intimo con Grant. 

Durante la corsa finale attraverso la città e il mercato dei francobolli, Regina indossa un cappotto senape aderente, con linea essenziale, guanti e kitten heels nere, orecchini di perle. È il look più dinamico e visivamente incisivo del film: il colore caldo fa risaltare Audrey tra la folla parigina.

Nell’ultima scena, all’ambasciata, Reggie torna vestita da signora composta: tailleur blu navy con bottoni decorativi, cappello bianco, guanti bianchi lunghi, kitten heels nere. I francobolli, oggetto di tutta la caccia, sono nascosti nella borsa nera. È il ritorno alla normalità, ma con l’eleganza intatta.

Infine non posso non menzionare il completo da notte: Reggie indossa una vestaglia blu scuro con dettagli bianchi a contrasto e pantofole azzurre a punta. I capelli, in una semplice coda, mostrano un lato più privato e sobrio del personaggio, senza mai rinunciare al controllo stilistico.

Infine una chicca. Una delle prime sere a Parigi, appena iniziate le riprese, Audrey Hepburn e Cary Grant cenarono insieme a Stanley Donen in un ristorante italiano. Nervosa all’idea di lavorare con Grant, suo idolo assoluto, Audrey cercò di rilassarsi ma, nel chinarsi a tavola per seguire un esercizio di respirazione suggerito da Grant stesso, urtò una bottiglia di vino rosso che si rovesciò sul suo elegante abito color crema. Grant, con la sua leggendaria nonchalance, tolse la giacca e rimase in camicia per tutta la serata, facendo finta di nulla. L’episodio, a metà tra l’imbarazzante e l’intimo, piacque talmente tanto allo sceneggiatore Peter Stone da ispirargli una scena del film: quella in cui Reggie fa cadere un gelato sulla giacca di Peter Joshua.

Colonna sonora

A firmare le musiche di Sciarada è Henry Mancini, che all’inizio degli anni Sessanta è già sinonimo di eleganza musicale al cinema. Dopo il successo planetario di Moon River in Colazione da Tiffany, Mancini torna a collaborare con Audrey Hepburn, offrendo al film una delle sue partiture più sofisticate e riconoscibili.

In Sciarada, la musica definisce fin dall’inizio il tono del film, con un’eleganza piena di sospetto. Il tema dei titoli di apertura si apre con un intreccio ritmico costruito da percussioni leggere – strumenti a scuotimento e legni secchi – che creano un effetto esotico, quasi tribale, lontano dalla regolarità del valzer. Il tempo è in 3/4, ma la scrittura orchestrale lo maschera con maestria, generando un’andatura fluttuante e ambigua. Emergono suoni pizzicati dagli archi, che introducono il tema con discrezione, come passi controllati. Seguono piatti orchestrali e fiati con sordina, che accentano la tensione con gusto teatrale e ironico. L’atmosfera richiama quella che Mancini svilupperà pochi mesi dopo con La Pantera Rosa (uscita nel dicembre 1963), dove il jazz orchestrale felpato e i timbri sofisticati diventeranno la sua firma inconfondibile.
Il tema di Sciarada si sviluppa poi con l’ingresso progressivo degli ottoni e l’apertura degli archi, che portano la melodia a un climax dolce ma sospeso. È musica che riflette perfettamente lo spirito del film: elegante ma ambigua, romantica ma piena di allerta, come se ogni nota nascondesse qualcosa da decifrare.

Questa traccia ottenne un enorme successo anche al di fuori del film, venendo inciso in numerose versioni strumentali e vocali. Una delle più celebri è quella di Andy Williams, che trasformò la melodia in una canzone romantica dal titolo Charade, con testo di Johnny Mercer. Il brano entrò nel repertorio dei grandi standard e contribuì a rendere ancora più iconica l’atmosfera elegante e ambigua di Sciarada.

Titoli di testa

I titoli di testa di Sciarada portano la firma di Maurice Binder, già noto all’epoca per aver ideato l’iconica apertura a mirino del primo film di James Bond, Agente 007 – Licenza di uccidere (Dr. No, 1962). Ma la collaborazione con Stanley Donen risale a qualche anno prima: fu proprio il regista a notare il talento grafico di Binder nelle inserzioni pubblicitarie e a coinvolgerlo per la prima volta nel cinema, affidandogli i titoli di Indiscreto nel 1958.

Per Sciarada, Binder realizza una sequenza che è oggi considerata un piccolo gioiello della grafica animata modernista. Linee geometriche, colori piatti e un ritmo visivo calibrato scandiscono i nomi del cast e della troupe, mentre la musica di Henry Mancini accompagna le immagini con eleganza e ambiguità. Il risultato è un perfetto equilibrio tra forma e atmosfera, in cui la leggerezza dell’animazione nasconde un senso sottile di mistero, esattamente come farà il film stesso.

L’estetica della sequenza riflette appieno lo spirito del cinema dei primi anni Sessanta, fondendo design contemporaneo e narrazione visiva in modo diretto ma sofisticato.
 

Sciarada debutta giovedì 5 dicembre 1963 al Radio City Music Hall di New York, in una data non casuale: è il film natalizio del teatro, una delle uscite più ambite dell’anno per qualsiasi produzione americana. Il tempismo, però, è delicato: sono passate meno di due settimane dall’assassinio del presidente Kennedy, e il paese è ancora scosso. Tanto che alcune parole come “assassinare”, presenti nel film, vengono considerate troppo forti per il momento, costringendo Audrey Hepburn e Cary Grant a ridoppiare alcune battute, sostituendole con termini più neutri come “eliminare”.

Nonostante questo clima, Sciarada conquista il pubblico fin da subito. Già nei primi giorni si formano lunghe code davanti al cinema, con spettatori in fila per ore pur di accaparrarsi un biglietto. La permanenza al Radio City viene prolungata e il film si rivela un successo commerciale, incassando oltre 13 milioni di dollari negli Stati Uniti, a fronte di un budget di circa 3 milioni. La chimica tra Cary Grant e Audrey Hepburn, il tono ironico e brillante, la bellezza di Parigi e la partitura di Henry Mancini contribuiscono a creare un’esperienza cinematografica che il pubblico percepisce come fresca, elegante e sorprendente.
Pur non avendo raccolto un bottino ricco di premi, Sciarada ha comunque ottenuto riconoscimenti importanti, a partire dalla candidatura ai Golden Globe del 1964 per Audrey Hepburn come miglior attrice in un film commedia o musicale. Non vinse – il premio andò a Shirley MacLaine per Irma la dolce – ma la nomination conferma quanto il pubblico e l’industria avessero apprezzato il suo ruolo, così distante dal canone “hepburniano” classico.
Curiosamente, Cary Grant non fu nominato, un’assenza che oggi appare sorprendente. La sua interpretazione, fatta di autoironia, eleganza e tempi comici perfetti, è diventata una delle più amate della sua carriera, ma all’epoca fu probabilmente giudicata troppo leggera per entrare nella rosa dei candidati.
La sceneggiatura di Peter Stone fu invece premiata con un Edgar Award nel 1964 come miglior sceneggiatura – un riconoscimento assegnato dai Mystery Writers of America e particolarmente significativo per un film che gioca con i codici del giallo.
Sciarada è uno di quei film che, ogni volta che lo rivedi, ti sorprende. Con la sua eleganza un po’ beffarda, i dialoghi affilati e la colonna sonora ipnotica, riesce ancora a giocare con chi guarda, come se ci stesse tendendo una trappola... ma con il sorriso.
È un perfetto equilibrio tra glamour e suspense, tra mistero e romanticismo. E anche se conosci già tutti i colpi di scena, continui a lasciarti incantare. Da Audrey, da Cary, da Parigi. E da quel valzer sospeso che ti resta in testa per ore.
Se non l’avete mai visto, lasciatevi tentare. E se lo conoscete già, tornateci: Sciarada è il tipo di film che, come certi ricordi, si gusta meglio ogni volta.

Ed ecco il film. Potete vederlo comodamente qui.

QUOTES:
Brian: Noi ci conosciamo?
Reggie: Che cos'è che glielo fa credere?
Brian: Non so, me lo stavo chiedendo.
Reggie: Vede, io conosco già tante di quelle persone che finché non ne muore qualcuna non posso far conoscenza con nessun'altra.
Brian: Hm! Be', se qualcuno dovesse entrare in agonia mi avverta.

Reggie: Lei mi nasconde il panorama.
Brian: Ehm, scusi. Ehm, quale parte del panorama preferisce?
Reggie: Quella che mi nasconde lei.

Brian: "Esiste un signor Lampert?"
Regina: "Sì!"
Brian: "Congratulazioni!"
Regina: "Non c'è di che, sto per divorziare!"
Brian: "La prego, se è per me non lo faccia!" 

Reggie: Non è Shakespeare che ha detto "Quando due sconosciuti si incontrano in terra lontana presto si incontreranno di nuovo"?
Brian: Shakespeare non se l'è mai sognato.
Reggie: E lei come lo sa?
Brian: È terribile! Lo ha inventato lei.
Reggie: Be', forse ha ragione.

Reggie: Lo sa qual è il suo difetto?
Brian: No. Quale?
Reggie: Nessuno.

Reggie: Alexander, come si fa a capire se uno sta mentendo o no?
Brian: He, he! Non si può.
Reggie: Ci dev'essere un sistema!
Brian: No, vedi, c'è un indovinello su due tribù d'indiani: i piedi bianchi che dicono sempre la verità e i piedi neri che non la dicono mai. Tu incontri un indiano e gli dici: "Ciao indiano! Cosa sei, un sincero piedi bianchi o un bugiardo piedi neri?" E lui ti dice: "Sono della tribù dei piedi bianchi." Ma sarà vero?
Reggie: Be', si potrà vedere come sono i piedi.
Brian: No, perché porta i mocassini.
Reggie: Allora deve essere della tribù dei piedi bianchi.
Brian: E perché non un piedi neri bugiardo? 

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Immaginate di essere alla fine degli anni '60, un periodo di grande fermento e cambiamenti radicali. È in questo contesto turbolento che, dal genio di Blake Edwards, nasce un film destinato a passare alla storia: "Hollywood Party" del 1968. Diretto da Edwards e interpretato dal brillante Peter Sellers, questo film non è solo un esempio perfetto di commedia slapstick sofisticata, ma anche una satira pungente del mondo di Hollywood.
Quando "Hollywood Party" uscì, non riscosse immediatamente il successo sperato. Forse era troppo avanti per i suoi tempi, troppo audace e innovativo. E pensare che oggi, probabilmente, per questioni  political correct, un film del genere non potrebbe neanche essere realizzato. Ma non lasciatevi ingannare dalla sua accoglienza iniziale: questo film ha saputo conquistare un posto speciale nel cuore degli appassionati di cinema.
La trama si svolge interamente durante una caotica e coloratissima festa in una lussuosa villa di Hollywood, dove accade di tutto, letteralmente. Alla fine di questo articolo, vi dirò come recuperarlo, nel caso non l'abbiate ancora visto o vogliate rivederlo. Ma ora, tuffiamoci nella storia e nei segreti di questa pellicola straordinaria.

Il titolo originale è The party e si tratta di un film del 1968, diretto da Blake Edwards con Peter Sellers e Claudine Longet.

Trailer originale:

La trama in breve: Hrundi V. Bakshi, un attore indiano che fa la comparsa a Hollywood in un film in costume, a causa della sua goffagine manda in rovina il set. Il regista ovviamente lo caccia e telefona al produttore affinchè si assicuri che Bakshi non lavori mai più agli studios. Questi per errore annota il nome sul primo foglio che trova sulla sua scrivania ed esce dal suo ufficio lasciando il compito alla sua segretaria di mandare gli inviti per un party organizzato nella sua villa e di prendere la lista dei partecipanti dalla sua scrivania (ovviamente il foglio su cui aveva scritto il nome era proprio la lista degli invitati, quindi viene erroneamente invitato alla festa). Durante il party ne succedono di tutti i colori.

Alcune scene del film

Il regista Blake Edwards, ispirato a sua volta dal grande regista Leo McCarey e dal suo capolavoro "Duck Soup" del 1933 con i fratelli Marx, decide di rendere omaggio al cinema comico muto reso celebre da Chaplin e Buster Keaton. In diverse interviste dirà che quei film gli hanno reso sopportabile la sua infanzia miserabile. Con questa visione in mente, inizia a lavorare su un nuovo progetto che propone al produttore Walter Mirisch. L'idea era quella di un personaggio improbabile che venisse invitato per sbaglio a un party hollywoodiano. Sa che per realizzare il suo sogno ha bisogno di un attore straordinario, qualcuno capace di incarnare quella stessa magia comica. E gli viene in mente l’attore che ha il talento necessario: il camaleontico Peter Sellers con il quale ha già lavorato nei due film di successo de La pantera rosa. C’è solo un problema: regista e attore si sono scontrati così tanto da giurare di non voler lavorare insieme mai più. 

Peter Sellers del resto già da tempo non gode di molta stima a Hollywood, complicata ulteriormente dalle sue esperienze personali e professionali che lo hanno allontanato dalla Mecca del Cinema.
Nel febbraio del 1964, Peter Sellers aveva incontrato l'attrice svedese Britt Ekland e dieci giorni dopo l’aveva sposata. Nel frattempo, aveva iniziato le riprese di "Baciami, stupido" diretto da Billy Wilder. Nel film, Sellers doveva interpretare un marito geloso, ma nella vita reale lo era sul serio, dovendo affrontare le sue insicurezze riguardo a un possibile flirt tra la Ekland e la co-star John Leyton.
Determinato a tenere la moglie vicino a sé, Sellers la convinse a volare a Hollywood durante una pausa per le vacanze di Pasqua, ospitandola nella lussuosa villa di Spyros Skouras, presidente della 20th Century Fox. Qui, dopo averla ricoperta di regali, riuscì a persuaderla a lasciare il film "Guns at Batasi", decisione che comporta il pagamento di una multa di 1,5 milioni di dollari per aver costretto la produzione a rigirare le scene con Mia Farrow. 

 

Per Sellers non si mette bene neanche con le riprese di "Baciami, stupido". Il set di Billy Wilder è stato affollato di curiosi, una situazione che lo ha messo a disagio e lo ha distratto. In quel periodo, Sellers ha spinto il suo corpo al limite: ha fumato tre pacchetti di sigarette al giorno, si è allenato segretamente per prepararsi al ruolo di James Bond in "Casino Royale" e ha usato nitrato di amile per migliorare le prestazioni sessuali. Questa combinazione letale è culmina in un grave infarto, pensate che il suo cuore si fermerà 8 volte in una notte. Dopo settimane in terapia intensiva e un lungo periodo di recupero, Sellers lascia il film per tornare in Inghilterra a riposarsi. Quando può ricominciare a lavorare decide di rimanere in Europa, diretto da registi inglesi come Clive Donner e Bryan Forbes, e dall’italiano Vittorio De Sica, e non manca di rilasciare alcune dichiarazioni al vetriolo contro Hollywood e il regista Billy Wilder, il quale non manca di rispondere con la stessa veemenza. Inoltre è offeso che abbia avuto più successo a livello di botteghino e critica con i due film de La pantera rosa piuttosto che  "Il dottor Stranamore - Ovvero: come ho imparato a non preoccuparmi e ad amare la bomba" di Kubrik.
Quando riceve la proposta di "Hollywood Party", Sellers accetta. Lavorare con Blake Edwards su questo progetto è tanto innovativo quanto rischioso, ma l’attore è pronto a riportare sullo schermo la magia della commedia slapstick.
 
Nato in Inghilterra nel 1925, figlio di attori di varietà, Peter Sellers ha vissuto immerso nel mondo dello spettacolo. Fin da giovane, ha iniziato a lavorare in radio, dove si è fatto notare per il suo straordinario talento nelle imitazioni e nel trasformismo, diventando una figura di spicco del programma "The Goon Show". Proprio qui, Sellers ha affinato le sue abilità comiche, conquistando un vasto pubblico grazie alla sua versatilità e al suo senso dell'umorismo.
Il suo esordio nel cinema è avvenuto con piccoli ruoli, ma è stato con "La signora omicidi" (1955) che ha ottenuto il suo primo ruolo importante, dimostrando il suo talento per la commedia. Quando a Hollywood hanno iniziato a lavorare sul primo film della serie "La Pantera Rosa", il regista Blake Edwards si è trovato costretto a sostituire Peter Ustinov, l'originale interprete dell'ispettore Clouseau, che ha abbandonato la parte. Edwards ha scelto di puntare su Peter Sellers, un attore ancora poco conosciuto in America. Questa scelta si è rivelata vincente, trasformando Sellers in una star internazionale grazie alla sua ineguagliabile interpretazione di Clouseau, che ha conquistato il pubblico ed è diventata iconica.

"Hollywood Party" è stato inizialmente concepito come un film muto in bianco e nero, corredato da sottotitoli. Tuttavia, già il secondo giorno di riprese, Sellers ha sentito di non potersi esprimere al meglio senza dialoghi e ha richiesto che il suo personaggio parlasse. L'idea dell'accento indiano è stata sua: un accento che amava e che aveva già utilizzato molte volte alla radio, oltre che in due ruoli cinematografici. In "La milionaria" (1960), al fianco di Sophia Loren, ha interpretato il dottor Ahmed el Kabir, un medico indiano. Ha ripreso l'accento in "The Road to Hong Kong" (1962), l'ultimo dei film della serie "road to" di Bing Crosby e Bob Hope.

Attorno al pilastro Peter Sellers, vengono scelti comprimari provenienti in gran parte dal mondo della televisione, della musica e del teatro, oltre a caratteristi e amici del regista. Come Marge Champion, una coreografa e ballerina, amica del regista Blake Edwards. Prima di recitare in "Hollywood Party", Champion ha lavorato come modella per l'animazione di personaggi Disney, tra cui Biancaneve e la Fata Turchina in "Pinocchio". La sua carriera nel teatro e nel cinema musicale, spesso al fianco del suo ex marito, il coreografo Gower Champion, l'ha resa una figura rispettata nel mondo dello spettacolo.

 

Per attirare un pubblico giovanile, viene scelta la bella cantante Claudine Longet nel ruolo di Michèle Monet, una graziosa cantante francese che accompagna il regista che ha ordinato il licenziamento di Bakshi. Longet deve la sua notorietà al matrimonio con il cantante statunitense Andy Williams, incontrato quando era ballerina alle Folies Bergère a Las Vegas. Prima di "Hollywood Party", era apparsa in "Marinai, topless e guai" accanto a Ernest Borgnine. La sua vita prende una tragica svolta nel 1976 quando il suo nuovo compagno, l'ex sciatore alpino statunitense Spider Sabich, viene ucciso da un colpo di pistola sparato dalla stessa Longet, un incidente che la magistratura giudica colposo. Dopo aver scontato una breve pena detentiva, Longet si ritira dalle scene cinematografiche e televisive.

 

Steve Franken interpreta Levinson, il cameriere ubriaco che quasi ruba la scena a Peter Sellers. Franken, che aveva già recitato in "I ragazzi di Camp Siddons" e in "Bentornato Picchiatello" con Jerry Lewis, ha partecipato a numerose serie televisive e la sua ultima apparizione è nel film "Angeli e demoni" di Ron Howard dove interpreta un cardinale. Franken ha raccontato che nel finale di Hollywood party quando si tuffa in una piscina piena di schiuma, nonostante gli avessero avvertito di non inalare la schiuma, non riuscì ad evitarlo e iniziò a sentirsi soffocare. Con grande sforzo, nuotò verso Corinne Cole, che interpretava l'ubriacona con cui doveva flirtare, e le chiese di gettargli in faccia la bottiglia di vodka (in realtà acqua) per liberarsi dalla schiuma e così finalmente riuscì a respirare.

 

Denny Miller, che interpreta Wyoming Bill Kelso, è un attore americano famoso per i suoi ruoli in film western e in televisione. Prima di "Hollywood Party", Miller era conosciuto per aver interpretato Tarzan nel film "Tarzan, l'uomo scimmia" del 1959, dove è stato il primo Tarzan biondo, in contrasto con la tradizione dei Tarzan bruni come Johnny Weissmuller. La sua robusta presenza fisica e il suo background nei western lo rendono una scelta ideale per il ruolo di Wyoming Bill Kelso. Miller è apparso in oltre 200 serie televisive, tra cui "L'isola di Gilligan", "Strega per amore", "La famiglia Brady", "Quincy", "Wonder Woman", "Charlie's Angels", "MAS*H" e "Magnum, P.I.".

 

La domestica che danza verso la fine del film è la ballerina afroamericana Frances Taylor, la prima ballerina afroamericana a esibirsi con il Balletto dell'Opera di Parigi. Taylor ha sposato il musicista jazz Miles Davis nel 1958, arricchendo ulteriormente la sua già storica carriera.

 

La sceneggiatura di "R.S.V.P." (questo il titolo iniziale che fortunatamente verrà cambiato in "Hollywood Party") è incredibilmente breve, con solo 63 pagine, rispetto alle normali 150 di una sceneggiatura standard di Hollywood. Questo copione, co-scritto da Frank e Tom Waldman, lascia ampio spazio all'improvvisazione e contiene lunghi segmenti senza dialoghi, solo effetti sonori e musica di sottofondo. La natura breve e improvvisata della sceneggiatura è resa possibile grazie alla reazione in diretta degli attori presenti sul set. Se una scena non suscitava risate spontanee tra gli attori e le maestranze, veniva immediatamente rigirata. Questo metodo dinamico garantisce che ogni momento comico sia autentico e spontaneo.
Per facilitare questo processo, Blake Edwards introduce un'innovazione tecnica rivoluzionaria. Utilizza un sistema di riproduzione istantanea che permette di rivedere le scene immediatamente dopo averle girate, evitando di dover attendere i giornalieri. Questa tecnologia, un precursore dei moderni videoregistratori, si basa su una videocamera fissata accanto alla cinepresa principale e puntata su un sistema di specchi per ottenere un'inquadratura identica a quella della cinepresa. Questa soluzione, inventata dalla Video West e ceduta alla Panavision, diventa rapidamente uno standard nel settore cinematografico.

Le riprese di "Hollywood Party" sono iniziate il 15 maggio 1967 negli studi della Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). La produzione inizialmente decide di utilizzare una villa autentica per le riprese esterne, visibile solo alla fine del film. La casa, che appare brevemente quando Bakshi/Sellers arriva con la sua auto, si trova al 9271 di Robin Drive, nel quartiere di Hollywood Hills a Los Angeles. Questa abitazione ha una facciata geometrica essenziale, con un design rigoroso che richiama le opere di David Chipperfield.

Gli interni, invece, sono stati creati appositamente per il film nei Samuel Goldwyn Studios di West Hollywood. Grazie al lavoro del production designer Fernando Carrere e dei set decorator Reg Allen e Jack Stevens, è stato progettato uno spazio modernista con ampie vetrate che dissolvono i confini tra interno ed esterno. Questa caratteristica è ben visibile nelle riprese dalla piscina, mentre grandi blocchi di pietra interrompono le pareti beige, aggiungendo un tocco naturale che richiama le colline circostanti.

A rompere questa rigidità  all’interno della casa ci sono diversi elementi di design distintivi. La scala elicoidale collega i vari livelli della casa, mentre un enorme divano circolare con un braciere/camino al centro aggiunge un tocco di eleganza e comfort. Questo camino è stato riutilizzato dopo essere comparso nel film della Pantera Rosa.

Le pareti della villa sono adornate con quadri e sculture astratte, riflettendo varie tendenze artistiche dell'epoca. Gli arredi, invece, sono un omaggio al design nordico allora in voga. Tra questi spiccano le poltrone da ufficio Swan di Arne Jacobsen e all'esterno, le celebri sedute sospese in vimini, chiaro riferimento alle Hanging Egg di Nanna e Jorgen Ditzel.

Dalla necessità di far fare qualcosa a Sellers mentre vaga curiosando per la casa, è nata l’idea del pannello con i controlli elettronici di tutta la casa corredato da oscilloscopio per mostrare graficamente il suono durante la dettatura del comando (un precursore di Alexa/Siri insomma). Aumenta la fiamma del camino, lo zampillo d’acqua dalla fontana, il bancone del bar a scomparsa, con risultati davvero esilaranti.

Una chicca interessante che voglio condividere riguarda l'insolito telefono arancione presente nel film. Si tratta di un Western Electric serie 600 con selettore a schede. Questo modello aveva dei supporti per piccole schede perforate nella parte superiore, che dovevano essere inserite in una fessura sopra il quadrante. Il telefono leggeva i fori nella scheda e componeva automaticamente il numero. Questi telefoni, introdotti all'inizio degli anni '60, rimasero in uso fino agli anni '70.

L'automobile guidata dal personaggio di Peter Sellers, Hrundi V. Bakshi, è una "Morgan Tre Ruote", un autociclo degli anni venti che aggiunge un tocco di eccentricità al personaggio.

Al termine delle riprese negli studi MGM, si tenne una festa durante la quale i pezzi dei set furono messi in vendita ai presenti. Peter Sellers acquistò una griglia per barbecue, mentre il produttore Walter Mirisch si portò a casa alcuni mobili da patio.