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Nel 2003 ero al liceo, e un pomeriggio — come si faceva allora — io e le mie amiche siamo andate da Blockbuster a scegliere un film “da ragazze”. La nostra scelta è caduta su Una ragazza e il suo sogno: un titolo perfetto per adolescenti sognanti, con una protagonista americana che scopre all’improvviso di essere figlia di un lord inglese e finisce tra balli, etichette e un musicista ribelle di cui, naturalmente, mi innamorai anch’io (di lui, Oliver James).
Sorvoliamo sulla cotta adolescenziale, ma facciamo un salto avanti di qualche anno. Una sera, girovagando su YouTube alla ricerca di vecchi film dimenticati, mi imbatto in Come sposare una figlia, con Sandra Dee, Rex Harrison e Angela Lansbury. Dopo pochi minuti, ho una sensazione di déjà vu: una ragazza americana catapultata nell’alta società britannica, madri ambiziose, un giovane musicista — tutto suona familiare.
Una rapida ricerca conferma l’intuizione: Una ragazza e il suo sogno è in realtà un remake moderno, liberamente tratto da questa commedia del 1958 diretta da Vincente Minnelli. Ed è lì che si accende la scintilla.
Da semplice curiosità, è diventata una piccola indagine cinematografica: scoprire le origini di quella storia, conoscere i suoi protagonisti, i costumi, le scelte produttive — e ritrovare, dietro la grazia leggera di un film “da salotto”, un pezzo di storia del cinema che racconta molto più di quanto sembri.
Come sposare una figlia è uno di quei film che si guardano con un sorriso e si riscoprono con meraviglia: un incontro perfetto tra Hollywood e Parigi, tra ironia britannica e romanticismo americano. E, come spesso accade con i piccoli gioielli dimenticati, più lo conosci, più ti conquista. 

Ah, e il film lo potrete vedere direttamente in fondo a questo articolo! 

Il titolo originale è The Reluctant Debutant ed è un film del 1958 diretto da Vincente Minnelli con protagonisti Rex Harrison, Sandra Dee e Kay Kendall. 

La trama in breve: Jimmy Broadbent decide di presentare la figlia diciassettenne, Jane, all’alta società londinese, organizzando per lei il debutto in società. Tuttavia, Jane non sembra affatto entusiasta dell'idea, preferendo uno stile di vita meno formale. I tentativi di Jimmy di farla accettare tra l’élite si scontrano con le aspirazioni di Jane, portando a un confronto generazionale divertente e affettuoso.

Alcune scene del film

Foto promozionali (ma quanto sono belle!!!)

Siamo in Inghilterra alla fine anni Cinquanta.
La società si regge ancora su rituali eleganti ma rigidi: tra questi, la stagione delle debuttanti, apice della mondanità britannica, dove ragazze istruite e vestite secondo regole precise vengono presentate a corte per entrare “ufficialmente” nella buona società.
È una tradizione secolare di balli, ricevimenti e incontri studiati per garantire alle giovani un matrimonio adeguato e un posto “giusto” nel mondo.
Nel 1952, Elisabetta sale al trono come nuova regina d’Inghilterra. Sei anni dopo decide di abolire la cerimonia ufficiale di presentazione a corte. Un gesto tutt’altro che formale: la sovrana ritiene quell’usanza ormai fuori tempo, troppo legata a un’aristocrazia che non rappresenta più la società moderna che vuole incarnare. È una scelta simbolica, che segna la fine di un’epoca.
La "Stagione" continuerà ancora per poco in forma privata, ma svuotata del suo cuore cerimoniale perde prestigio e significato.
Intanto, il cinema riflette questi cambiamenti sociali. I giovani cominciano a conquistare il centro della scena, mentre il padre autorevole e la madre impeccabile perdono potere narrativo.
Sotto la superficie dorata della buona società, emergono nuovi desideri, nuovi ruoli, nuove voci femminili pronte a rompere il silenzio delle convenzioni.
E proprio alla fine del decennio, arriva una commedia che con garbo e ironia mette sottosopra le buone maniere britanniche — e non solo quelle.
Il film nasce da una commedia teatrale inglese scritta nel 1955 da William Douglas-Home, drammaturgo raffinato, aristocratico di nascita e fratello minore di un futuro Primo Ministro britannico. Cresciuto all’interno di quel mondo che conosceva a memoria, Douglas-Home attinge direttamente alla sua esperienza nell’alta società per costruire una satira leggera ma pungente sui rituali mondani della nobiltà inglese.

La pièce si intitola The Reluctant Debutante, e debutta con successo a Londra con la giovanissima Anna Massey, appena diciassettenne, nel ruolo della riluttante Jane Broadbent. Figlia dell’attrice Adrianne Allen e dell’attore canadese Raymond Massey (Jonathan Brewster in Arsenico e vecchi merletti), Anna proviene da una famiglia profondamente legata al mondo teatrale e cinematografico. Al suo fianco, due nomi di grande spessore: Celia Johnson e Wilfrid Hyde-White, nei panni dei genitori. La risposta del pubblico è immediata: la commedia diverte, incanta, e mostra con umorismo inglese tutte le contraddizioni di una società tanto elegante quanto ossessionata dalle apparenze.

Il successo londinese non passa inosservato. La M-G-M comincia a interessarsi al testo quando è ancora in fase di prove preliminari, ben prima del debutto ufficiale nel West End. Solo tre settimane dopo il debutto, lo studio acquista i diritti cinematografici per 150.000 dollari, una cifra considerevole per l’epoca. L’accordo prevede anche che la M-G-M cofinanzi la produzione americana della pièce a Broadway, a dimostrazione del forte interesse nel portare la storia al pubblico internazionale.
Nel 1956, lo spettacolo arriva a New York. Il ruolo della madre, Sheila Broadbent, passa proprio ad Adrianne Allen, la madre di Anna Massey nella vita reale. Tuttavia, nonostante l’eleganza della messa in scena, la versione americana non riesce a replicare il successo londinese e chiude dopo soli quattro mesi. L’investimento teatrale, per la M-G-M, si traduce in una perdita economica.
Ma a Hollywood, nel frattempo, il progetto cinematografico resta vivo. La strategia degli studios in quegli anni è chiara: attingere alle commedie teatrali di successo, soprattutto britanniche, per farne adattamenti eleganti e sofisticati. E Come sposare una figlia offre tutti gli ingredienti giusti: ambientazione esclusiva, personaggi brillanti, dialoghi taglienti, e un tono che oscilla tra satira e romanticismo.
Già nel 1955, si fa il nome di Debbie Reynolds come possibile interprete del ruolo di Jane. L’idea resta in sospeso per qualche tempo, finché nella seconda metà del 1957 la M-G-M dà finalmente il via libera alla produzione del film. La storia è pronta a lasciare il palcoscenico e a trovare una nuova vita sullo schermo.
La MGM affida la produzione a Pandro S. Berman, veterano dello studio già noto per musical e commedie sofisticate. È lui a supervisionare le prime fasi di sviluppo e a scegliere gli sceneggiatori incaricati di adattare la commedia teatrale The Reluctant Debutante per il grande schermo.
Nel febbraio del 1957 vengono coinvolti Frances Goodrich e Albert Hackett, noti per Il padre della sposa e altre commedie brillanti. A dicembre la sceneggiatura passa a Julius J. Epstein, co-autore di Casablanca, che consegna una versione completa ma deludente: l’azione si sposta a New York, lo humour britannico si perde, e la commedia di costume diventa una storia americana senza la raffinatezza del testo teatrale.
A quel punto, la regia viene affidata a Vincente Minnelli, reduce dal trionfo di Gigi e dagli otto Oscar appena vinti. 

Nato in Illinois nel 1903, Minnelli ha cominciato come scenografo e costumista a Broadway prima di approdare a Hollywood, dove è diventato il regista-simbolo del musical MGM con titoli come Spettacolo di varietà, Un americano a Parigi e È nata una stella.
Non è solo un maestro del Technicolor: ama le storie sofisticate, le dinamiche psicologiche, le commedie che giocano con le apparenze. Come sposare una figlia, con i suoi dialoghi brillanti e l’ambientazione aristocratica, sembra perfetta per lui — almeno sulla carta.
Quando riceve la sceneggiatura, Minnelli resta perplesso: il tono non lo convince e l’ambientazione americana snatura il materiale originale. Anche Rex Harrison, che legge lo script dalla Svizzera, concorda: «Ci piacerebbe farlo, ma la sceneggiatura non va bene».
Minnelli propone allora di coinvolgere William Douglas-Home, autore della commedia, per riscrivere il copione. L’idea viene accolta con entusiasmo, ma i tempi sono strettissimi: Harrison deve presto tornare a Londra per My Fair Lady, e la MGM ha già approntato costosi set a Parigi.
Si sceglie così una soluzione insolita: le riprese iniziano mentre la sceneggiatura è ancora in corso d’opera. Douglas-Home scrive giorno per giorno, consegnando le scene appena prima di girarle, mentre Harrison suggerisce battute e sfumature. È un lavoro di squadra rapido, diretto, e sorprendentemente efficace.
Il risultato è una sceneggiatura frizzante e fedele allo spirito originale. I contributi iniziali di Goodrich, Hackett ed Epstein vengono accantonati: la versione definitiva porta la sola firma di William Douglas-Home.

Per il ruolo del protagonista maschile, Sir James “Jimmy” Broadbent, la scelta cade su Rex Harrison.

 

Attore britannico di fama internazionale, Harrison ha costruito la sua carriera sull’equilibrio tra humour tagliente e carisma aristocratico. Nel 1958 è all’apice: ha appena vinto un Tony Award per My Fair Lady a Broadway, dove interpreta un altro lord inglese irresistibilmente ironico, il professor Higgins.
La MGM, che lo ha già sotto contratto, lo considera la personificazione ideale del gentiluomo britannico dal cuore ambiguo: affettuoso verso la figlia, ma disilluso dalle convenzioni sociali. Il suo aplomb naturale e la capacità di dominare la scena con un gesto minimo — uno sguardo, un sopracciglio alzato — lo rendono perfetto per la leggerezza sofisticata di Minnelli.
Quando arriva sul set, però, porta con sé un peso personale. Pochi mesi prima ha saputo che la moglie Kay Kendall è affetta da leucemia mieloide, ma lei non ne è a conoscenza. Harrison sceglie di proteggerla dal dolore, e quella consapevolezza lo accompagna per tutta la lavorazione. Forse è anche per questo che il suo Jimmy mostra, sotto l’ironia elegante, una tenerezza più autentica, amplificata da ciò che accade fuori dallo schermo.
Accanto a lui, nel ruolo di Lady Sheila Broadbent, viene scelta proprio Kay Kendall. Marito e moglie nella vita e sul set, si sono sposati da poco e la MGM li presenta come una coppia da sogno del cinema britannico: belli, brillanti, perfettamente in sintonia.

 

Kendall è una delle attrici più promettenti del periodo. Dopo essersi fatta notare con Genevieve (1953), conquista pubblico e critica con Les Girls (1957), che le vale un Golden Globe come miglior attrice brillante. Cresciuta in un ambiente alto-borghese londinese, unisce eleganza e comicità con una leggerezza tutta sua, che le vale il paragone con Carole Lombard.
Nel ruolo di Sheila porta il suo stile inconfondibile: abiti impeccabili, gesti teatrali ma naturali, humour raffinato. Ha il ritmo della screwball comedy e una grazia malinconica che, vista oggi, commuove. Come sposare una figlia sarà il suo penultimo film: morirà l’anno seguente, a soli trentadue anni, senza aver mai saputo della propria malattia.
Sul set, la sua energia contagiosa e la complicità con Harrison regalano al film una dolcezza imprevista. Dietro la brillantezza della commedia, si avverte qualcosa di più profondo: il dialogo silenzioso tra due persone che si amano davvero, in un tempo che sanno già fugace.
Per il ruolo di Jane Broadbent, la “riluttante debuttante” del titolo originale, la MGM aveva inizialmente pensato a Debbie Reynolds. Ma, con i ritardi della produzione, lo studio decide di puntare su un volto nuovo: Sandra Dee.

Nata Alexandra Cymboliak Zuck nel 1942 a Bayonne, nel New Jersey, Sandra cresce con la madre, che per garantirle stabilità arriva perfino a dichiararla più grande per iscriverla a scuola. Bellissima e fotogenica fin da bambina, lavora come modella e a quattordici anni viene notata dal produttore Ross Hunter, che la mette sotto contratto con la Universal e le inventa un nome più dolce.
Debutta nel 1957 in Quattro donne aspettano, accanto a Joan Fontaine e Paul Newman, e colpisce per la sua naturalezza. Quando arriva sul set di Come sposare una figlia, ha appena sedici anni. La sua giovinezza diventa la chiave del personaggio: Jane è davvero una debuttante riluttante — curiosa, sincera, disarmante nella sua spontaneità. In lei Minnelli e Helen Rose trovano la luce fresca che bilancia la sofisticazione del mondo adulto che la circonda.
 

Per il ruolo di David Parkson, il giovane batterista di cui Jane si innamora, la MGM sceglie John Saxon, attore americano di origini italiane e volto emergente del cinema giovanile.

 

Nato Carmine Orrico a Brooklyn da una famiglia napoletana, viene scoperto a diciassette anni da un talent scout mentre posa per alcune fotografie. La Universal lo mette presto sotto contratto, intuendo in lui il fascino di un protagonista moderno: elegante, atletico, con uno sguardo intenso e malinconico. Dopo Ladro di automobili (1955) e Gli indiavolati (1956), Saxon conquista il pubblico come “bad boy educato”, ribelle con classe.
Quando la MGM lo prende in prestito per Come sposare una figlia, ha ventitré anni e una carriera in piena ascesa. È la sua prima collaborazione con Minnelli, che apprezza la sua naturalezza e la chimica con la giovane Sandra Dee.
Nel ruolo di David, Saxon unisce ironia e tenerezza, portando sullo schermo un giovane americano disinvolto ma gentile, lontano dalla figura stereotipata del musicista ribelle.

Nel ruolo della chiacchierona Mabel Claremont, cugina di Sheila, brilla Angela Lansbury, che aggiunge al cast la sua eleganza pungente e la precisione d’attrice. 

 

All’epoca ha solo trentadue anni, ma la sua versatilità le consente di incarnare con perfetta credibilità una dama britannica ossessionata dai matrimoni “giusti” e dalle buone apparenze.
Con humour sottile e un controllo perfetto del gesto, trasforma Mabel in una miccia narrativa, sempre pronta a innescare equivoci. Nata a Londra e naturalizzata americana, Lansbury è già una veterana: esordisce nel 1944 con Angoscia accanto a Ingrid Bergman e ottiene due nomination all’Oscar prima dei vent’anni.
Nel film interpreta la madre di Clarissa, impersonata da Diane Clare, di appena tredici anni più giovane: un dettaglio che solo la sua abilità trasformista rende credibile. La giovane Clare porta una freschezza ingenua che bilancia la civetteria controllata della madre.

Infine, Peter Myers riprende con verve il ruolo del goffo corteggiatore David Fenner, già interpretato a teatro: la sua mimica rigida e l’aria da snob aggiungono ritmo alle scene comiche. In Italia, il doppiaggio di Giuseppe Rinaldi ne amplifica l’effetto, con una voce ironica e svampita perfettamente calibrata sul tono del film.

Le riprese di Come sposare una figlia iniziano il 10 febbraio 1958 e si svolgono in circostanze tutt’altro che semplici. Il film deve essere completato entro la primavera, per permettere a Rex Harrison di rispettare il suo impegno con la produzione teatrale di My Fair Lady a Londra. Ma c’è un ostacolo imprevisto: da tempo Harrison risiede in Svizzera per motivi fiscali, e tornare a lavorare in Inghilterra rischierebbe di creargli complicazioni con il fisco britannico.
Allo stesso tempo, non ha alcuna intenzione di spostarsi negli Stati Uniti — non solo per evitare stress inutili, ma anche per restare vicino alla moglie Kay Kendall, già fragile di salute.
A trovare la soluzione è Vincente Minnelli, che pochi mesi prima ha concluso Gigi a Parigi e conosce bene la città e i suoi studi cinematografici. Così, cinque mesi dopo aver lasciato la capitale francese, torna nella “città delle luci” per ricreare l’atmosfera della Londra mondana. Il film viene quindi girato in Francia, con un cast angloamericano e una troupe composta in gran parte da tecnici francesi e americani.
Minnelli vorrebbe trascorrere alcune settimane a Londra per girare in esterni, ma le circostanze lo costringono a restare a Parigi, affidandosi alla sua consueta abilità nel combinare scenografie eleganti e retroproiezioni perfette, capaci di evocare l’Inghilterra dell’alta società con la grazia impeccabile del suo stile visivo.
Le settimane di lavorazione scorrono tra ritmo serrato e piccoli imprevisti. Minnelli, ancora convalescente dopo un problema ai reni e reduce da un periodo personale difficile, alterna giornate di energia e momenti di stanchezza, ma non rinuncia mai al controllo dei dettagli e alla precisione delle inquadrature.
Sul set, l’intesa tra l’autore e gli interpreti è immediata. William Douglas-Home, che segue da vicino la riscrittura delle scene, si trova a meraviglia con Kay Kendall, attrice dallo spirito libero e dall’ironia fulminante. In un’occasione che Home ricorderà per anni con divertito stupore, lui e Rex Harrison stanno stappando una bottiglia di champagne nella suite parigina degli Harrison, al Lancaster Hotel.
Il telefono squilla. Tutti si aspettano che sia Kay a rispondere, essendo l’unica donna presente — anche se si trova nella vasca da bagno. Harrison la chiama a gran voce, e Kay, senza battere ciglio, emerge tutta bagnata, un asciugamano intorno alla testa ma completamente nuda, prende la cornetta e, con perfetta disinvoltura, accetta un invito a cena da parte dell’ambasciatore britannico.
Con un sorriso civettuolo aggiunge: «Rex e io abbiamo l’abitudine di intingere le unghie nel gin il sabato sera, se capisce cosa intendo». Poi saluta con garbo e rientra in bagno ondeggiando.
Douglas-Home, che la osserva ammutolito, racconterà anni dopo quell’episodio definendola semplicemente “la ragazza più splendida del mondo”.
In questo clima vivace e un po’ frenetico, la giovanissima Sandra Dee vive la sua prima grande esperienza su un set europeo. Ha appena sedici anni e deve conciliare il lavoro con gli obblighi scolastici imposti dal contratto. Ogni giorno, dopo le riprese, studia per quattro ore seguita da un tutor americano, Sheldon Goldblum, insegnante della Le Conte Junior High di Hollywood. Per una fortunata coincidenza, Goldblum si trova a Parigi per frequentare la Sorbona, e il California State Board of Education lo ha incaricato ufficialmente di seguirla.
Sandra ricorda quel periodo con dolcezza: la sua piccola “scuola parigina” diventa un momento di leggerezza tra una scena e l’altra, un modo per restare un’adolescente anche in mezzo a un set internazionale.

Costumi

Se c’è un elemento di Come sposare una figlia che non può essere dimenticato, è il suo reparto costumi.
Ogni abito racconta qualcosa: la grazia della debuttante, la sicurezza sofisticata della matrigna, l’eleganza compiaciuta delle dame di società. In un film costruito su balli, ricevimenti e conversazioni mondane, i vestiti diventano linguaggio, carattere, sottotesto.
A firmarli sono due maestri che incarnano l’incontro tra Hollywood e Parigi.
Da Los Angeles arriva Helen Rose, storica costumista della MGM e due volte premio Oscar, nota per la sua capacità di fondere eleganza e dolcezza (fu lei a disegnare l’abito da sposa di Grace Kelly).
Da Parigi giunge Pierre Balmain, couturier simbolo della rinascita dell’alta moda del dopoguerra, celebrato per le linee scultoree e la sobria sensualità.
La loro collaborazione, in Come sposare una figlia, fonde la grazia americana con la sofisticazione europea: una sinergia che regala al film un’identità visiva inconfondibile.

Per Jane Broadbent, Helen Rose costruisce un guardaroba che accompagna il suo passaggio da ragazza americana a giovane donna pronta per la società londinese. Ogni abito traduce una sfumatura del personaggio: la timidezza, la curiosità, la progressiva fiducia in sé.

Il primo in cui la vediamo, appena scesa dall’aereo, è un completo grigio perla dal taglio impeccabile: giacca corta, gonna al ginocchio, cinturina sottile. Il cappellino blu polvere e i guanti bianchi aggiungono un tocco di compostezza tenera, mentre la borsa rigida completa l’immagine di una ragazza che vuole sembrare adulta senza esserlo ancora davvero.
Alla prima serata in società, Jane indossa un abito di chiffon rosa cipria, con corpetto ricamato e gonna ampia a strati leggeri che si muovono a ogni passo. Il tessuto, trasparente e luminoso, cattura la luce del Metrocolor, restituendo sullo schermo tutta la fragilità delle debuttanti anni ’50.
Quando incontra David, la ritroviamo in un trench avorio lasciato aperto su un completo a piccoli quadretti chiari, con camicia bianca e fascia nei capelli coordinata. È un cambio netto di tono: l’americana libera e spontanea affiora finalmente sotto la debuttante perfetta.

Più avanti, in casa Broadbent, Jane indossa un abito leggero verde oliva, con colletto a punta e cintura sottile. Il colore, caldo e naturale, si fonde con le luci della sala da pranzo, restituendole una vitalità nuova: la grazia disinvolta di chi comincia a sentirsi a casa.
Durante la serata dell’equivoco, Jane appare in un abito di taffetà azzurro cielo, decorato da piccoli fiocchi tono su tono e accompagnato da un soprabito corto coordinato. L’azzurro chiarissimo, quasi argentato, amplifica la sua freschezza e le dona un’aura da sogno, sospesa tra ingenuità e desiderio.
Nel gran finale, alla presentazione a corte, la giovane indossa un abito bianco avorio in organza e raso, con corpetto drappeggiato, ampia gonna a balze e un fiore di seta al punto vita. Guanti lunghi e tiara di perle completano un’immagine di luminosa maturità. Helen Rose la veste da vera protagonista — una debuttante che non ha più bisogno di essere introdotta da nessuno.

Per Lady Sheila Broadbent, Balmain costruisce un guardaroba teatrale, sontuoso e irresistibilmente ironico, capace di riflettere la personalità magnetica di Kay Kendall.
Solo lui, come ricordano i collaboratori, conosceva la malattia dell’attrice: per questo le prove dei costumi si tenevano spesso in posizione sdraiata, e i modelli furono pensati per valorizzarne la leggerezza e la grazia. Il risultato è straordinario: abiti che sembrano alleggerire il corpo, restituendole vitalità e luce.

Il primo look, un tailleur rosso ciliegia con giacca dalle spalle tonde, gonna al ginocchio e cappello coordinato, è un piccolo manifesto di stile. Guanti bianchi e borsa scura creano un contrasto perfetto e introducono la quintessenza della mondanità anni ’50.
Poco dopo, alla prima grande festa, Sheila indossa un abito da ballo in raso rosso rubino con scollo a spalle scoperte e stola di piume color cremisi che accompagna i gesti come una danza. La luce del Metrocolor esalta le pieghe lucenti del raso, trasformando ogni movimento in spettacolo.
A un’altra serata mondana, appare in un abito tortora chiarissimo, ravvivato da un grande fiore rosso sulla spalla e da una mantella di visone. È Balmain nel suo registro più raffinato: sobrietà e audacia perfettamente dosate.

A casa Broadbent, invece, Sheila indossa un completo beige cipriato, con scollo morbido e maniche corte. È la raffinatezza della quiete: una donna che non rinuncia mai alla propria eleganza, neppure tra le mura domestiche.
Nel celebre appuntamento “sbagliato”, Sheila appare come avvolta da una nuvola di piume di struzzo color grigio perla, che ondeggiano intorno a lei a ogni gesto. Sotto, un abito nello stesso tono freddo e luminoso. Balmain lavora per sottrazione, lasciando che la luce e il movimento facciano il resto: un’apparizione fragile, splendida e indimenticabile.
Nel gran finale, durante la presentazione di Jane, la ritroviamo in un abito lungo grigio acciaio, dalla linea affusolata, con spilla di cristalli, guanti bianchi e un fiore rosso appuntato sulla spalla. È un’immagine di moderna malinconia, perfetta per congedare la sua Lady Broadbent.
 

Infine, Mabel Claremont, interpretata da Angela Lansbury, completa il trio femminile con il suo guardaroba d’impeccabile formalità.

Alla prima festa, Mabel indossa un abito lungo blu notte con ricami di paillettes tono su tono, clutch coordinata e una parure di gioielli con tanto di tiara: un’eleganza che rasenta l’ostentazione.
Durante la cena dell’equivoco, sfoggia un abito in raso bianco con spalline sottili e un grande fiocco applicato al centro del décolleté, completato da tre collane di perle separate, volutamente ridondanti — un piccolo eccesso da perfetta snob.
Nel finale, la vediamo in un abito lungo azzurro polvere con ricami argentati, più fluido e sobrio, quasi a suggerire una grazia riconciliata con sé stessa.
Insieme, Helen Rose e Pierre Balmain costruiscono un mondo di stoffe e colori che non serve solo a incorniciare i personaggi, ma a definirli.

Location

Sebbene la vicenda sia ambientata interamente a Londra, il film è stato girato in gran parte a Parigi, con solo poche riprese effettuate realmente in Inghilterra. Il regista aveva appena concluso Gigi e poteva contare sugli stessi studi di Boulogne, nei pressi della capitale francese, dove erano già disponibili set, maestranze e tecnici specializzati nel formato Cinemascope a colori.
Per assicurare autenticità, la MGM ha inviato una seconda unità a Londra incaricata di filmare vedute e dettagli d’ambiente, come quelle che vediamo nei titoli di testa. Trafalgar square e la Royal Exchange nella City of London. 

Dall'ufficio di Jimmy invece vediamo un fondale da cui spicca la cupola della Cattedrale di Saint Paul.

Queste riprese, sapientemente montate insieme agli interni parigini, creano l’illusione che l’intera storia si svolga nella capitale britannica. Gli attori principali, tuttavia, non hanno mai messo piede a Londra durante la lavorazione.
La troupe si è stabilita a Boulogne-sur-Seine, dove Jean d’Eaubonne – già scenografo di Gigi – ha progettato ambienti sontuosi e coerenti con l’atmosfera aristocratica della commedia.
È a lui che si deve la ricostruzione della villa dei Broadbent, ispirata alle case georgiane di Belgravia: boiserie in legno chiaro, camini in marmo, tende damascate e ritratti d’antenati appesi alle pareti. Il grande scalone d’ingresso, teatro di molte entrate scenografiche in abito da sera, è stato uno dei set più elaborati mai costruiti negli studi di Boulogne.
Alcune ambientazioni londinesi sono state completamente ricreate in studio, come il cortile della Household Cavalry, che appare in una scena di raccordo tra gli eventi mondani: per realizzarlo, Minnelli ha fatto arrivare da Londra due membri autentici dei Royal Horse Guards, Darryl Carey e il soldato Ruddick, che hanno curato la disposizione dei dettagli e partecipato come consulenti.

Anche l’aeroporto di Londra è stato riprodotto a Parigi, evitando con attenzione di inquadrare monumenti riconoscibili come la Torre Eiffel o l’Arco di Trionfo.

Girare in Francia ha avuto anche risvolti pratici e sociali curiosi. Le pause pranzo erano più lunghe che negli studi di Hollywood, e Minnelli si è adattato ai ritmi parigini senza protestare. Molte comparse nelle scene da ballo erano studenti inglesi delle scuole di Parigi o giovani modelle francesi, accuratamente selezionate per il loro portamento “british”. Persino qualche vero aristocratico francese ha accettato di apparire come figurante, attratto dall’idea di partecipare a una “commedia inglese diretta da Minnelli”.

Colonna sonora 

Uno degli imprevisti più significativi nella lavorazione di Come sposare una figlia fu lo sciopero dei musicisti del 1958, che paralizzò per mesi le registrazioni orchestrali a Hollywood.
Impossibilitata a commissionare una nuova partitura originale, la MGM decise di costruire la colonna sonora attingendo alla propria sterminata library musicale, assemblando un mosaico di brani già esistenti.
Il risultato fu sorprendentemente armonioso. Il direttore musicale Eddie Warner selezionò e adattò con cura motivi orchestrali, valzer e temi jazz, costruendo un tessuto sonoro di grande coerenza. La colonna sonora divenne così un gioco di contrasti: nei balli e nei ricevimenti dominano melodie da sala e valzer eleganti, mentre le scene con il giovane batterista David Parkson si accendono di swing e ritmi sincopati, restituendo il dialogo costante fra il mondo rigido dell’aristocrazia e la libertà della nuova generazione.
Nei titoli di testa non compare alcun compositore principale, un fatto inusuale ma spiegabile con lo sciopero: la MGM preferì evitare nuove registrazioni, ricorrendo invece a brani già pubblicati o provenienti da film precedenti del proprio catalogo.
Tra i motivi riconoscibili figurano il Main Title da La donna del destino (1957) di André Previn, proveniente da un altro film di Minnelli; In the Still of the Night e Easy to Love di Cole Porter, due classici MGM tratti da musical degli anni Trenta; The Boy Next Door e Love di Ralph Blane e Hugh Martin, originariamente composti per Incontriamoci a St. Louis (1944); e infine Rock Around the Clock di Max Freedman e James Myers, inserito con ironia per sottolineare l’irruzione del mondo giovanile di Jane e David nei salotti compassati dell’alta società.
Minnelli, che ha sempre trattato la musica come parte integrante della messinscena, integra questi brani con naturalezza. Ogni passaggio sonoro è calibrato come una coreografia: accompagna i movimenti, scandisce i dialoghi, amplifica i silenzi.
Pur priva di una partitura originale, la colonna sonora trova così una voce tutta sua. La necessità produttiva si trasforma in virtù estetica: un collage elegante e funzionale che alterna la grazia dei valzer alla vivacità del jazz, restituendo in pieno lo spirito sofisticato e leggero del film.
Solo chi conosce le difficoltà dietro le quinte si accorge che si tratta di una “colonna sonora di ripiego”. Per tutti gli altri, resta semplicemente parte dell’incanto minuziosamente orchestrato da Minnelli.

Come sposare una figlia esce nell’agosto del 1958, con première a New York il 14. La MGM lo presenta come la sua commedia estiva di punta, puntando sul glamour del cast e sulla firma di Minnelli. Al botteghino i risultati sono buoni, seppur non travolgenti: incassa circa 1,55 milioni di dollari in Nord America e 1,42 milioni all’estero, per un totale di poco sotto i tre milioni.
Considerando un budget elevato, la MGM registra una perdita di circa 355.000 dollari, compensata solo in parte dall’ottimo riscontro nel Regno Unito, dove il film si piazza al 12º posto tra gli incassi del 1959. Il pubblico britannico, evidentemente, gradisce la commedia ambientata “in casa” e l’eleganza familiare di Harrison, Kendall e Lansbury.
La critica accoglie il film con toni gentili ma non entusiasti. Variety lo definisce “refreshing and prettily dressed” — rinfrescante e vestito con grazia — riconoscendo il merito dei costumi e della messa in scena. Il New York Times loda la brillantezza degli interpreti, notando come Kay Kendall “rubasse la scena con la leggerezza di chi non ci prova nemmeno”.
Molti apprezzano la chimica tra i due coniugi Harrison-Kendall, considerata il vero cuore del film. Altri, come Stanley Kauffmann su The New Republic, liquidano la pellicola come “un bigné alla crema”: elegante, dolce, ma priva di sostanza.
Kay Kendall riceve unanimi elogi: la sua performance è descritta come “scene-stealer”, e diversi critici la paragonano a Carole Lombard per la sua vis comica sofisticata. Rex Harrison è giudicato “divertito e impeccabile”, anche se in un ruolo facile per lui; Angela Lansbury viene apprezzata per la verve aristocratica, mentre Sandra Dee divide i recensori tra chi ne loda la freschezza e chi la trova un po’ acerba. John Saxon passa quasi inosservato negli Stati Uniti, ma in Europa la sua presenza “americana” viene considerata un tocco esotico.

Col tempo, Come sposare una figlia ha assunto il valore di una piccola gemma d’epoca: un ritratto elegante e leggero di un mondo ormai al tramonto.
La storia firmata da William Douglas-Home ha dimostrato una sorprendente longevità. Nel 2003 la Warner Bros. ne realizza una versione moderna, What a Girl Wants (Una ragazza e il suo sogno), con Amanda Bynes e Colin Firth. È un remake libero ma dichiarato, che riprende l’idea originale — la ragazza americana catapultata nel rigido universo dell’aristocrazia inglese — adattandola ai codici brillanti delle teen comedy dei Duemila. Il fatto che la sceneggiatura di Douglas-Home sia accreditata anche lì dice tutto sulla tenuta e la flessibilità del soggetto.
Dal punto di vista storico, il film resta un documento prezioso: una delle rare pellicole ambientate proprio durante l’ultima stagione ufficiale delle debuttanti, quando l’inchino a corte era ancora realtà. È spesso citato nei documentari come “riferimento pop” per ricostruire quell’epoca di balli al Ritz, abiti bianchi e buone maniere — poco prima che la Swinging London spazzasse via tutto con la sua modernità.
Per i protagonisti, Come sposare una figlia segna tappe diverse ma decisive.
Per Kay Kendall è l’ultimo ruolo importante, e la sua interpretazione — brillante e venata di malinconia — contribuisce a fissarne il mito di diva “bella e perduta” del cinema britannico. Rex Harrison trova qui un raro ruolo paterno, più tenero e ironico del solito, che gli apre la strada a nuove sfumature. Sandra Dee e John Saxon, giovanissimi, vivono invece una parentesi sofisticata prima di imboccare direzioni opposte: lei verso l’America solare delle teen idol, lui verso un percorso più internazionale e inquieto.
Con il passare degli anni, la critica ha guardato al film con rinnovata simpatia, riconoscendogli la grazia e la misura di un esercizio di puro charme. Gli storici del cinema lo definiscono un titolo minore ma rivelatore nella filmografia di Minnelli: venendo subito dopo Gigi, dimostra quanto il regista sapesse passare dal musical sfarzoso alla commedia da salotto con la stessa naturalezza. 

Oggi, Come sposare una figlia conserva intatto il suo fascino: un film che fa stare bene, che profuma di piume, tulle e battute brillanti.
Sapere quante difficoltà, compromessi e invenzioni si nascondono dietro la sua apparente leggerezza — dallo sciopero dei musicisti ai set parigini travestiti da Londra — non fa che renderlo ancora più prezioso. Una piccola lezione di eleganza e mestiere, da gustare con un sorriso.

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La lavorazione degli interni è talmente curata che, a distanza di anni, una delle sarte che confezionò le tendine per il set racconta di aver ricevuto in dono il tavolo rotondo pieghevole della cucina, oggi ancora custodito come cimelio di famiglia. E dopo le riprese, Lucille e Desi hanno voluto tenere la roulotte per sé: la parcheggiano nella loro proprietà e la trasformano nella casetta dei giochi dei figli. Lucie Arnaz, anni dopo, ricorda con affetto i pomeriggi trascorsi a giocare aprendo e chiudendo la porta solo per sentire suonare il carillon.
Ma non si tratta solo di un vezzo scenografico. Nel film, la roulotte è molto più di un mezzo di trasporto: è un personaggio vero e proprio, un simbolo della corsa al benessere degli anni Cinquanta. Troppo pesante, troppo ingombrante, troppo attrezzata per una semplice luna di miele. Un perfetto esempio di sogno americano su ruote, pronto a deragliare. Ed è proprio questa l’ironia: i due protagonisti cercano la libertà, ma si portano dietro ogni comfort possibile, al punto che il peso eccessivo minaccia di farli precipitare giù da un burrone. Una metafora brillante, costruita con colori pastello e comicità slapstick.
La sequenza più memorabile? Lucy che, tutta elegante nel suo vestito da casalinga anni ’50, tenta di preparare la cena mentre il trailer ondeggia sull’asfalto. Nel giro di pochi secondi, si ritrova sommersa da una pioggia di farina, pentole volanti e ingredienti impazziti: una delle gag più riuscite della sua carriera, e un omaggio diretto a Chaplin e Keaton. Minnelli la accompagna con una regia impeccabile, arrivando persino a riscrivere la parte musicale della scena per adattarla ai tempi comici di Desi, che nel frattempo canta come se stesse recitando un’aria da operetta.
Risultato: un vero balletto meccanico in salsa hollywoodiana. E una lezione di cinema comico travestita da viaggio di nozze.

Location

Per un film che parla di viaggio, non poteva che esserci un lungo itinerario anche dietro la macchina da presa. Nonostante il cuore pulsante della produzione sia rimasto saldo nei teatri di posa di Culver City, la lavorazione di 12 metri d'amore ha previsto numerose riprese in esterni, attraversando alcuni degli scorci naturali più spettacolari della California.

Minnelli e la sua troupe si sono spinti fino alle Alabama Hills di Lone Pine, una zona montuosa amata da Hollywood fin dai tempi dei western classici, per poi spostarsi lungo la tortuosa Whitney Portal Road nel Lone Pine Creek Canyon, dove si svolge una delle sequenze più vertiginose del film. Quella in cui Desi guida nervosamente lungo un pendio di montagna mentre Lucy cerca di distrarlo con una storia lacrimosa – un momento comico che mescola paura e assurdo con perfetta maestria.

Altre location includono Palos Verdes, il Red Rock Canyon State Park e il Treasure Island Mobile Home Park di Laguna Beach: tutti luoghi scelti per ricreare la varietà di paesaggi americani che la roulotte dei protagonisti attraversa. Ma la vera perla resta il Parco Nazionale di Yosemite, ringraziato ufficialmente nei titoli di coda. Qui, la produzione cattura in tutto il loro splendore l'Half Dome, El Capitan e le Yosemite Falls: maestosi monoliti e cascate vertiginose che fanno da cornice alla disavventura on the road della coppia Collini.

Il risultato è un viaggio cinematografico che alterna con eleganza l’illusione del set alla bellezza reale della natura americana, confermando ancora una volta l’abilità di Minnelli nel rendere ogni sfondo parte integrante del racconto. E come se non bastasse, in una scena cittadina ricreata negli studios, il regista si concede anche un piccolo easter egg: il trailer si blocca proprio davanti a un cinema che proietta The Band Wagon, uno dei suoi successi più recenti. Un modo ironico e tenero per ricordare al pubblico chi c’è dietro la macchina da presa.

Una super chicca? La casa degli zii è la casa di John Truitt in Incontriamoci a St. Louis sempre di Minnelli (di questo film ve ne ho parlato qui). 

Costumi

A realizzare gli abiti di questo film è Helen Rose, la celebre designer della M.G.M. (sono suoi gli iconici abiti eterei indossati da Grace Kelly in Alta società, nonché l’abito da sposa reale che la principessa ha indossato nel matrimonio con il principe Ranieri di Monaco).
Quando Helen entrò alla MGM per la prima volta, Louis B. Mayer le ha dato un’unica istruzione: “Just make them beautiful.”  Tu rendile belle! E lei lo ha fatto eccome. Perché quello era lo spirito dello studio: l’estetica prima di tutto, anche a scapito del realismo. L’abito non doveva raccontare un personaggio, ma farlo risplendere.

Helen Rose aveva già vestito Lucille Ball nel 1946, regalandole uno degli ingressi più eleganti della sua carriera: l’abito rosa in seta e pizzo nel segmento diretto da Minnelli di Ziegfeld Follies. Ma è con 12 metri d'amore che il rapporto tra costumista e attrice si consolida.
Lucille ricorda con affetto quanto Helen sia stata fondamentale per affrontare il lato più fisico e slapstick del film. La ringrazia per averla sempre “sistemata nel modo giusto”, in modo da affrontare al meglio le scene più movimentate e i tanti oggetti di scena tipici dei set di Minnelli. Anche quando Lucy deve preparare la cena dentro una roulotte lanciata a tutta velocità — con posate e casseruole che le volano addosso — i costumi non sono mai un ostacolo, ma parte della gag.

Uno dei costumi più memorabili del film è l’abito che Lucy indossa all’inizio: un voile di seta a righe panna e grigio-blu, con corpino aderente, scollo morbido con rever, bottoncini rivestiti, maniche ad aletta e gonna ampia rifinita con due bande di pizzo floreale. L'inserto in pizzo avorio sul décolleté è un dettaglio delicato ma scenografico, che sintetizza perfettamente lo stile di Helen Rose: femminile, teatrale e pensato per valorizzare la star anche nelle scene più quotidiane.

Un altro dei più iconici è senza dubbio l’abito da sposa di Lucy. Molti lo hanno erroneamente identificato come il suo vero abito di nozze del 1940, ma in realtà quello fu un matrimonio lampo, celebrato in un cappotto di pelliccia e con un anello comprato alla Woolworths. L’abito del film, invece, porta la firma di Helen Rose: candido, ricco di dettagli, pensato per valorizzare Lucille davanti all’obiettivo (e la sua firma è inconfondibile, se pensiamo a quello di Grace Kelly).

Per il resto del film gli abiti sono tutti caratterizzati da colori e dettagli romantici, o la tenuta più country con camicia scozzese e pantaloni.

C’è poi un altro piccolo dettaglio che i fan più attenti non mancheranno di cogliere: l’abito verde a quadretti con il grembiule che Lucy indossa mentre cucina nel trailer (proprio durante quella scena slapstick finita in una valanga di farina) è lo stesso che aveva già portato in un episodio della serie I Love Lucy, The Hedda Hopper Story, quello in cui finiva — letteralmente — in piscina. Un piccolo riciclo da set che però non toglie nulla all’efficacia visiva del momento, anzi: crea un ponte affettuoso tra i due universi, quello televisivo e quello cinematografico.

Una menzione speciale va anche al celebre parrucchiere Sydney Guilaroff, l’uomo che ha letteralmente “inventato” il rosso di Lucille Ball (la sua storia pazzesca ve l'ho raccontata qui). Proprio durante le riprese di Ziegfeld Follies, notando come Lucy venisse sovrastata da un abito color albicocca, Guilaroff decise di sperimentare con henné e coloranti fino a ottenere una tonalità intensa e brillante. Quel rosso acceso sarebbe diventato il suo marchio distintivo, rendendola riconoscibile ovunque — e portandola alla consacrazione definitiva con I Love Lucy.

Colonna sonora

Se c’è qualcosa che accompagna ogni svolta di 12 metri d'amore — dai saliscendi emotivi ai disastri comici, passando per i momenti di dolcezza — è senza dubbio la musica firmata da Adolph Deutsch. Compositore dalla solida esperienza, già premiato con l’Oscar per Sette spose per sette fratelli, Deutsch costruisce una partitura che sa quando farsi leggera e spiritosa, e quando invece abbracciare il sentimento.
Il tono generale della colonna sonora rispecchia perfettamente il mondo slapstick e romantico dei Collini: i passaggi orchestrali sostengono la narrazione senza mai sopraffarla, facendo da collante tra le gag visive, le tenerezze coniugali e i piccoli drammi da casa ambulante. Minnelli — sempre attento alla musica — ne fa un elemento invisibile ma fondamentale per creare ritmo e coesione.
Uno degli episodi più curiosi riguarda la sequenza musicale di "Breezin’ Along with the Breeze". In origine, il numero aveva un accompagnamento orchestrale completamente diverso. Ma Vincente Minnelli, insoddisfatto del risultato, lo fece rimuovere e ordinò un nuovo arrangiamento, mantenendo però le voci originali e costruendoci intorno una nuova base musicale. 

E poi c’è Desi Arnaz, che con la sua voce calda e il carisma latino aggiunge una nota tutta personale alla colonna sonora. La scena in cui canta con piglio operettistico mentre Lucy combatte in cucina con pentole e insalata è un piccolo gioiello di comicità musicale. Un contrappunto perfetto tra armonia e caos, tra la grazia delle note e l’imprevedibilità domestica.
In un film che gioca costantemente sul contrasto tra ordine e disordine, la musica rappresenta forse l’unico filo conduttore stabile. Non urla mai, non ruba la scena, ma accompagna ogni momento con una discrezione e una coerenza che solo i grandi compositori sanno mantenere. Adolph Deutsch firma così una colonna sonora elegante e funzionale, che arricchisce il film senza mai appesantirlo.

L'ombra rossa

Le luci del set si sono appena spente, e mentre 12 metri d'amore entra in post-produzione, una notizia inaspettata cambia bruscamente il tono di quei giorni.
È la fine dell’estate del 1953: Lucille Ball sta trascorrendo qualche giorno di vacanza con la famiglia a Del Mar, approfittando del ponte per il Labor Day, quando viene raggiunta da una convocazione urgente.
Il House Un-American Activities Committee (HUAC) la chiama a testimoniare in un’udienza riservata a porte chiuse, fissata per venerdì 4 settembre a Hollywood.
L’accusa è pesante: essersi registrata, anni prima, come membro votante del Partito Comunista.
In un’America dominata dalla paura rossa, basta poco per finire nel mirino. Eppure, la spiegazione di Lucille è semplice, umana. Sì, conferma, quella registrazione è avvenuta nel 1936, ma non per convinzione politica. Lo ha fatto solo per assecondare suo nonno Fred, un socialista idealista, già anziano e fragile, che sognava un mondo più giusto per i lavoratori.
«Era l’unico padre che abbiamo conosciuto», racconta durante la deposizione. «Se quello lo rendeva felice, allora era importante.»
Il modulo che viene mostrato come prova — con una firma traballante e il nome scritto male — lei lo contesta senza esitazione:
«Non l’ho firmato. Non so nemmeno da dove venga.»
Dopo due ore d’interrogatorio, viene completamente scagionata.
Lucille crede che l’incubo sia finito. L’interrogatorio è alle spalle, la commissione non ha trovato elementi per procedere, e per qualche giorno il silenzio sembra confermare che tutto sia davvero chiuso.
È domenica sera, e nella casa dei Ball-Arnaz a Chatsworth regna una strana quiete. Lucille è seduta sul divano, con un copione in grembo: sta rileggendo le battute della prossima puntata di I Love Lucy, quella che girerà il giorno seguente. La radio è accesa in sottofondo: in onda c’è la trasmissione di Walter Winchell, uno dei commentatori radiofonici più ascoltati e temuti d’America, famoso per i suoi “blind item” — lanci di gossip senza nomi espliciti, ma con abbastanza indizi da far capire esattamente di chi si parla.

Quella sera, Winchell lascia cadere la bomba:
«La comica più famosa della televisione è stata affrontata in merito alla sua appartenenza al Partito Comunista.»
Non fa nomi. Ma non serve. Il riferimento è chiarissimo, e lo scandalo scoppia immediato.

Il mattino dopo, a Chatsworth, il telefono non smette di squillare. Viene convocata una riunione d’emergenza: nella sala riunioni della Desilu arrivano gli avvocati, Desi Arnaz, e i rappresentanti della Philip Morris, sponsor principale dello show. Tutti hanno bisogno di chiarimenti, subito. La questione non è più privata: I Love Lucy è il programma più visto d’America, e qualunque ombra sulla sua protagonista rischia di mandare in frantumi un impero economico.
Ma prima che le speculazioni diventino incontrollabili, arriva un gesto risolutivo da parte della politica. Il vicepresidente della HUAC, Donald L. Jackson, indice una conferenza stampa per mettere fine a ogni dubbio. Davanti ai giornalisti dichiara:
“Non ci sono prove che Lucille Ball sia o sia mai stata comunista. È completamente scagionata da ogni accusa.”
Un colpo di scena inaspettato. E a quel punto, anche la stampa mondana si muove. Hedda Hopper, giornalista notoriamente conservatrice ma storica amica di Lucille, decide di prendere pubblicamente posizione. Firma la frase che farà il giro del paese:
“L’unica cosa rossa in Lucy sono i capelli — e anche quelli non sono naturali.”
Ma serve di più. E a metterci la faccia, come sempre, è Desi Arnaz.
L’11 settembre, poco prima di girare una nuova puntata davanti al pubblico in studio, sale sul palco. Non è in onda, ma ogni parola risuona come se lo fosse:
“Lucy non è mai stata comunista — né ora, né mai. L’unica cosa rossa in Lucy sono i capelli. E anche quelli non sono naturali.”
Il giorno seguente, nella loro casa a Chatsworth, Lucille e Desi ricevono i giornalisti. Lei è seduta nel patio, con un sorriso stanco ma dignitoso. A chi le chiede se ha paura per la sua carriera, risponde senza esitare: “Ho più fiducia nel popolo americano. Penso che ogni volta che dici loro la verità, stanno dalla tua parte.”
Ma la vera ironia della vicenda arriva proprio da Walter Winchell. Una settimana dopo che il suo "blind item" ha provocato la bufera, chiude la trasmissione radiofonica riconoscendo senza alcuna esitazione che Lucille Ball è stata completamente scagionata e che l’opinione pubblica è ora dalla sua parte.
Quel gesto, seppur tardi, segna davvero la fine dell’incubo. Ma l’impatto emotivo resta scolpito nella mente di chi ha vissuto quei giorni. Tutta questa vicenda è stata raccontata nel biopic Being the Ricardos (2021) con Nicole Kidman e Javier Bardem.

È il 18 febbraio 1954 quando 12 metri d'amore debutta al prestigioso Radio City Music Hall di New York. Per la MGM, quel giorno rappresenta una scommessa audace. Il dubbio aleggia da mesi tra i corridoi dello studio: il pubblico sarà davvero disposto a pagare il biglietto per vedere Lucille Ball e Desi Arnaz al cinema, quando ogni settimana può goderseli gratuitamente in televisione con I Love Lucy?

La risposta arriva, sonora e inequivocabile, dalle risate in sala e dalle file ai botteghini. Il film si rivela un trionfo commerciale: secondo i registri interni dello studio, incassa quasi 5 milioni di dollari, con un profitto netto di oltre 3 milioni e mezzo. Desi Arnaz, che aveva scommesso 25.000 dollari che la pellicola avrebbe superato Father of the Bride al box office, incassa anche quella vittoria.
La stampa, com’è prevedibile, si spacca. Saturday Review lo definisce “davvero esilarante”, Time lo celebra come “una farsa deliziosamente sconclusionata”. Più pungente è il New York Times, che lo liquida come “un’ora e mezza del tipo di assurdità che si trova in un buon episodio veloce di Lucy… la moglie resta una sciocca… e il marito è ancora un buon diavolo con più pazienza che cervello”.
Ma al pubblico poco importa.
Per molti è emozionante vedere Lucy e Ricky — pardon, Tacy e Nicky — a colori, lontani dal familiare salotto televisivo. La MGM punta proprio su questo effetto sorpresa, distribuendo il film in Ansco Color, per offrire finalmente agli spettatori la chioma rosso fuoco di Lucille Ball.
È un successo che non solo conferma l’immensa popolarità della coppia, ma dimostra anche che cinema e televisione non devono per forza essere in competizione: possono, anzi, alimentarsi a vicenda.
E a rendere quella settimana ancora più speciale, un ultimo dettaglio: due giorni prima, il 16 febbraio 1954, Vincente Minnelli aveva sposato Georgette Magnani, giovane francese arrivata a Hollywood come chaperon della sorella Christiane Martel, eletta Miss Universo 1953.

Ogni volta che nomino 12 metri d'amore, accade sempre la stessa magia: mi inondate con i vostri ricordi. C’è chi lo ha visto da bambina con la nonna, chi lo rivede ogni anno come rito familiare, chi non riesce a pensare a una giornata storta senza immaginare quella povera Lucy alle prese con i sassi nascosti nella roulotte. È proprio quella scena, la discesa in montagna con il rimorchio carico di “souvenir”, che torna più spesso nei vostri messaggi. Ed è incredibile pensare a quanta forza affettiva possa avere una gag così slapstick, così visivamente folle, eppure così umana.
Il film è rimasto nel cuore di molte generazioni perché non è solo una commedia brillante: è una finestra su un’epoca in technicolor, un viaggio sentimentale fatto di sogni di libertà, incidenti domestici e amore sincero. E soprattutto è la celebrazione perfetta di due artisti che hanno saputo far ridere senza mai perdere la tenerezza.
A distanza di decenni, 12 metri d'amore non è invecchiato: è diventato un rifugio emotivo. Un piccolo classico che resiste al tempo e ci accompagna ancora, ogni volta che abbiamo bisogno di una risata gentile e di una storia che sa di casa — anche se su ruote.

Forse anche voi, come me, avete bisogno ogni tanto di un film che non pretende nulla, ma vi rimette in ordine il cuore. 12 metri d’amore fa proprio questo: si infila tra i pensieri storti con una risata leggera, e all’improvviso, senza fare rumore, ci ricorda che ridere insieme è già un modo per resistere.

QUOTES:

Nicky: Mi dia retta, arriva sempre il giorno in cui uno torna a casa e la casa è sparita!

Nicky: Un rimorchio, questa si che è bella! I signori Collins vi aspettano per un cocktail oggi: li troverete lungo la strada nazionale numero 4. Meglio ancora non disturbatevi, verranno loro con la casa e tutto. 

Anna: Sai che ci sono i più bei passaggi del mondo tra qui e il Colorado, e li vedremo tutti in viaggio di nozze, fermandoci dove ci pare, quando ci pare. Arrivati in un bel posto vicino ad un ruscello, o un laghetto. e saremo soli, tutto sarà nostro. 

Nicky: Avvertimi quando devo voltare.

Anna: Qui, curva a destra.  No, no che diavolo fai,

Nicky: Ho girato a destra 

Anna:  hai sbagliato strada. La nostra è dall'altra parte, quella che gira a sinistra. 

Nicky: tu mi hai detto a destra.

Anna: Non ti ho detto di girare. 

Nicky: Hai detto Qui curva a destra e io ho curvato. 

Anna: Non mi hai lasciato finire la frase che stavo dicendo "Qui curva a destra e poi gira a sinistra".

 

Anna: Ognuna di queste pietre è legata a un bel ricordo. Doverle gettare via come fossero sassi qualsiasi proprio non me la sento, è più forte di me. In fondo un rimorchio è come una nave, e perciò più peso porta e meglio cammina. 

Nicky: Dicono che quando un matrimonio va male, va male nei primi tre anni. Con un rimorchio si fa molto prima.

CLIP:

 

 

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